新艺术的震撼

新艺术的震撼》是澳大利亚艺术评论家罗伯特·休斯的代表作，以跨时代的视角梳理了现代艺术的演变历程，结合其同名BBC纪录片的影响力，成为理解西方现代艺术的重要入门读物。 休斯兼具艺术评论家与媒体人身份，将学术深度与大众传播结合，语言犀利且富有感染力。 例如，他对照相写实主义的分析既追溯其哲学根源（如“距离论”），又以具体案例（如克洛斯的创作观）揭示艺术与摄影的辩证关系。 书中充满对艺术界的尖锐批判，如痛斥某些艺术家“将陈词滥调包装成革新”，并揭示现代艺术如何从“异域情调”沦为“陈词滥调”的历史过程。 将艺术运动置于技术革新（如摄影技术）、政治动荡（如极权主义兴起）和文化消费转型的背景下，强调艺术与社会的互动。 主题框架与核心论点： 全书围绕八个关键主题展开，通过多维角度勾画了1780年至1980年西方艺术的百年流变： 机械天堂：探讨工业革命对艺术的冲击，机器美学如何重塑创作观念。 权力的面目：分析政治与意识形态如何渗透艺术表达。 愉悦的风景：从浪漫主义到现代风景画的转型，反映人与自然关系的变化。 乌托邦的烦恼：批判现代主义运动中理想主义的矛盾与幻灭。 自由的门槛：讨论艺术表达的边界与突破，如先锋派的挑战。 来自边缘的眺望：关注非主流文化对艺术发展的贡献。 作为自然的文化：反思人类文明对自然的改造与艺术再现。 已成为过去的将来：审视现代主义从革新到固化的历史轨迹。 📚📚📚AI整理总结，供书友参考

坐在咖啡厅不知不觉糊里糊涂地就看完了陪伴我近一年的书。发现自己看完的一瞬还有些不舍的失落感是怎么回事（又不是小说(☆_☆)。 感叹新时代人类的不易，需要面对的东西太多，如何取舍并维持在一个多方位平衡的点是一门学问。当艺术创作几乎不再是“官方”所需，它从20世纪起逐渐开始真正面对“创作”本身，每一位艺术家都在探索整理与历史、与自我、与大众、与客体、与自然的关系，而同时也还要面对日新月异的政治、科技所带来的全方位冲击。 于是短短100年时间诞生了印象派、后印象派、立体主义、未来主义、表现主义、象征主义、原始主义、野兽派、构成主义、达达主义、超现实主义、抽象表现主义、波普艺术、观念艺术、极简主义… 每一条线都是艺术家们交出的答卷，饱含着对人类、对自然、对世界的千奇百怪的热情。 高更《我们从哪儿来？我们是什么？我们到哪儿去？》中的哲学美； 马蒂斯《舞蹈》中令人心醉神迷的生命力； 勃纳尔《浴缸中的裸女》将日常美的瞬间定格为永恒； 由钢架、钢筋混凝土与平板玻璃构造而成的未来乌托邦； 柯布西耶的去除了“邻里精神”的“光辉之城”； 艺术被作为准宗教活动的包豪斯； 基里科《一条忧郁神秘的大街》中萎缩到遥远而细小的人类身影； 邮差谢瓦尔花费40年时间用石头、贝壳、铁片等杂物建造的理想宫殿； 米罗《农庄》里罗马式壁画般、平展而明亮的细节幻象； 马格利特《受威胁的刺客》和《人类的情境1号》中引发的关于“一幅画并非它所表达的意思”的哲学思考； 康奈尔的盒子中精致内向的神秘感与想象感； 凡高风景素描《蒙特马约附近的风景》穿透纸张的生命力，以及《播种者》中的太阳、生命与死亡； 培根 《仿委拉斯开兹为教皇英诺森十世所画肖像》中令人过目不忘的“叫喊的主教”，和他从绘画中抹去所有道德关系、抹去自我、将人体视为标本的态度思想； 琼斯《白旗》中所传达的关于艺术与符号之间的差别； 玛利亚所做雕塑《闪电之下的田野》中对自然的怀旧和向往，那种想永远留下瞬间又尽可能减少人为干预的渴望… 每一个生命都在炽热的燃烧着自己，用各种各样的方式试图照亮世界，艺术就这样在你一笔、我一笔的过程中编织出了20世纪人类社会与自然的模样，很难让人不为之动容。虽然它在走到20世纪尽头时（也许直到今天？）逐渐带上了绝妙商品的性质，面临着被过度消费，过度创新的局面。 不过回过头看，就像20世纪的创作面对了创作本身，艺术家们大多也指向了艺术家们自己，每个人都有自己的话要说，每个作品都有属于自己的规则，自我被放到最大。大众们懂不懂，他们可能很大程度上是不关心的，甚至可能并不希望被懂。但这也是一个必经的过程，各方条件已经达成，它们允许人类进行一段专注向内的漫长探索。而到今天，向内的探索不知是否已达饱和，世界形态不知会往什么方向转变，具有凝聚力的艺术会再次出现吗？与人工智能间会擦出什么样的火花？ 最后，真的由衷佩服这位作者，完美诠释了什么叫做博学多才，博古通今，融会贯通，深入浅出。有精彩的社会背景和意识形态介绍，也有针对具体作品的细致分析解说。就是译文有时候看得有点头大，明明是中文，总时不时感觉在看英语长难句阅读◉‿◉。

