畫家之眼：審美的十二要素（果麥經典）

這本書是閨女讀高中學插畫時，專業老師推薦的幾本書之一。我上深圳圖書館網站查到都有，就通過網絡借給女兒看，自己當時只粗略地翻閱沒細讀。 閨女選擇走專業路線後，我也受了不少薰陶，重新激發了我兒時對繪畫的興趣。也跟着去畫室，學水彩、學油畫。但始終有一個疑問在我心中揮之不去，手機相機普及的今天繪畫的意義何在？在這本書裏，我找到了答案。 一、畫家的眼&手 1、創造力 對於畫家來說，想在忠實還原細節方面與相機一爭高下，是非常愚蠢的想法。畫家更應該充分發揮他的創造力和想象力，努力設計畫面。即使作畫時參考照片，畫家還是要把注意力集中到那些相機無法做到的事情上面：他可以弱化或者刪掉一些不重要的元素，重新安排或者設計畫面，利用各種方法，讓畫面更有力地表達他的想法。 2、學會觀察 畫家想要最終創造出統一有序的優美畫作，首先就要學會從繪畫的角度出發觀察一切，這樣才能在眼、手以及我們所選擇的繪畫媒介之間取得最大的平衡與統一。隨着時間的推移，畫家慢慢就會發現，自己的手自然而然就能與眼睛配合，能很好地協調與使用媒介；畫家會驚喜地發現，他們已經能夠不假思索地使用某種技法，準確地表達出他們想要傳達的印象。他們不用刻意思考技法問題，就能直接把看到的事物暗示出來，或者如實記錄下來。所以，技法並不是一種刻意使用筆觸的方式，而是每個畫家自然而然發展出來的一套風格，只要他對自己的視覺以及自己的情感反應有信心，並且有耐心，就一定能慢慢培養出自己的一套方法。 3、素描&繪畫 素描更多考慮輪廓，繪畫更多考慮調子、色彩。 我們不想把一張色彩畫變成素描，也不想把一張素描作品畫成簡略版的色彩畫。許多差勁的作品既不是素描，也不是繪畫，而是二者尷尬的混合。一張好的素描作品應該把結構和輪廓線交代清楚，做到這一點就很好了。而一張好的繪畫應該利用好形體與邊緣的關係，有的邊緣處理得清晰點，有的邊緣畫得模糊點，以此強調畫面的色調與圖案設計。事實上，繪畫中不應該出現突兀孤立的線條，因爲大自然中並沒有所謂的輪廓線，而繪畫，尤其是傳統繪畫，就是要儘可能忠實地再現大自然。在大自然中，形體的輪廓和邊緣是靠相鄰區域不同的明度對比顯示出來的，不需要刻意用其他方式（比如線條）去突顯邊緣。但是在素描裏，我們別無他法，只能靠線條來描繪形體的邊緣或界線。 我們應該充分認識到素描與繪畫之間的區別。好的素描是優秀繪畫作品的基礎，但是好的繪畫絕不侷限於素描中的邊緣與輪廓，而且要畫出特定光線條件下物體的色彩和質感，畫出周圍的空間與氛圍。如果像畫素描那樣把每個部分都勾勒出堅硬清晰的邊緣線，把所有物體都明確區分開，就畫不出這些效果。 4、透視關係 任何物體，我們都能把它裝在一個方形盒子裏。觀察物體的造型，我們可以想象有一個正好包裹住它的方形盒子。作畫時，首先把方形盒子畫出來，保證透視關係準確，然後再在方形盒子裏面把物體的形找出來。你要訓練自己的眼睛能夠看出物體周圍的方形盒子，而不是隻看物體的邊緣輪廓線，這樣畫出來的東西纔會有三維立體感。孩子畫畫的時候就常常只會畫輪廓，而忽視物體的透視關係。 5、蒐集素材 尋找和準備繪畫參考資料的方法有很多，這裏我簡單說幾種。最好的一種方法是圍繞你感興趣的主題，建立相應的素材庫。和在商業繪畫中一樣，參考這些素材的時候，你不需要百分百地照抄，從裏面吸取有用的信息就可以了。素材庫裏可以包括景點的剪報或明信片、自己拍的照片、藝術作品的複製品、閒暇時光畫的草圖，以及各種鉛筆速寫和備忘，等等。