人人都該懂的古典音樂

音樂作爲人類表達情感的語言，必然與歷史文化相通。 對古典音樂感興趣，就不是僅僅滿足於碎片化的知道一些西方音樂形式的知識，而且是要理解它的建構模式。而這些需要具備一定的認知能力並嵌入到本體底層架構中，進而對自己的認知進行迭代。這就需要構建一個全新的理論框架，尋着嘗試從音樂發展的歷史出發，研習西方古典音樂來龍去脈，爲本體構建一個完整的古典音樂認知架構。 其實，一般意義上的古典音樂，尤其是器樂作品（序曲、奏鳴曲、協奏曲、交響樂）距今最多隻有三四百年，就是我們的明朝時期。那時，我們的音樂文化已經豐富多彩了，秦腔、崑曲已經成熟發展了。而更早的時候，以至於兩千年前，我們就有了儺戲，有了古琴，有了排簫。奏鳴曲不就是琴簫合奏嘛。西方的和聲哪有我們鼓樂齊鳴的風采。還有許多古代曲譜，至今在外國人的博物館圖書館裏躺着…… 在對西方古典音樂有了一定的認知邏輯基礎上，再從聽覺的視角去感受到音樂是如何與宗教精神、人類情感、發明創造、歷史推進、個人和民族的自我意識這些西方傳統文化的聯繫。曾以宗教、哲學、心理或政治的名義，對古典音樂下過的定義又是哪些。 音樂作爲一種單純的消遣工具、一味生活的調劑品或一種娛樂形式，對於音樂以理論認知不能代替聆聽感知。還需要選擇不同年代的、不同風格的音樂經典，認真聆聽，靜心感知。若能掌握經典作品中的代表性音樂語言，融會貫通，無疑就豐富了自我的認知體系和能力。由此，增強一種借鑑它山之石來重構對民族傳統音樂文化的認知架構和能力，努力做“一個高尚的人，一個純粹的人，一個有道德的人，一個脫離了低級趣味的人，一個有益於人民的人”……

這本書讀完用了11個小時22分 因爲不是音樂專業，但是又比較喜歡聽音樂，儘管隨着數碼技術越來越強大，開個會員就可以聽到數不清的音樂，精選搜不完的專輯。儘管早期的磁帶已經在數次搬家中，沒有了蹤影，但我依然從中學時代開始，蒐集和保存了不少cd和黑膠的老唱片，古典音樂是其中佔多數的部分，大多時候只是聽着，並不知所以然。 喜歡古典音樂是從我大學時代開始的。當時我在美術系，大二那年，音樂系有一位剛從丹麥回國的年輕音樂老師，很儒雅，他在全校開設一門音樂欣賞課，然而真正選修的人不足二十人，我是其中之一，記得他給我們講的第一首樂曲是《在中亞細亞的草原上》，後來幾次課，去的人越來越少，然而老師堅持給儘管很少的寥寥幾個人耐心的講解。最後再也沒有人去了。多年以後，這位年輕的老師成了教授，並當上了院長，我常常想起他當年的模樣，他真的是一個非常熱愛音樂的人。 因爲大學時遇到的這位老師，我對古典音樂初步的認識只停留在了那一點點“原來如此”上。後來因爲一位名叫埃舍爾的錯位空間的藝術家，而讀他的繪畫卻從中知道了他深受巴赫平均律音樂的影響，於是我開始聽巴赫，聽巴赫的賦格與託卡塔、平均律、康塔塔、協奏曲、奏鳴曲、無伴奏大提琴組曲、小提琴組曲、清唱劇、詠歎調、彌撒曲、安魂曲、受難曲、創意曲、詼諧曲、經文歌、衆讚歌、讚美詩……感受那種音律錯位、無限往復的秩序感。有時會覺得，巴赫的音樂像一束光，在無限反覆彷彿不斷進階卻又不曾停止的的秩序中，覺得彷彿無限在接近神，那麼接近又遙遙無期，於是我買了不少巴赫的黑膠唱片。 對於古典音樂小白來說，這本書值得一讀，它讓我瞭解了一些初步的音樂知識，初步瞭解西方音樂發展的歷史，尤其音樂中對黃金分割比的運用規律。這讓我不得不感嘆，哲學作爲這個世界上各個學科的綜合總結，其中畢達哥拉斯學派爲什麼一直佔據着重要的位置：萬物的本質，確實可以從“數”去解釋。就如：中國古代有“太極生兩儀，兩儀化四象，四象生八卦，八卦而卜萬物” 音樂、建築、雕塑、繪畫、詩歌，把這些藝術形式聯繫在一起的，應該是一種數的規律。