回想起安东尼·吉登斯在《现代性的后果》中的论述，我们从来没有进入后现代社会，而是在尝试以不同的方法解决依旧属于现代的问题。就像20世纪初的城市美化运动认为通过城市平面布局就能够解决社会政治问题一样，20世纪的艺术是突破传统绘画艺术的桎梏之后【譬如立体主义对于科学透视法的打破；印象派对画作的描绘和观看方式的重构；塞尚对于传统技法的突破；现代主义建筑对于古典建筑风格的突破，尽管是幼稚的、集权的、符号的、任人摆布的】对于艺术能够对表现、对社会做到何种程度的一种具有无畏精神和理想主义的探索，其中不乏有自恋倾向的社会讽刺作品，然而讽刺还不会成为时代精神。能够成为时代精神的必须是超乎时代的积极预言。未来主义的欢呼也好、达达主义的混乱无为也好，表现主义的自我表达也好，恰好体现的正是一种时代性的困惑和对社会的无能为力【百花齐放正是一种困惑】。社会政治问题终究必须由社会政治方式来解决。 另外受到心选姐影响非常喜欢的超现实主义，学到了很多！超现实主义的逻辑是构建一个平行世界来解剖我们的潜意识、本我和情绪感受。“本我在梦境中说话。”可以感受到其中蕴含的自恋情绪和对画作的无限期望。超现实主义的遗产：存在、命名、包装、颠覆。 还谈到技术媒介的可复制对艺术的颠覆和冲击，由此诞生了诸如安迪沃霍尔之类的大众文化的艺术家以及波普艺术。他们依旧是讽刺的、自我的。休斯这里论述的关于艺术的独特性和技术的可复制性之间的悖论也非常有趣，艺术成为了符号和象征，其对社会的作用消解于呐喊和存在中。 最喜欢的作品记录： 莫奈《圣拉扎尔火车站》《鲁昂大教堂》【莫奈有透纳味的画作我都喜欢，可能是喜欢透纳，但是对建筑的消解 情绪与氛围的感受谁会不喜欢呢】 毕加索《阿维尼翁的少女》【喜欢她们的主体性 松弛和审视的目光】 修拉《大碗岛的星期天下午》【不必多言，伟大】 马蒂斯《舞蹈》《科利乌尔的门窗》【经典的，另外后者好像罗斯科……我可能是喜欢罗斯科，但是这其中透出的平静和思绪依旧触动人】 马瑟韦尔《西班牙共和国的挽歌，第34号》【很惊人的一幅】 谢瓦尔《理想宫殿》【惊人】 马格里特《这不是一只烟斗》【马格里特的那种朴素几何的笔触画出的惊心动魄的画面……震撼人心】 梵高《播种者》【摄人心魄的金色，纯粹的感情和色彩】 康定斯基《墨劳附近的风景》【喜欢这些仿佛气球一样膨胀的色彩】 克利《红色赋格曲》【喜欢美术与音乐的通感】 波洛克《薰衣草雾1号》【喜欢所有波洛克的全覆盖式作品，大胆的作画方式和无限想象的画面，这其中从物质本身脱离的特点也喜欢】 罗斯科的小教堂【罗斯科的所有晚期作品都喜欢】 加斯帕·琼斯《带石膏塑像的靶子》【静态的失去功能的靶子……很喜欢】