當你乘車外出或者度假時，也可以一直帶着相機以及速寫本。 6、學抽象畫 據我所知，目前並無專門的美術基礎訓練致力於把學生培養成抽象派畫家，抽象派畫家不像寫實畫家可以專門練習線條、明度、色彩、形體刻畫等基本功。我建議那些立志成爲一名抽象派畫家的年輕藝術家，應先練好寫實繪畫的功底，就像畢加索和其他一些現代藝術家一樣。之後如果你選擇走抽象繪畫的道路，就再轉去畫抽象畫，關注畫面的統一感和秩序感，最終在抽象畫中表現出所有真正藝術創作都應具備的美。 7、適可而止 刻畫的過程是永無止境的，你總是可以在自然中看到更多的細節，如果你也不停地給你的畫面增加細節，那麼你就很可能會讓原本的傑作變得平庸！我們畫家經常會幹這樣過猶不及的事情。我們要牢記，自然僅僅是我們繪畫的素材來源，不用全部照畫，只要把必要的細節畫出來就足夠了。 8、形成風格 對一個藝術家來說，在其職業生涯的一開始就決定他未來要畫哪種類型的畫是不可能的，也是不明智的。畫家應該首先掌握足夠多的知識，接受足夠多的訓練，有足夠的積累能支撐自己把所選擇的路走下去時，再做決定。而且有人說，當畫家經驗豐富、技法純熟之後，不同風格之間也不是完全對立的，有的時候，一種風格不過是另一種風格的衍生物，又或是對另一種風格的改良。因此，畫家不應該過分急躁，應該讓他的作品根據他的能力和品位自然發展。 9、新人建議 對於所有年輕的畫家，我有一條最真摯的建議，那就是先把繪畫技術練好，不斷尋找美以及表達美的新方法，帶着堅定的信念不斷努力，不要被任何關於畫家應該怎麼畫的先入之見侷限，也不要被任何批評家可能的評價影響，而應該自由地發展個人的繪畫風格。 二、繪畫的12要素 1、畫面的統一性 畫面的所有部分構成了一個完整、統一的整體，構圖、色彩、線條、明度、肌理等方面緊密結合在一起，共同服務於畫面的整體表達。 2、簡潔性或清晰性 弱化所有和畫面主要構思無關的內容與細節，把畫面主題簡化成基本的構圖、形狀和圖案。 3、畫面設計 注意畫面各區域、形體、顏色之間的總體關係。畫面設計決定了作品成敗。 4、比例 注意畫面各個主體、各個部分之間的和諧關係。和諧的反面就是比例失真。但有的時候，爲了強調某些想法或者某些情感，也可以故意讓比例失真。 5、色彩 這是美的衆多要素中最重要的一項。使用色彩的時候，畫家不能僅以個人趣味或好惡爲準，他必須理解色彩與明度的關係，以及調色和配色的基本準則，以便創造出真實和諧的色彩效果。 6、韻律 儘管這一點常常被人們低估或者誤解，但韻律對於畫面的美感至關重要。一切有生命的或者無生命的物體，從最小的形體到整個宇宙星系，都有韻律。沒有韻律，所有的形體就會死氣沉沉。在畫面中，我們能看到相同顏色與線條的重複，能看到逐漸增大或者逐漸減小的形狀，這都構成了韻律。就像在自然中，我們能看到樹枝與樹葉的重複線條，看到斑馬背上的花紋，看到花瓣和花色紋理中的節奏，韻律無處不在。 7、形體 形體結構與空間整體間的關係是一項基本藝術原則。每個事物要麼屬於形體，要麼屬於空間，而且二者互相依存。當畫家準確地勾勒出畫面中物體的輪廓，讓它與空間之間比例合宜、對比關係恰當（比如樹木與天空之間的對比）時，我們就說畫面有形體感。 8、質感 質感就是表面肌理。所有形體都有表面肌理，表面肌理和形體結構同樣重要。如果我們把所有形體的表面畫成一樣的，就很難塑造出真正的美，這是許多總體效果還不錯的畫作也會犯的錯誤。 