如何看懂艺术2

与其说这书是讲艺术的，还不如说作者是在借文艺复兴在讲佛罗伦萨和威尼斯的历史，读完个人觉得经济决定上层建筑，两城的兴衰全系于当时的商业发展，佛罗伦萨位于亚平宁半岛的一个宽阔盆地的中心，可谓是冲要之地，而威尼斯则是欧洲和土耳其之间的中转，自然便会先富起来，而这两城便是艺术生长最好的土壤，金主爸爸永远都是很重要的。 只可惜随着后来海外殖民的迅速发展以及周边强国的兴起，两城的没落再所难免，于是乎欧洲的艺术中心便慢慢转向了别处，也算是时也命也吧，不过文艺复兴之风却也吹遍了整个欧洲，甚至全球，而且两城的旅游业至今兴旺不衰呢。 本书大致科普了关于文艺复兴时期绘画的方方面面，其中提到了观画的位置是很有讲究的，比如安杰利科修士的《受胎告知》至今依然留在当年的修士们从公共区域返回修行生活区域的楼梯尽头，引用作者的原话来讲”从楼梯处抬头仰视时，画面中的透视将和现实中地面上的楼梯衔接在一起。我们的视线进入画面继续延伸，直到穿过圣母身后的小窗。如果我们的视线和画面平行，甚至不会注意到这扇窗，也不会意识到它在整幅画的构图和透视中的关键作用。当把画作还原到它所处的环境之后，就连圣母不同寻常的比例也显得毫不突兀了”，可见或许很多西方绘画乍一看的一头雾水，很可能是观看的角度和画所挂的地方不对。 Anyway，正如委罗内塞所自我辩护的那般：我们画家，享有同诗人和疯子们一样的破格待遇。吼吼，每张画背后都有着不可思议的故事呢。

赶在去佛罗伦萨之前看完，详细了解了波提切利的代表作故事，收获很多。可惜今年跟团游，未能一一到访书中提到的地方，希望能有机会再来。

意大利文艺复兴艺术家和作品补完计划。继承了前作的优点，重点从罗马转移到了佛罗伦萨和威尼斯，同时也包括了其他地方的一些重要作品，比如帕多瓦的斯克罗威尼礼拜堂和阿西西的圣方济各圣殿。两本放在一起看，基本上把意大利文艺复兴时期重要的艺术家和作品（感觉只有曼图亚和锡耶纳没怎么提及），以及当代的艺术博物馆都一网打尽了，相当不错。

对于计划欧洲旅游又兼艺术文盲的我来说，此书大有裨益。作者文笔风趣，且叙且议间，两大名城也是两大画派的前生今世了然纸上。此书既是美学教育也是旅游预习，挺棒👍。

对于热爱西方艺术的读者，提供入门的指导！

《如何看懂艺术》是翁昕为所有艺术爱好者所撰写的艺术入门必读书籍，上市之后即获读者广泛好评，以及国家博物馆讲解员河森堡、知乎艺术达人赵阿萌等大V的推荐。 就连大家喜爱的博物君（张辰亮）也称赞这是一本“说人话”的艺术书，“把西方艺术史脉络清晰、语言清爽地表达出来，并充满了有趣的例证，哪怕对艺术不感兴趣的人，翻开书也不忍合上。” 《如何看懂艺术1》入选了豆瓣 2018 年度读书榜单及“阅读之城”2018 年请读书目。而今年10月，在读者、粉丝的一众期待下，《如何看懂艺术 2》如期上市，《如何看懂艺术》的意大利篇也得以完整呈现。 《如何看懂艺术2》带领我们来到古老的意大利城邦，帮我们把一幅幅画作还原到诞生之初的历史情境中。 当艺术家、赞助人、普通市民等不同人物之间的关系如闪光的丝线般一一浮现，当这些人物所担纲的故事重新变得鲜活，我们会看到，原本简单的一幅画也拥有了更丰富的含义。 在世界艺术版图中，意大利艺术独树一帜，这里有着古罗马和文艺复兴两大高峰且自成体系。「翁昕说艺术」系列开启的艺术旅程，也就从这里开始。

