古风与古典时期的希腊艺术

本书清晰地勾勒了从古风到古典时期希腊艺术演变背后的动力机制。古风时期的库罗斯与科雷雕像，其程式化的微笑与正面性，不仅是一种风格特征，更与当时贵族阶层的价值观及其在社群中的展示方式密切相关。这些雕像作为贵族个人或家族声望的纪念碑，其功能在于确立并维系一种稳固的、近乎永恒的社会身份。而进入古典时期，尤其是公元前五世纪以后，艺术表达的重心明显从绝对的、自足的个体转向了处于特定行动与关系中的身体。这种转变无法仅用“技术的进步”或“对自然主义的追求”来解释。奥斯本将其与雅典民主政治的兴起及公民集体意识的强化联系在一起。公共空间——如卫城、广场与神殿——的兴建与装饰，成为城邦共同体塑造其集体身份、宣传其意识形态的核心场域。帕特农神庙的浮雕所呈现的连贯、有序而又充满节制的动感，实质上是雅典公民对自身理想化形象的一种视觉构建，是个体融入并服从于城邦集体的美学表达。 奥斯本对艺术品生产与消费环节的剖析，进一步揭示了艺术与经济、社会结构的联系。陶瓶画主题的变迁，从神话叙事到日常场景的增多，反映了购买与使用这些陶器的雅典精英阶层趣味的变化，以及 symposium（会饮）等社交场合中话语模式的转变。雕塑与建筑并非纯粹的精神创造，它们是耗费巨大的物质工程，涉及石材开采、运输、工匠雇佣、资金筹集等一系列经济活动。公共艺术项目的财政来源（如提洛同盟的金库）与管理制度，本身就属于政治史的一部分。艺术家（工匠）的社会地位、作坊的组织形式、委托人与制作者之间的关系，所有这些因素都无形中影响着最终作品的形态。 他通过对墓葬浮雕、还愿雕像、祭器等多种类型物品的分析，表明艺术品的意义在其被观看、触摸、使用甚至移动的过程中才得以完整实现。一件“希腊艺术”的杰作，最初可能是一个用于宗教祭祀的容器、一座标识墓地的石碑，或是一件酬谢神恩的礼物。它的美学属性与其仪式功能、社会功能密不可分。因此，理解希腊艺术，必须同时理解希腊人的宗教实践、丧葬习俗和社会交往礼仪。艺术表达的演变，根本上源于这些实践与习俗在历史中的变迁。 他令人信服地指出，希腊艺术的辉煌并非悬浮于历史之上，它恰恰是古希腊人应对其政治变革、参与社会生活、表达宗教情感、进行经济活动的具体方式之一。艺术的形式语言，无论是古风的静穆还是古典的和谐，都是时代提出的问题在视觉领域的回答。唯有将艺术品放回其原有的、错综复杂的生存网络之中，我们才能抵达对其形式与意义更为真切和丰富的理解。

《古风与古典时期的希腊艺术》 边看边忘，尤其是后半部分。 文中多处引用了老普林尼的《自然史》，于是下单买了纸书《Natural History》 A selection by Penguin Classics，448页。

阅读历史时，尤其艺术史，要很好的了解作者的方法论、史观，此书的阅读困难在于此，很难理解作者的一些解读、诠释，但是希腊的一切，不仅仅是艺术，对于理解现代社会，展望未来，实在是有着无可取的的作用，所以必须回顾。

不是专业的人写的一本书，作为一个教授和艺术爱好者来写的一本书。大量的文献参考，文献参考是蛮多的，但是感觉思维很混乱；找不到重点，艺术行业的书读过很多本了，专业的和不专业的一看就分的清楚。前面200页我是一个字一个字看的，后面的就大概浏览过了。古希腊的艺术史前面写的还行，后面很敷衍，后面是凑合看完的。

奥斯本像一台容量巨大又集成精密的机器，从各个面向执行了一遍运算，包括但不限于：样本考察、环境模拟、文本参照、变量描述、前提推论。“什么，你这段话是在描述一个艺术史？我以为你研发AI呢。” 样本考察是说，奥斯本考察了足够多的古希腊文物样本，比如前7世纪黑绘小型陶罐，才能分拣出科林斯地区的陶罐和其他地区的陶罐的差别：科林斯地区是当时的手工业标杆，其他地区都在做某种竞品分析。以及，才能推断出小型陶罐和大型陶罐在是否可商业化进出口的区别，在没有任何古希腊流传专门文本的情况下模拟出当时手工业作品的商业流通环境模式。艺术史学者懂经济极其难能可贵，这样他就能够超越那种牵强附会的象征主义桎梏评论，而在一个更高更鸟瞰的维度去釐清艺术品世界的逻辑。当然了，艺术这个词汇是很晚近才出现的。 变量描述是在说，他不但确认了这时期的希腊艺术受到东方（具体是指小亚细亚-埃及地区）影响这一判断，并且很具体指出了是哪些影响，按照临近时间的对象去考察变化过程，比如从埃及，竟然是先更僵硬和不可识别，然后才变得自然写实起来，以及，希腊工匠怎样慢慢改造这些东方的造型，一步一步具有希腊地区自己的性格特点的，我觉得改造这步是更重要的。有趣的是，从小亚细亚得到的豹头-女体图式，作者没发现，其实这也是古中国青铜器上的饕餮纹图式，可以推测是更早的欧亚草原族群，比如斯基泰人，月氏人，在迁徙中同时带给东西方的。又比如griffin，如果奥斯本看了他法国同行上个世纪写的《草原帝国》，就会关注到griffin更广泛的形式和分布，关注到希腊工匠在黑海草原的活动。当然了，专门地区/时代的艺术史不可能苛求面面俱到，况且考古还在不断有新的发现，我想表达的是早在前7-前6世纪，早于丝绸之路，东西方世界就已经互通了，手工业作品早已开始互相学习和改造。 一些陶器和库罗斯人像是作为祭品功能出现的，想起文艺复兴的祭坛画，甚至吉田兼好在《徒然草》谈到的插花献佛，很多现在看来是艺术的形式和实体，在当时都是作为给信仰的献祭的。于是我对文艺复兴的自画像，尤其米开朗基罗那种把自己雕刻到哀悼基督里，甚至画到最后的审判那张人皮上，都有了一些新思考，乃至理解了上杉谦信自称毗沙门天，其实是把自己献祭给毗沙门天，（以及武则天按自己的形象去雕刻毗卢舍那大佛，不过这是另一回事）古人的很多类似的行为，现代人是很难轻易理解的，需要有一些论述来触类旁通。 我想我如果对艺术足够虔诚，也应该雕一个自己的像去献祭。这是真正理解了之后觉得有趣的事。

公元前800年至前300年，即古风时期与古典时期时，古希腊艺术家们开创性地实验了一种再现人体的方法，使得古希腊艺术从此成为西方自然主义造型艺术的基本参照，并主宰西方艺术传统至今。《古风与古典时期的希腊艺术》试图打破传统的解读模式，将艺术的历史，融入到作为艺术品生产者与消费者的希腊人的政治史、社会史、文化史和经济史之中，去发现艺术表达不断变化的本质，同时探明艺术表达与使用艺术品的方式之间，存在着怎样的联系。通过研究私人与公共语境中的古希腊艺术，作者更进一步表明了，在理解古希腊艺术所处的社会位置方面，存在着非常丰富的可能性。

作为希腊艺术史的入门书，值得一读，包括绘画、雕塑、建筑等各个艺术门类在希腊的发展概况