9、明暗 明暗和色彩二者密不可分，要創造出美，二者缺一不可。恰當的明暗關係能塑造出光感，讓畫面更加統一，而不正確的明暗關係則會嚴重損壞畫面美感。 10、光感 光感極爲重要。畫面中的光感與畫作實際受到的光照融爲一體，成爲畫作的一部分。有許多不同的光照形式：室內光、室外陽光、漫射光、反射光等。光源的特點會影響形體體積感的塑造、色彩的種類與鮮豔程度，以及質感等。如果不能真正理解光的性質，畫面就會分崩離析爲破碎的平面色塊與孤立的畫布。 11、主題的選擇 選擇繪畫主題爲藝術家提供了鍛鍊個人品位的最好機會。他可以從生活和自然界的無限資源中挖掘素材，並從中選擇、設計和創造出他自己的繪畫主題，展現他自己對於美的獨特理解。 12、技法 技法就是繪畫表達的具體手段，而不是表達內容本身。繪畫技法涉及對錶面與質感的理解，對於媒介及其使用方法的認識等。畫家在使用各種繪畫技法作畫的過程中，會將所有其他要素結合到一起。

簡潔深刻而動人的、關於繪畫的底層常識的小書。路米斯的人體系列也非常之經典。書裏薩金特的每張畫都如此地令人愉悅，對於“光輝”的觀察和摹畫，讓材質像是在閃閃發光。希望有生之年能親自看一看薩金特的真品，近距離體會一下大師對色彩的感受，筆觸肌理…… 更加理解了點線面一體的理念，點是短的線、線是轉折的面，因此輪廓線最終要爲畫面服務，虛的地方要虛，和麪塊融爲一體，而不要畫得像簡單的填色遊戲一樣那麼僵硬。色塊起型是很好的練習方法。 面塊相融的核心要點是明度關係保持一致，由此可知光影推理是區分塊面很重要的一環。get到一個有趣的點是，漫反射/大光源產生更虛的過渡，傾向於讓面變得平整，這也是打光的原理，而點光源更能凸顯面的質感和凹凸不平，由此前者可以用於打光面部，後者可以用於打光腹肌（大霧）。 小草稿也很重要，先把握畫面的整體關係、整體的元素、色彩、光影的構成，再進行刻畫，同時避免過於摳細節而失去整體觀感。 —————— 《畫家之眼：審美的十二要素》核心內容梳理 一、十二大核心審美要素與核心準則 1. 畫面統一性：畫面的核心根基 核心是從構圖設計入手，實現全畫面的平衡與和諧。先把三維體塊轉化爲平面圖形，敲定平面構成關係，再處理明暗與體積（先構成，再刻畫）；通過統一光源、統一主色調（所有顏色加一點主色實現和諧）、線條韻律、色塊歸納、空間虛實（前景實、遠景虛）實現統一；明度對比越強，構圖越要簡潔；畫面可保留鬆動的“未完成感”，在明度、色彩關係正確時適時停筆，避免過度刻畫。 2. 簡潔性：畫面力量感的來源 核心是「抓重點、做取捨」，守住最初打動自己的整體氛圍，不被細碎細節帶偏。着重強調畫面核心元素，弱化、簡化甚至刪除非必要元素；把瑣碎的分面、褶皺、細節歸納爲更大、更完整的塊面；暗部比亮部更簡化，細節與質感集中在亮部；避免畫面所有區域平均用力、平均刻畫。 3. 畫面設計：畫面的視覺引導與敘事邏輯 核心是主動規劃觀衆的視線，讓設計服務於主題表達。給畫面設置唯一的視覺焦點，規劃好視線的入口（通常在畫面底部）、瀏覽路徑與出口；利用線條的情緒屬性（水平=寧靜、垂直=生長、對角線=戲劇、S曲線=優雅韻律）引導視線；通過「精細-鬆弛、大膽-細膩、鮮豔-安靜、複雜-簡潔」的對比關係實現畫面平衡；設計要貼合對象的功能與本質，形態服務於功能。 4. 比例：畫面真實感與表現力的基礎 拒絕機械復刻真實比例，先還原真實，再基於創作需求主動調整。