如果有朋友要去意大利旅游，我一定会给他推荐这套书。 相比于上一本，这本围绕佛罗伦萨、威尼斯，但又突破了地域的限制，让艺术作品和背后的故事，乃至观念的变迁，无缝串联起来。不仅清晰详尽地向我们展现了意大利文艺复兴的起伏，更加展现了艺术史的荣光。 1 伟大作品背后艺术家真实的一面 布鲁内莱斯基与吉贝尔蒂竞标，输在方案的可行性和性格的差异。布鲁内莱斯基不爱交流，更不爱和人共事。只要能自己解决的事情，一定不找人讨论，更不用说求教了。 布鲁内莱斯基用“鱼骨形结合”为圣母百花大教堂封顶以洗没能拿下青铜大门竞标的不甘。为了挤走吉贝尔蒂甚至在封顶的关键时刻假装突发怪病，“要么让我单独接活儿，要么你们另找高明。” 2 把画还原到它所处的环境、观看者的心境 安杰利科修士《受胎告知》的画面元素越来越删繁就简。 其中一副是在修士们从公共区域返回修行生活区域的楼梯尽头，对于这些熟悉圣经的僧侣来说，他无需画出更多解释故事的繁琐细节。安杰利科修士删繁就简的表达手法，正是建立在已知观众是谁的前提下才实现的。 相比之下，他花了相当多的笔墨去描绘的圣母周围场景，恰恰是按照圣马可修道院的建筑风格画出来的。这样的手法，更能够让修士们将画中的内容同自己所处的环境联系在一起，加深他们对宗教寓意的思考。只有当我们站在楼梯处时，才能真正体会到安杰利科的精巧构思。 在心理上，倘若我们能够试着将自己暂时地置于和这些画当年所面对的观众那样的处境，心无旁骛地面对他的作品待上一会儿的话，一定可以从他看似简单的画中，得出很多并不简单的体会来。 3 艺术家的品性对于绘画风格的影响 佛罗伦萨市里既有安杰利科这样沉静的修士，也有如菲利波·利皮一样的“花和尚”。私自还俗、和修女私定终身，但他也是利皮是将文艺复兴的早期和全盛期衔接起来的关键人物。 他的作品着重使用明亮的色调而显得轻快，时有调皮逗趣的小细节，引得观者会心一笑。 4 作品反映的是社会变迁趋势 温和的圣母像在宗教感和世俗装饰功能间取得了平衡，是大户人家增添室内圣洁气氛的最佳选择。15世纪的佛罗伦萨经济繁荣，购置、翻建房屋的家庭也随之增多，圣母题材画作的需求增多。 很可能是出于这个原因，供不应求的利皮工作室让尚为学徒的波提切利也早早动笔，以满足客户的需求。有了这一幅波提切利稚嫩画技的《圣母子与天使》。 5 文艺复兴是如何开始的 科西莫资助，费奇诺翻译柏拉图、普罗提诺，“人越是从事物中发现纯粹的美，并从欣赏美中获得如痴如狂的欢喜，便越超凡入圣，越接近神。” 原来一直让人纠结的艺术美和崇高的宗教，其实是相通的，并不矛盾。 虽然古典哲学与基督教所信奉的神不同，但若我们追根溯源，在基督教神学中，处处可以见到对普罗提诺哲学思想的继承。于是费奇诺在试图将先哲的学说和基督教的信条进行合理而和谐的融合。 而科西莫为他组建图书馆、柏拉图学院。他俩为文艺复兴铺平了路，科西莫的孙子洛伦佐与波提切利将文艺复兴发扬光大。 6 脱离于某个具体技法的气韵是画家的天赋 波提切利从老师利皮那里学习到了绘画的基本功、规矩和章法。但在此基础上又独有自己的风格。 最大的差异在于：对阴影的处理方法、对人物面部的描绘方式，让波提切利的画作笼罩上了一层厚重沉静的效果，带有更为强烈的忧郁气质。 比如同样是圣母，波提切利结合大片的阴影，再透过描绘圣母半垂的眼皮和略微下弯的嘴角等细节，仿佛她从面前的耶稣身上，看到的不是源自新生命的宽慰，而是为他未来的命运而感到无力和伤感。 在他后续的作品中，我们都能或多或少地感受到这种既不哭天喊地，同时又挥之不去的忧郁和伤感。 这种脱离于某个具体技法的气韵，就是判断一个艺术家是否拥有真正过人天赋的证明，因为这些东西，是没法靠后天学习获得的。 