在古典音樂中，關於和諧的韻律中，和諧音與不和諧音的比例，不同音階、聲部的組合，可以歸納爲一定的數字；而建築是凝固的音樂，建築中的高低、錯落、韻律的美，彷彿是音樂的固體呈現；在雕塑與繪畫中，對造物形體的歸納總結，依然可以用幾何體給予數字化歸納，在構圖中去遵從黃金分割比的和諧之美的圖式；在詩歌的押韻中，依然有數的秩序與規律，中國格律詩的平平仄仄似乎也可以從“數”去歸納……這看起來與藝術無關的數學，卻可能是世界物理之本質。從而又體會到了楊振寧講過的一些話：數學是一種有構成的、有秩序的美。 因此，讀這本書，更深刻的讓我在聽古典音樂的過程中，去感受數的音律之美，韻律的構成之美，聲與器的和諧之美。

“言之不足故嗟嘆之，嗟嘆之不足故永歌之”。音樂是人類情感的重要表達方式。我們對古典音樂的印象往往停留在管絃樂、鋼琴或器樂上，始終有種距離感，本書淺顯易懂，有助於拉近距離，雖然大部分的作品沒有聽過，也不妨礙閱讀和了解古典音樂，接觸前人的藝術瑰寶。

（時間4小時16分，進度52%） 我很喜歡音樂。 兩萬首的歷史聽歌記錄，每年一千多小時的聽歌時間。 堆積的音樂是消遣。 可是我最近發現，我不知道怎麼去形容它，定義它。 特別是我喜愛的新古典音樂。 它某種程度上尊重我，而我從某種意義上，把它用完就丟，過河且拆橋。 於是我決定打開這本書。 我不可能去學習枯燥無味樂理知識，那倒不如更好去理解某種類型音樂。 正如ai大綱寫出本書的主要內容：關注音樂對於人類的意義，而不是音樂史和音樂作品（曲調、技巧..）。 說說看完的心得。 因爲對於我來說它是偏向工具書，所以開頭5%精讀了一下，然後就開始看ai給的大綱，粗略看完整本書內容和中心思想。 13.9w字對於我來說其實很快就可以看完，但是有沒有全部汲取下來營養又是另一回事。 個人感覺在讀的四個小時內真的太多人名和專業知識。（如果是紀錄片形式會更生動有趣一些，用文字描述，個人覺得還是對讀者有一定要求的。） 所以暫且擱置，給自己留有餘地。 最後摘錄我在書中最喜歡的兩句話： “古典音樂的核心觀念是音樂可以像一種語言或一場對話，既具有表現力又富有思想性，不是真正的語言卻又勝似語言。” “如今，古典音樂的危機在於無論是對愛好者還是批評者而言，它都給人古板、過時、正式和浮誇的印象。可悲的是，古典音樂其實與這些印象完全相反。它一次又一次地表現出一種充滿智慧和活力的精神，總是戲弄聽衆的期望，還經常戲仿過於死板的音樂慣例。”

《人人都該懂的古典音樂》——朱利安.約翰遜 簡明易懂，大致說明了中世紀到20世紀西方音樂的發展歷程。古典音樂沒有明確的定義，是一種仍然活躍的音樂形式。古典音樂的發展史，就是記譜法的發展史。音樂語言從對上帝的崇拜到對自身感受的關注，器樂崛起後歌詞不再是音樂中必不可少的元素，絃樂也開始成爲古典器樂的核心。科技的發展帶來現代主義藝術。 學習到很多知識，如復調、古典音樂、記譜法、單旋律樂曲、素歌、不協和音、巴洛克、歌劇、古典主義、絃樂四重奏、交響樂浪漫主義、現代主義、詠歎調、標題音樂、宣敘調，奏鳴曲等等。 書後面很貼心地作了每章小結以及附上了音樂列表和推薦音樂，能夠對照着聽。 這是接觸到的有關音樂的第一本書，對於小白來說很不錯，能大致瞭解相關知識，並根據推薦音樂體驗不同類型的古典音樂。 藝術、音樂、文學等幾乎是同步發展的，主要受社會政治經濟影響，一個時代有一個時代的特點。我喜歡現代主義以前的藝術，也有可能是距離原因：身在現代，所以覺不到現代的意蘊。 跟着感覺走，碰到感興趣的地方就停下，但也不要害怕去接觸陌生的東西，生命太短暫了，花費時間去研究那些無法一下子便着迷的事情似乎是一種浪費。