製造音樂

這本《製造音樂》真的是音樂人的葵花寶典，大衛拜恩的許多觀點簡直是音樂人們的心聲，看到很多地方時都瘋狂劃線，覺得不謀而合，而且每個章節都是各自獨立的，任選一章就可以零障礙開始閱讀，完全可以作爲工具書使用（不過若完全沒有基礎的話可能讀起來會有些許晦澀，因爲文章風格一部分像是隨筆日記，一部分又像是學術論文） 藉由此書也讓我開拓了許多創作和表演乃至學術上的新想法，一個合格的音樂人不僅要懂音樂，更要學會融會貫通，以及對自己所在的產業有一個系統上的瞭解。 五星⭐推薦，希望更多人能注意到這本書！

非常好看。顯然是音樂製作過程中一手的思考。前段時間看了stop making sense才知道作者這位音樂人，讀完書更喜歡了。錄音技術、聆聽方式等不僅改變了音樂製作的方式，更是影響了音樂的風格。這是土摩托在《來自民間的叛逆》中也討論過的講述思路。作者對音樂製作過程的描述，從不同音樂風格中汲取靈感等等，幾乎就是對創造力從何而來的一大例證。最後兩章關於音樂工業和發行，關於從神經學角度對人爲何喜愛音樂的討論，真是又務實又研究。很喜歡。

看書名以爲是要講如何寫歌和製作歌曲，後來發現更像作者的自傳。作者比較細緻地描述了自己的從業經歷和行業思考，作爲外行來看，還是挺有趣的。

我對作者在一些表現上的觀念不認可。看了大概1/4感覺這本書寫的有點水，有點牽強附會。如果是想成爲一個受大衆歡迎的表演者或許值得一看。 語言漂浮，適合閒極無聊當背景音聽的半雞湯。

做音樂書。搜索詞：音樂軟件：超出midi數字化的細節；錄音；房租；鏡像神經元：預測能力。

2012年紐約現代藝術博物館，大衛·拜恩將一輛塗滿鏡子的自行車倒吊在展廳中央，這個曾用《Psycho Killer》馳騁後朋克時代的音樂人，正在用裝置藝術重新解構聲音的維度。 十年後出版的《製造音樂》，正是這場解構運動的終極文本——在這部打破體裁界限的著作中，大衛·拜恩將音樂創作解剖爲一場場化學反應，揭示出每個音符背後隱祕的物理法則與人性密碼。 "當我在公寓浴室裏對着瓷磚唱歌時，聲音的反射讓我突然意識到：音樂從不是憑空誕生的幽靈。"傳奇多棲音樂家大衛·拜恩在書中這樣描述早年的創作頓悟。這個發現徹底顛覆了傳統創作神話，他將創作行爲的本質還原爲"聲學環境與人類感官的互動實驗"。 書中以大量史料佐證了這個顛覆性的觀點：中世紀教堂的穹頂結構催生了格里高利聖詠的綿長回聲，紐約地下俱樂部的鐵皮牆面塑造了朋克的短促嘶吼，就連肖邦的夜曲都在巴黎沙龍的大理石壁爐前，獲得了天鵝絨般的音色質感。當拜恩發現錄音棚的隔音棉牆吞噬了傳聲頭像樂隊早期作品的粗糲感時，他毅然將鼓手趕進消防通道錄製軍鼓音軌——這個瘋狂的舉動最終成就了《Remain in Light》中令人戰慄的原始律動。 音樂不是憑空誕生的幽靈，而是根植於不同場所中，對於聲音碰撞的反饋。然而到了如今，音樂的誕生途徑卻也悄然在改變着。 “MP3文件就像被剝去羽毛的天使，雖然還能飛翔，卻失去了觸碰雲層的實感。”拜恩用這個精妙比喻揭開了音樂數字化進程的真相。當他在書中逐幀分析黑膠唱片溝槽的物理震動，如何轉化爲神經快感時，我突然有種被電擊的感覺：播放器裏流淌的已經不再是音樂，而是被解碼器肢解又重組的一堆又一堆數據。 這種異化正在重塑整個音樂產業鏈。書中收錄的驚人數據顯示，流媒體平臺每分鐘產生的播放數據，相當於整個1960年代全球唱片銷量的總和。但拜恩也指出，這種虛假繁榮背後是創作者淪爲數據飼料的困境："當算法開始預測下一首熱單的副歌時長時，人類音樂家正在變成餵養AI的蛋白質原料。" 確實是一種細思恐極的現象。 在曼哈頓下城區的某棟老樓裏，拜恩發現了一個地下音樂實驗室。年輕人們用電磁線圈捕捉地鐵隧道的震顫，將布魯克林大橋的鋼索共振轉化爲電子音效。這種"城市聲景採集運動"正在全球蔓延，成爲對抗音樂異化的游擊戰術。 書中預言了未來音樂的三種重生路徑：沉浸式聲場裝置重構空間敘事；生物電流合成器創造神經直連的音樂快感，以及區塊鏈技術構建的創作者自治生態。在東京某次實驗演出中，拜恩目睹觀衆通過腦波接口集體創作出不斷進化的環境音樂，這讓他確信："當音樂重新成爲身體與空間的對話，人類將再次獲得用聲音對抗虛無的勇氣。" 從CBGB俱樂部破敗舞臺到古根海姆美術館的環形展廳，大衛·拜恩用四十年時間完成了從朋克先知到聲音人類學家的蛻變。這本《製造音樂》不是某位搖滾明星的懷舊絮語，而是一部關於聲音如何塑造人類文明的啓示錄。 當我們在手機屏幕前機械滑動歌單時，或許該聽聽書中那個震撼的結論：每個被算法推薦困住的靈魂，都曾是能用口哨與山谷對話的創造者。

好，好，嘗試跳出自我的第一步，就是少看虛構類小說，包括名著。社科類的特點，一是名詞多；二是描述抽象。所以閱讀時，必須要找到熟知的表象，或有經歷過的實踐，才能支撐讀和理解共存(像書中提到的論據都是音樂家or文化流派or音樂設備，我經常聽也懂一些)，否則只能瞪大眼睛，多讀幾次，彷彿就能把那些名詞印在腦子裏似的——這是假讀書。這就形成良性循環了:實踐是先一步打下的基礎，爲讀書做準備；書中的理論可以加速腦中邏輯體系的構建；已構成的邏輯去指導實踐。以前真有夠蠢，把虛實分的太開，就算有聯繫也以爲只是單向箭頭。作爲一個有些自我和以直覺爲基準去行動的人，也許這是我邁向事實的第一步

關於這本書，還是從《樂隊的夏天》裏樂隊“重塑雕像的權利”的樂手華東那裏知道的。他說自己已經看了好幾次這本書，我想既然華東這麼牛逼的樂手都經常看這本書，那麼這本書一定很有價值。所以說我就開始閱讀這本書，確實讓我收穫許多。最近看了《Uptown Funk》的製作人Mark Ronson的紀錄片《Watch the Sound》也發現書裏面提到的在紀錄片裏面也有涉及，可見其中傳達的音樂理念在製作人裏是非常普遍的一個理念。

Talking Heads的主唱對不同形式和生活方式的音樂進行了聰明精湛的多視角剖析。他還逐張專輯回顧了樂隊的歷史，寫出了他對錶演和錄音的看法是如何隨名聲和財富的到來而改變的。我們觸摸不到音樂，它只存在於我們聆聽它的那一刻，但它卻影響着我們看待世界的方式，也影響着我們的自我定位。

先給好評（還要好久才能讀完第一遍） 很有趣，也很有啓發