可用「方盒包裹法」把控物體的基礎比例；推薦「兩遍畫法」優化畫面——第一遍嚴格復刻真實比例，第二遍基於第一遍優化，強化亮點、簡化細節、調整比例、增強設計感；創作前通過系列自問，明確比例調整的方向與目的。 5. 色彩：畫面情緒與氛圍的核心 明度先於色彩，只有明度位置準確，色彩才能準確好看。調色盤需配齊冷暖兩個傾向的三原色；通過「灰純對比」凸顯色彩的鮮亮，而非堆砌純色；用複色技法豐富色彩層次，保證複色明度統一，避免畫面斑駁；先同步建立所有色塊的對比關係，而非逐個填色；把鮮豔色彩集中在視覺焦點處，避免畫面到處都是高飽和色；通過光源色與環境色的融合，統一畫面色調，強化光影的真實感。 6. 韻律：畫面的節奏感與生命力 核心是「重複與呼應」，讓畫面所有元素形成有秩序的關聯。讓線條、衣紋貼合物體的結構與重力規律，形成自然的韻律；通過明度、色彩的重複使用（同一色彩在畫面不同位置呼應），實現畫面的節奏感與統一感。 7. 形體：畫面體積感的核心 拒絕只盯輪廓與細節，用塊面思維理解形體。把複雜物體拆解爲簡單的塊面，通過塊面的明度變化塑造體積（與光線垂直的面最亮，偏離光線的面逐步變暗）；避免亮部與暗部均分畫面，讓其中一方佔主導；用暗示的方式表達形體，比事無鉅細的刻畫更生動；通過投影把物體與環境關聯起來，強化空間感。 8. 光的明暗：畫面的骨架 繪畫的本質是描繪光線，而非物體本身；顏料無法復刻自然光的亮度，需保證畫面內的明暗次序與對比關係真實，而非絕對明度和現實一致。明確自然環境的明度規律（天空最亮，其次是地面、向上的坡面，最暗的是豎直面）；亮部與暗部的亮度強關聯，最亮的亮部旁對應最亮的陰影，以此類推；利用反光豐富暗部層次，凸顯暗部形體；區分直射光與漫射光的不同效果，漫射光下形體更接近簡潔色塊，紋理與體積感弱化。 9. 質感：畫面的細節表現力 質感是個人審美與技法的體現，沒有唯一標準，需服務於整體與主題。質感刻畫要貼合對象的本質特徵，而非爲了質感而質感；形成個人技法習慣的同時，要持續嘗試新手法、新環境，避免作品陷入單調與固化。 10. 素材積累與主題：創作的起點 美無處不在，核心是挖掘與積累。圍繞感興趣的主題建立素材庫（照片、速寫、剪報等），僅提取有用信息，而非照抄；用自制取景框（黑卡紙開孔）從日常場景、照片局部中挖掘構圖與靈感；優先選擇能與自己的情感、記憶、經驗產生共鳴的主題，更能打動觀衆。 11. 主題之美：畫面的最終靈魂 畫面的美，最終來自主題本身的感染力，與技法的精準表達。抓住主題中最能打動自己的核心特質，用繪畫技法放大這份美感，讓主題的情感內核與畫面的視覺表達高度統一。 12. 技法：創作的落地工具 技法服務於表達，而非本末倒置，沒有高低之分。持續嘗試新技法能讓作品保持生命力；在紮實的基本功之上，持續做技法實驗，主動接觸新環境、新作品、新視角，拓展創作邊界。   二、可落地的實操訓練方法 1. 整體觀察訓練：不畫線稿，直接用色塊起形塑造形體，通過色彩明度對比表現輪廓，對比強的地方強化邊緣，對比弱的地方柔化虛掉，訓練整體把控能力。 2. 構圖設計訓練：用自制取景框從日常場景、照片中截取構圖；用4種明度做3×4英寸的小幅色塊構圖練習，先畫大塊簡單色塊，再補充複雜色塊，避免相同大小形狀的色塊；無參考素材直接做黑白/彩色構圖練習，培養設計感。 3. 明度把控訓練：先把畫面歸納爲大的明暗關係，用中間色調概括區域，再逐步細化高光與陰影；眯眼觀察畫面，辨別微妙的明度差異，訓練對明度層級的敏感度。 