但如果不去尋找新的體驗，那不也是對生命的浪費嗎？ 音樂是無形的，動態的，流動的建築。 (1)中世紀：約500-1400，宗教音樂爲主 (2)文藝復興：約1400-1600，復調音樂、純淨復調合唱 (3)巴洛克：約1600-1750，歌劇、華麗、戲劇性+復調 (4)古典主義：約1750-1800，形式美、均衡剋制、結構工整清晰 (5)浪漫主義：約1800-1900，情感解放、旋律優美、宏大敘事 (6)20世紀現代音樂：1900-至今，風格多元，分支多，印象主義、表現主義、新古典、極簡主義、先鋒主義

《人人都該懂的古典音樂》精華總結 一、這本書到底在講什麼？ 它不是教你樂理，而是教你 “聽懂、敢聽、會聽” 古典音樂，把古典音樂從 “高冷藝術” 變成人人能享受的東西。核心一句話：古典音樂不是用來 “裝高雅”，而是用來感受情緒、故事與生命的。 --- 二、古典音樂到底在表達什麼？ • 古典音樂沒有標準答案，不需要死記背景、作曲家、曲式。 • 它表達的是：情緒、畫面、氛圍、故事、力量、寧靜、激情。 • 你聽到什麼，它就是什麼。你的感受，就是最正確的理解。 --- 三、聽懂古典音樂的 3 個最簡單方法 1. 聽情緒歡快、悲傷、緊張、平靜、莊嚴、溫柔…… 先抓住最直觀的感覺。 2. 聽對比音量強弱、速度快慢、樂器交替、旋律起伏 —— 音樂的張力就在這裏。 3. 聽畫面閉上眼睛，讓音樂自動生成畫面：森林、日出、暴風雨、舞蹈、戰爭、思念…… --- 四、古典音樂的幾個關鍵時期 • 巴洛克（巴赫、亨德爾）：工整、華麗、莊嚴，像精緻的宮殿。 • 古典主義（莫扎特、海頓、早期貝多芬）：均衡、優雅、清晰，像理性又優美的建築。 • 浪漫主義（貝多芬後期、肖邦、柴可夫斯基）：情感濃烈、個人化、戲劇性強，最容易入坑。 • 印象派（德彪西）：朦朧、色彩感、像畫，好聽又治癒。 --- 五、普通人最實用的聽樂建議 • 不要強迫自己聽完一整首，喜歡哪段聽哪段。 • 先聽旋律好聽的：莫扎特、肖邦、貝多芬、舒伯特、柴可夫斯基。 • 用音樂當背景：工作、學習、睡前、放鬆，都是最好的入門。 • 不用懂術語：奏鳴曲、交響曲、協奏曲不重要，重要的是你喜不喜歡。 --- 六、書裏最戳人的一句話 古典音樂不是給專家聽的，是給有感受力的人聽的。你不需要懂，只需要打開耳朵和心。 --- 《人人都該懂的古典音樂》其實就一句話：古典音樂一點都不高冷，它是人類最直白、最濃烈、最溫柔的情緒語言。不用背樂理、不用記作曲家，你聽到的悲傷、寧靜、激動、治癒，就是最正確的答案。先從好聽的開始，讓音樂走進生活，比什麼都重要。

【今日讀書】《人人都該懂的古典音樂》 【讀書時間】2小時 【背景介紹】《人人都該懂的古典音樂》是一本簡單有趣的音樂入門讀物。從中世紀的爲神歌唱、巴洛克時期的爲貴族演奏、古典時期的爲觀衆寫作、浪漫主義時期的爲自己作曲，到20世紀的矛盾與多元；從巴赫到貝多芬、瓦格納，到莫扎特、肖邦、舒曼，再到立體主義、偶然音樂等風格，本書系統地梳理了從中世紀到20世紀的西方音樂的發展變化，給我們呈現了一部西方音樂發展史。 【今日感悟】 又是跨界讀的一本書，說實話，真的有點隔行如隔山。雖然介紹說是普及類的書籍，但是讀的我真是昏昏欲睡，想着以後也不知道哪天還會有緣拿起這本書再看一遍，所以乾脆還是把我讀下來有幫助的先行做一下摘抄吧。 【摘抄】 本書主要關注的是音樂對人類的意義：爲什麼它在過去那麼重要，以及爲什麼它現在對我們來說依然重要？ 