本书将B B C 八部现代艺术著名专题片、用文字的形式， 再次将所谓能震撼人心，现代艺术作品分别展现在读者面前。 它从法国埃菲尔铁塔开始讲述现代历史，艺术的大故事。它更像是一部点评西方现代艺术总论。他虽然似乎不像罗丹“艺术论”那样的，有专业艺术理论，角度、层次与相应艺术系统范围点评。它反而是错一个更为宽广历史胸襟大视角。并且作者是从记者角度来介绍现代艺术，因此相信其令读者可享受艺术范围更为广阔，因此它不是专门只介绍象牙塔艺术。 它包括世界著名艺术家，及作者社会生活之观察。尽管他有意思回避一些艺术名人。简言之，作者十分多才多艺，旁征博引，知识丰富。读本书，显然可以长现代艺术欣赏能力。 例如，理论上他介绍说：“毕加索和勃拉克想表现这样一种事实，即我们关于物体的知识，是有关该物体所有可能的视图所构成的：上面、四边、前面、后面。他们想把这种需要花时间的审视压缩进一个瞬时内——一个合成的视图。他们的目标，是想把这种多重感，作为现实中起支配作用的因素。而这种多重感，正是塞尚晚期作品中的潜台词”...... 当然，如果有机会在西班牙马德里艺术博物馆参观，专门介绍毕加索作品及创作历史背景读者，可能对于为什么、一般现代人读者不能理解它，似乎多少会有感觉，认知，或者说、对于不欣赏现代化艺术（包括毕加索等本人）作品，也不一定要有什么遗憾。因为一般人根本很难理解他那一代人所经历心灵忧虑，压抑及生命中经历过阴暗思想之心路历程。 人意识中美感是人观察过程中一种镜像反应吗？当然其之后所发展立体主义之认识，会有其它一些说法。特别凡是在法国巴黎参观过“蓬皮杜现代艺术博物”馆或者任何美国现代艺术博物馆读者，其可能又是另外一种感受。 同样道理，如同老百姓常说，美不美，乡中水。难道这只是对所熟悉美好环境的一种反馈？说白了，作者所描述的所谓现代艺术，它可能与经典艺术，例如，拉菲尔留给西方世界各国的那种印象派古典之优雅美，完全像不在一个框架之内。二者有鲜明对比。世道变，人心变，审美观念同样如此。 艺术评论家作家东哥认为：“现代主义的精髓，它从指向自己的讽刺和文明感来看，是一种都市情调，诞生于城市，而萎缩于乡间。苏黎世、柏林、巴塞罗那、维也纳、米兰，以及巴黎等市的咖啡馆，就是流放者们的天然故乡，而现代主义在很大程度上造就了从毕加索这个西班牙人，到贝克特这个爱尔兰人的那些流放者和通晓数种语言者。“ 现代艺术作品在普通人眼中像涂鸦或者像作，特别是喜欢欣赏古典艺术读者。其实，古典音乐也是同样的光景。人类会进入第二次的文艺复兴吗？人工智能会对后现代的艺术产生惊喜吗？都只能拭目以待。 不过而实际上，另外一个方面，本书对于一些普遍知名现代艺术作品又有具体视角分析，真正图文并茂，例如，现代建筑艺术，使读者能得到一份享受。本书的唯一不足，似乎就是文字太多，记者作者天南海北太能写了。 因此，本书不仅可萝卜白菜，各有所爱，读者在书中可以任意挑选内容，各取所需，还可作为练习速读好教材。正所谓，一箭双雕。