4. 簡化概括訓練：戶外寫生時，用大號筆刷畫小幅色彩草稿，只抓大的色調關係與圖案設計，不摳細節；對着複雜場景，練習刪除非必要元素，歸納整體形狀，強化核心主體。 5. 比例優化訓練：用「兩遍畫法」練習，第一遍嚴格復刻真實比例，第二遍基於第一遍進行優化調整，平衡真實與創作表達。 6. 色彩搭配訓練：用從印刷品中提取的幾種顏色做平面構圖練習，訓練色彩搭配與主色調把控；練習複色技法與二次上色，訓練色彩層次的把控能力。   三、新手避坑核心提醒 1. 不要機械照抄自然、描摹照片，忽略對自然規律的理解與主動的藝術化表達； 2. 不要一開始就沉迷局部細節，忽略畫面整體的構圖、明度、色彩關係，導致畫面細碎、失衡； 3. 不要孤立地看單個元素、單個色塊、單個維度，所有繪畫要素都是相互關聯、相互影響的； 4. 不要堆砌高飽和純色，畫面的鮮亮感來自灰純對比，而非飽和色的多少； 5. 不要用投機取巧的技法套路掩蓋基本功的缺陷，紮實的知識與底層邏輯纔是創作的核心； 6. 不要過度刻畫畫面的每一處細節，學會適時停筆，適當的“未完成感”反而能提升畫面的美感與張力； 7. 不要被“必須復刻真實”束縛，畫家有權基於創作需求，對真實景象進行簡化、美化、重構與戲劇化處理。

一本非常專業的書，從藝術家的層面來寫的一本書。以往我們學藝術，都是學術這個層面的知識，那這本書告訴你如何先把道學好，道纔是一個藝術家要解決的基礎問題。 就好像建一座房子一樣，先要打地基，如果地基沒有打好，那他的作品畫出來肯定是衝擊不了心靈，也打動不了別人的靈魂。這本書中分享了很多偉大藝術家的作品，從這些作品當中能夠看到藝術家的配色，色彩搭配、一幅作品的構圖，光影和光線的處理。這些都是需要藝術家非常的細膩，對於生活要有熱愛，觀賞生活中一些美好的事物。 那我從這本書當中，非常直觀的瞭解，就是作者對於色彩的分析，然後是構圖，光影點線面這些。畫家分抽象和實用藝術，不管走什麼風格，要從自己最擅長的深處着手。如果比較傾向於走抽象派，那就畫抽象的作品。如果適合畫實風格，那就走畫實風格。

雖然本書更像是審美方面的書，但是對於學畫畫的人來說，也會有很多知識上的啓發。作者的敘述，非常有耐心，能夠把很多知識點拆解的很細緻，圖解和小字的備註也恰到好處。 對我而言，這本書他給我提供了練習的新思路，我可能一直太注重結構而忽視了更多的問題。它也讓我的很多知識串聯着，一邊閱讀這本書，我會一邊做一些針對的訓練，值得二刷。

繪畫最爲重要的還是對於事物產生的感覺，如何能夠形成完全的認識，或是發展新的方式表達總是非常不容易的。國外的繪畫與國內總是存在着差異，而且似乎國外的油畫就是代表了，我們大部分都是國畫，兩者之間可能最初都是以繪畫的工具爲基礎來發展特徵的，因爲繪畫的工具，筆顏色和基體都是差別很大，在這個基礎上決定了繪畫的內容以及形式特徵，其實我們在固定工具的條件下發生技法的變化還是非常困難，即使簡單增加了一些元素，比如顏色，但是形成的特徵也不會產生改變，我們繪畫似乎在宋朝達到了高峰，似乎各種技法都被嘗試了，隨後似乎探索精神就變得薄弱了，而且能夠進行繪製的對象也發生來變化，因爲技法很難提高所以出現了非常擅長畫某些的物品作家，簡單在觀察的基礎上，完成了熟能生巧的過程，唯一與西方文藝復興時代的集體完成狀態，我們繪畫似乎是一個很私密的事情，也很少在公衆場合進行繪畫，當然可能繪畫本身也是與國家發展的狀態息息相關的。很多時間都是看的多了，形成了一種習慣的認識。其實表達形式總是會影響我們能夠看到的狀態，其中也是存在不同的視角來進行認識，當然在西方存在的傳統之物與當下還是存在着非常巨大的差異，其實表達要素是不一樣，但是核心都是對於形成形式的認識，其中繪畫非常類似我們社會文化，本身不是給創作者來看的，因爲一旦完成了，似乎就會變成了公衆來進行欣賞的內容，可以被更多的認識，在這個過程之中，很多共同的東西，也被挖掘了出來。