我想通過本書讓讀者感受到音樂是如何與宗教精神、人類情感、發明創造、歷史推進、個人和民族的自我意識這些西方傳統中的大概念息息相關的。 如果遵循時間順序聆聽音樂，那你很難有任何收穫。就像試圖按作家名字索引有條不紊地閱讀“經典”文學作品的人一樣，你堅持不了多久。而我的建議很簡單，那就是跟着感覺走，碰到感興趣的地方就停下，但也不要害怕去接觸陌生的東西。生命太短暫了，花費時間去聆聽那些無法讓你一下子便着迷的音樂似乎是一種浪費。 從中世紀到後現代這一千多年的西方音樂爲何能被歸類爲“古典音樂” 從中世紀到後現代這一千多年的西方音樂爲何能被歸類爲“古典音樂”呢？公元9世紀的修道士在無人的小教堂裏演唱的無伴奏旋律和在21世紀由一百多位音樂家組成的管絃樂隊爲兩千多名觀衆演奏的現代交響樂，又有什麼共同之處呢？答案很簡單，那就是共同之處並不多。 某種歷史的產物、不需要去定義的定義 記譜法：這是古典音樂的演奏中極爲重要的一環。正是因爲有記譜法，古典音樂才能和文學作品一樣在書寫過程中被固化，並區別於口耳相傳的遊吟詩歌和民間音樂。

值得一讀。即是通俗讀物，又具有專業水平，外行人可以流暢閱讀。作者對音樂有獨特的理解和解讀，很感性地闡述人與音樂的關係……

巴洛克改良了文藝復興的刻板，古典主義又壓制了巴洛克的放肆，浪漫主義又進化了古典主義的理性，現代派又規整了浪漫主義的隨性……，        縱觀音樂意識流 ，也無非手掌一鬆一緊。

一邊開車或幹家務，一邊聽讀朱利安·約翰遜《人人都該懂的古典音樂》，非常舒適。“從中世紀的爲神歌唱、巴洛克時期的爲貴族演奏、古典時期的爲觀衆寫作、浪漫主義時期的爲自己作曲，到20世紀的矛盾與多元…立體主義、偶然音樂等風格”，可謂脈絡清晰的西方音樂發展導覽。雖然將音樂窄化爲西方音樂有點兒沙文主義，但作爲主流，考慮簡明，這樣也無不可。再次看到提及保守的康德認爲音樂“只與感覺打交道…不像文學那樣具有嚴肅性、思想性”從而低估音樂的在藝術中的檔次，而其後的叔本華則調和地提出“音樂似乎是內在生命的一種展現。” 學習了格里高利聖詠和復調的來歷，與作者共同好奇於斯特拉迪瓦里小提琴音色優美的原因，還有不少認知得以提升，例如絃樂四重奏的通透在於量與結構的均衡；音樂慣例形成後聽衆掌握一套密碼開展高端遊戲的樂趣、海頓作品對集體理想的代表、交響樂則與私人體驗統一；時間和空間交織、視覺和聽覺的移覺，文學、建築與音樂的奇妙互文…嘗試分析調性和聲與繪畫透視法爲何幾乎在同一時期出現？總之，與這本小書共鳴之處頗多，對音樂承載人類精神需求的看法進一步堅定了。 點評和摘錄~ ◆ 2 神聖之音：從中世紀到1600年 2023/1/27 發表想法 復調的來歷。 >> 對於一個混合了不同年齡和性別的歌者的合唱團體來說，由於男性和女性、小孩和成人的聲音有着天然的區分，即便是在唱同一旋律的時候，相互差上八度也是很正常的。集體歌唱很容易在相同的旋律中產生一些微小的差別，尤其是當演唱者都是來自一個教會的教友，而非訓練有素的唱詩班時，因爲總會有人快上一拍或者慢上半拍。這樣就可能會形成一種支聲復調：人們同時演唱相同的旋律，但相互之間有着細微的差異。 在聖詠之外加上即興演唱的第二聲部的想法，也可能是復調產生的原因之一。在合唱聖歌時，很有可能有某位歌者在廣爲人知的標準旋律之外添加了自創的內容。表演者的即興發揮，在歷史上世界各地的不同音樂傳統中都屢見不鮮。 ◆ 3 人類之音：1600—1750年 2023/1/28 發表想法 “小提琴最早出現在16世紀早期的歐洲音樂中，當時被稱爲臂上提琴，以區別於低音維奧爾琴，後來成爲完全獨立於維奧爾琴的族系。” >> 現代小提琴族系(33)正是在這個時期攀升至古典器樂中的核心地位，並一直傲立至今的。 