过分诗化的语言，不通顺的翻译，用评论取代以介绍，最后只留下了一知半解的模糊印象。看得很痛苦，看完很后悔，不建议作为入门读物阅读。

2021年读完的第一本书《新艺术的震撼》。一定要在一年最美好的立春时节留下读此书的点滴感受。 这本书是根据BBC的艺术电视纪录片而来，内容比紀录片更加精彩丰富：记载了现代主义从印象派到沃霍尔的发展历程，从1780年的异域情调，至1880年崭新论调，最后到1980年的陈词滥调。书中除了有颇为熟知的现代绘画之父塞尚、后印象主义的先驱梵高、现代艺术的创始人毕加索，还有许多名不见经传的艺术家。 印象特别深刻的是作者如叙事诗般地介绍了西班牙最著名的建筑大师高迪其作品，首届伦敦世博会的标志性建筑水晶宫，为1889年巴黎世博会而建的埃菲尔铁塔及其隐喻。法国这座高塔代表了只有现代法兰西可以征服天空的宏大愿景，其设计思路中有《圣经》的暗示。因为博览会要囊括各个国家，其中心就应该是巴别塔。但这座铁塔还包含着其他隐喻，以及社会含义更深刻的隐喻。博览会的主题是制造和变化，即资本的互动，而非简单的所有制…。这样的深层解读引人入胜，令读者受益匪浅。罗伯特.休斯最为人熟知的是其于1987年出版的畅销史诗巨著——《致命海岸》（"The Fatal Shore"）。而且曾为美国《时代》周刊撰写艺术评论长达30年之久。钦佩作者休斯一直钟情于艺术的博学多闻，以及对现代艺术细节的精准阐释。 作者在书中曾提到法国现代派诗人波德莱尔看过瓦格纳创作的歌剧《唐豪瑟（Tannhäuser）之后说：“我试图发现其中的奥妙，把我的愉悦转化为知识。” 确实如此，愉悦不仅是艺术批评和欣赏之本，也是非艺术家的读者了解新艺术之本。读这样一本书，就好似享受一场高雅艺术的饕餮盛宴。

由BBC制作的电视纪录片《新艺术的震撼》首播于1980年，全球观看人数超过2500万，被誉为“纪录片拍摄技艺与主持人叙事魅力的完美结合”。同名图书甫一出版，即成为二十世纪八九十年代院校师生和文艺爱好者理解西方现代艺术的入门读本。书中以八个理解现代艺术的重要主题为框架，多维角度勾画出西方艺术的百年流变——1780年的异域情调，如何成为1880年的新鲜论调，又何以沦为1980年的陈词滥调。作者以犀利精妙的笔触，探求艺术更为完整的真实——艺术与社会时代的关系。

没看完但先留个言，我觉得这不是一本容易读的书，作者评论多于叙述，所以可以读到很多“观点”。整体语言风格不是很平易近人，有时表达比较跳跃，再加上英译中的debuff，让我觉得他写了一个好长的句子但不知道在说什么。（可能也和我知识储备不够有关） 打个比方，“这个冰淇淋是香草口味的”，在作者笔下大概会变成：“冰淇淋，一种清凉可口、标志着消费主义对人们味蕾无限迎合的产物，其口味在19世纪甜品商人天马行空的想象下，从最初平平无奇的牛奶变得繁复精巧——与香草的结合，也昭示了消费主义本身与某种田园牧歌乌托邦意识的合流”😅 或许适合已经对艺术史比较了解的人阅读。个人意见。

作者的写作有很多副面孔，有的时候刻板、严肃得像麦格教授；有的时候调侃到毒舌程度，如同斯内普。 本书也有很多对艺术家、作品和行业的批判，这在艺术行业并不多见。 作者的有些评论非常值得回味，不是那种富含哲理的金句，而是把平时看似无关的事物联系了起来。 综上，算得上是艺术史领域的精品著作，值得再看一遍。因为有很多内容看不懂，给8分好评

艺术史每经过一个筋疲力竭的时期，便进入一个新的创造循环期，而这几次的进入，常常发生在九十年代和三十年代之间。十四世纪绘画的基本特征，到1337年乔托去世时，已经固定下来。佛罗伦萨文艺复兴的主要视觉形式，到马萨乔1428年去世时，已由马萨乔、布鲁内列斯基和多纳泰罗所造就。1590年到1630年间，西方艺术的语言在卡拉瓦乔、鲁本斯、贝尼尼、普桑和卡拉齐兄弟手中已被重新改写。1785年和1830年间，类似的“重新激进化”倾向，在大卫、戈雅、透纳和康斯太布尔那儿露头。在每一种情况下，总是创造力首先迸发出来，随之是逐渐委顿，学院化，一种停滞不前的感觉，它们使人对艺术的任务和必要性，甚至是否能够生存下去产生怀疑。而在我们这个世纪，情况亦复如此。