本想以此提高審美，提高攝影技能，讀了一半實在讀不下去了，爛尾。 從小几乎沒有上過美術課，繪畫技能等於零。算是對美術做個瞭解吧，雖然下次路過美術館也只會看個熱鬧。

🔵安德魯·路米斯的《畫家之眼：審美的十二要素》 用他自己的方式，將“美”從12個核心審美維度逐一進行分析。 🔹十二要素！ 包括畫面的統一性，簡潔性或清晰性，畫面設計，比例，色彩，韻律，形體，質感，明暗，光感， 主題的選擇，技法等，作者提到“畫色彩時，最大的錯誤就是在調色盤上放太多顏色，這樣畫出來的畫常常不統一，不和諧。” 🟣色彩是畫面的靈魂，就像梵高的《向日葵》，鮮豔的黃色，彷彿能燃燒起來，給人帶來無盡的熱情和活力。 ⚪️構圖也很關鍵，好的構圖能讓畫面更有層次感。 就像達芬奇的《最後的晚餐》，人物的排列和空間的分配，都恰到好處，讓人一眼就被吸引。 ⚪️光影的運用更是點睛之筆，倫勃朗的作品中，光影的對比讓畫面充滿了戲劇性和立體感。 ⚪️質感的表現，畫家們通過細膩的筆觸，讓畫面中的物體彷彿觸手可及。Velvet的質感、石頭的粗糙，都能在畫布上完美呈現。 ⚪️除此之外，還有線條、形狀、空間、節奏、平衡、對比、和諧、焦點等要素。 🟪繪畫大師喬治·伯裏曼曾經說到，“如果你不知道如何畫手，你自己就是你自己最好的老師，看看你自己的手啊！” 實際上，我們解決任何問題所需要的事實就擺在我們面前，而且一直在那兒，只是我們忘記了去主動了解、思考和熟悉他們。要學會去觀察，去尋找答案。我們自己的眼睛和大腦能夠教導我們所有事情。 ⚪️再去美術館或者看畫展的時候，不妨用畫家的視角去欣賞，你會發現更多的美和細節。

零碎時間裏草草看完的。雖然面向的是新手畫家，不過一般的欣賞者其實也可以看看，多少能學到一點鑑賞和分析的關竅。只是本書的安排疏密不齊，有時只有大段空泛的話，有時又要點頻出，讀起來其實很疲憊。前面出現過的東西后面也會再三重複。 我疑心作者使用的概念體系其實並不科學，因爲許多概念的含義不是模糊就是相互疊合，這也解釋了爲什麼會有前後重複。作者似乎很看重裝飾性和美感，非常貼合一個商業畫畫家的身份，好像缺乏米開朗基羅式的藝術自覺、使命感或者沉重的意識，這難免讓我覺得，他的有些見解可能立足於狹隘的美學觀念上，不值得當真。 總體來說，讀這本書像是沙裏淘金，十分辛苦。

男朋友推薦的書。 對美術創作的不太懂，感覺自己離他的世界又近一點了。 讀完之後的感想是：寫作也好畫畫也罷，重要的就是堅持去創作，盡情去描繪表達自己眼中的美好。 天賦是起點熱愛是燃料，保持熱愛比天賦更重要。

畫畫的人看了會很受啓發。十二堂審美課，審美要素包括統一性、簡潔性、畫面設計、比例、色彩、韻律、形體、質感、明暗、主題、技法等。 通過對莫奈、凡·高、倫勃朗、馬蒂斯等大師作品的解讀，讀者能夠不斷提升自己的審美能力和繪畫技巧。 很認同作者說的：所有的藝術，如果要有價值，就首先是個人化的。應該自由地發展個人的繪畫風格。