2023/1/28 發表想法 “一個好的小提琴家或大提琴家應該能使樂器的聲音接近人聲。從根本上說，所有器樂都是從模仿人聲的表現方式和手法發展而來的。” >> 在2006年的公開拍賣會上，一把斯特拉迪瓦里小提琴以354.4萬美元的價格被一位匿名買家購得。沒有人能完全確定這些傳世名琴備受推崇的音色從何而來。從理論上說，影響音色的因素包括製作所用的木材和處理木材的各種化學物質。 ◆ 4 古典之範：1750—1810年 2023/1/30 發表想法 “這種樂章和曲式的安排是爲了適應那個時代對音樂的感受與需求：既要表達深沉的情感，又要表現豐富的創造力，同時還要有對集體理想的肯定。” >> 海頓在40年的時間裏創作了大約60首鍵盤奏鳴曲，早期作品是爲羽管鍵琴或楔槌鍵琴設計的，最後的幾部作品則是爲新式鋼琴所作。其中只有最後一首是爲倫敦音樂會而創作的，其餘的都是爲家庭音樂演奏者，尤其是女性演奏者所創作的。他的奏鳴曲結構穩定，第一樂章通常是宏大的奏鳴曲式快板，緊接着第二樂章是抒情且帶有內省性質的慢板或行板，第三樂章是小調舞曲，取代節奏緩慢的樂章，最後是活潑輕鬆的結束樂章。 2023/1/30 發表想法 “德國浪漫主義作家、思想家歌德曾形容絃樂四重奏是“四個理性人之間的對話”” >> 兩把小提琴、一把中提琴、一把大提琴組成的四個聲部間的獨特平衡與之息息相關。古典和絃的本質基於三和絃，但往往又存在裝飾性的第四音，即不協和音。這意味着如果少於四個聲部，就很難產生完整的和諧感和響亮度。雖然更多的樂器可以發出更豐富的聲音，但也會讓四聲部音樂原本通透的織體變得模糊，正如幾個世紀以來的合唱音樂也需要保持通透一樣。 2023/1/30 發表想法 “康德關於音樂藝術不像文學那樣具有嚴肅性、思想性的觀點在18世紀90年代就已經顯得過於保守了。” >> 1790年，康德在《判斷力批判》中仍然認爲音樂“因爲只與感覺打交道，所以在藝術領域中處於最低的地位”。 2023/1/30 發表想法 “因爲樂句的推進、休止的節奏、聲音的固有風格、樂器的演奏方式等等慣例都是衆所周知的，所以各種誇張或故意“犯錯”的幽默纔有了可能。” >> 海頓的絃樂四重奏所體現的核心精神，是一種暖人心腑而又精緻細膩的幽默感。雖然表現形式多種多樣，但是這種幽默感本質上源於事先給音樂設定一個預期發展方向，然後再以出人意料的結果混淆聽衆的感覺。正是因爲古典音樂風格發展出高度明晰的音樂邏輯，音樂家才能以有趣甚至戲劇性的方式顛覆聽衆的預期，而又不會破壞整個作品的連貫性。 2023/1/30 發表想法 “古典風格的音樂慣例到18世紀70年代時已臻完備，所以作曲家才能在聽衆的期待下玩一場高端遊戲。” >> 莫扎特和海頓一樣，常常利用人們對慣例的期待來凸顯其音樂中出人意料的發展。他會運用隱含於古典風格中的強烈方向感來引導聽衆，從而創造出意外的轉折和蹊徑。 2023/1/30 發表想法 “這種共享的私人體驗是所有表演藝術的一部分，包括戲劇或電影以及古典交響音樂會。但在古典音樂中，其表現方式尤爲特殊。” >> 當我們去聽交響音樂會時，都需要做些什麼呢？我們費了好一番功夫來到一座大型公共建築，花了一大筆錢，就爲了跟幾百個陌生人緊挨着坐在一起，還得恭恭敬敬地保持沉默。只要音樂響起，我們就不能移動、說話、喫東西、喝水。交響樂團入場時，我們致以禮節性的掌聲。他們的着裝正式而低調，毫無個性特點。指揮家則受到熱烈歡迎，就好像他是作曲家本人一樣。在長達一個小時的時間裏，觀衆們都靜靜地坐着，直到音樂停止。在這段時間裏有人可能會注意到，儘管聽衆顯然都十分投入地傾聽並陶醉在音樂中，卻沒有流露出明顯的贊同或喜悅之情。 ◆ 5 浪漫主義音樂：1800—1900年 2023/1/30 發表想法 “正如叔本華所說，音樂似乎是內在生命的一種展現。” >> 儘管音樂在表意上的“模糊”降低了它在18世紀思想家眼中的地位，但這正是它在19世紀地位提升的原因。 2023/1/30 發表想法 還引導了希特勒 >> 瓦格納的著作標誌着現代藝術和音樂領域的一種重要思潮的開端，即美學上的進步與政治和社會上的進步是一致的。 2023/1/31 發表想法 “很少有作曲家能逃出貝多芬的陰影。他以一種無法迴避的父親形象出現，要求後來者達到與之相同乃至超越他的水平。” >> 和勃拉姆斯一開始都選擇創作鋼琴奏鳴曲，顯然是爲了效仿貝多芬。但他們很快就不得不承認，自己的才華和音樂天賦根本不在於此。巴赫的形象同樣突出，但或許少一些威脅性，更多的時候只是偉大音樂尤其是德國音樂的永恆象徵。 ◆ 6 現代音樂：1900年以後 2023/1/31 發表想法 時間和空間、視覺和聽覺 >> 如果說19世紀的音樂作品像文學，那麼20世紀的音樂就更像抽象畫或建築，其中的色彩和空間比敘事更重要。 2023/2/1 發表想法 是碰巧了還是觸類旁通？ >> 調性和聲之於音樂的重要性絲毫不亞於透視法之於繪畫，而透視法也幾乎是在同一時期塑造了視覺藝術 2023/2/1 發表想法 就像畢加索發現無法超越馬蒂斯，於是創造新風格。 >> 爲什麼勳伯格要把瓦格納已經很豐富的半音化音樂語言帶入完全無調性的領域呢？ 2023/2/1 發表想法 “他們這樣做是出於表達的需要，因爲在那個時代，藝術的價值不僅僅侷限於再現世界的面貌，更重要的是提出強烈而富有表現力的觀點，因爲新出現的攝影藝術能夠完全做到再現世界的面貌。” >> 這種從強調錶現到強調錶達的轉變，與同一時期音樂形式的變化形成了有趣的類比。 2023/2/1 發表想法 從本質上說，這種轉變與1600年左右意大利牧歌的變化並沒有什麼不同。 >> 在這些作品中，音樂段落不再有明顯的終止音節，音樂發展也不再受調性與和聲的控制，音樂運動也不再有清晰的方向感。相反，這種音樂更傾向於停留在某一刻，通過自由的不協和和聲、突然變化的節律和不同樂器的音色，形成一系列強烈的情感表達。 2023/2/1 發表想法 賦格則灑脫些 >> 他非常着迷於音樂中的對稱性，經常使用卡農和迴文的作曲技巧。 2023/2/1 發表想法 “HF和AB在德語音符體系中分別表示B調、F調、A調和降B調。” >> 他的絃樂四重奏《抒情組曲》其實暗含了他與漢娜·富克斯（Hanna Fuchs）的愛情故事。他把兩人姓名的首字母通過音樂語言加密，織入了這部作品。 2023/2/1 發表想法 音色！ >> 與勳伯格相比，德彪西在音樂語言上的革新更爲溫和，分析起來也更加困難。或許正因爲如此，音樂歷史學家對德彪西的革新較少討論，聽衆對他的看法也沒有什麼分歧。然而，德彪西的音樂仍然標誌着現代音樂中最重要的轉變之一。 ◆ 附錄1 術語解釋 2023/2/1 發表想法 想起一些同事的工作風格。 >> 義音樂的特點是極端的情感和支離破碎的音樂語言。 2023/2/1 發表想法 單聲聖歌（Plainsong） >> 與素歌同義，是教會中傳統儀式曲調的統稱，最後發展成格里高利聖詠。單聲聖歌是一種單線條的聲樂旋律，一般無伴奏，無小節劃分，節奏自由。 歸納得好！ >>無論是在爲神歌唱的中世紀，爲貴族演奏的巴洛克時期，還是爲觀衆寫作的古典時期，更不用說爲了作曲家自己抒發情感而作曲的浪漫主義時期，音樂永遠都承載着人們精神世界的需求。