7 作品绘制的缘由影响作品的呈现（诗画同源） 波提切利接到美第奇家族的委托，创作了几幅画作，安放在新娘卧室的墙上。于是画中出现了丘比特，画中出现了维纳斯，都是古罗马神话的神。 值此新娘赛密拉米德嫁入美第奇家族之际，《春》这样的一幅画想要告诉两位新人：虽然你们两个年轻人的结合是两个家族政治联姻的结果，但你们要对人生的未来充满信心。新娘既要为美第奇家族带来丰富的政治成果和子嗣，同时也不妨在婚后试着享受婚姻的美好。新郎则要对家族负责，担起责任，化解可能会给家族带来不利的危险。 《帕拉斯和半人马》摆在新娘的卧室中，告诉新娘：倘若你拥有智慧和美好的德行，也就是“相夫有方”的话，那么无论你这位夫君未来展现出何种离谱的行径，你也依然可以将事情控制在你的掌握之中。 8 是写故事的人，让艺术成为艺术 瓦萨里不仅关注他们所创作的作品如何精美，更关注他们在如何睿智地思考“艺术”这件事。也是他坚持给“手艺人”安上“艺术家”这个名号的。而在他之后，人们逐渐开始理解，一件艺术作品何以珍贵。艺术家的创意和才华，才是远甚于黄金的无价之宝。 另外他还前瞻地指出，艺术家们彼此间不仅是一个个艺术风格各异的个体，在他们的艺术作品中还有着前后的继承和发展，在这个过程中伴随着不成熟的艺术风格的成长和消亡。 留下永远的悬念：曾经画着达芬奇《安吉里之战》的那面墙上，现在画的是《马尔恰诺之战》，正是瓦萨里亲笔所为。这幅画中仅仅写了两个单词：CERCA TROVA，意思是“寻找，就能找到”。 9 艺术的创新是必要的吗 佩鲁吉诺笔下的人物干净纯洁，但却大同小异。米开朗琪罗嘲笑他千篇一律地复制自己，不思进取。 但其实过去没有人规定，艺术家必须“苟日新，日日新，又日新”。何况，佩鲁吉诺所创作的这些看似雷同的作品，其实是为完全不相干的委托人创作的。对于当年的人来说，一辈子也不可能见到这三幅画摆在一起的样子。而且，当时还艺术本身的概念尚未成形，画家是为取悦买家而画。 但他最后还是离开了佛罗伦萨。正应了那句：佛罗伦萨既成就画家，也毁掉画家。 也正是那个时代开始，艺术家们跳脱出百年来人们的“基本要求”，不仅满足于创作出美的作品，还要求艺术应当兼具美及原创性。同行们之间的这种竞争，又拉高了观众的眼光。渐渐地，从文艺复兴时代的意大利开始，人们意识到：艺术，是值得我们将其从众多手艺中单独拿出来欣赏的。 10 乔尔乔内退一步海阔天空 乔尔乔内的画中人物总让人摸不着头脑，更无从解读。不过，或许是“退一步海阔天空”，一旦放弃在他的画中寻求任何具体的故事，或是从画中破解任何谜题，就能够直观地从他的画面中感受到一股无关叙事的情绪。 面对这样的画作，我们可以静静地看上很久，任由画中所传达的情感带动着思绪飘到很远的地方，想到很多人、很多事。 这种以小见大、一叶知秋的表达，往往多见于诗歌，在文艺复兴时期的绘画作品中较为少见，至于像乔尔乔内的作品这样彻底抛弃绘画原本承载的职能，彻底付诸抒情的作品就更少了。 11 威尼斯和佛罗伦萨 两座城市带给访客最直观的感受，便在于它们截然不同的地理特征。 气候差异 佛罗伦萨三面环山，时常处于晴空万里的天气状况中。人们可以轻松走上城市四周的小山远眺，连建筑和风景也显得层次突出、明暗清晰、轮廓分明。据此，有学者相信，严谨的透视法诞生在佛罗伦萨绝非偶然，当地的土壤，便启发着艺术家朝着这一方向思考和表现。 相较之下，威尼斯地处亚得里亚海潮汐的低洼地带，终年被强烈的海风吹拂，再加上运河中蒸腾的水汽，令这座城市的光线永远处在一种复杂而细腻的变化之中。透过这层水汽望去，就连建筑的形体也变得朦胧起来。 威尼斯的画家从视觉的直观感受中得出的结论是，依据透视法画出的场景或许精确，却未必符合双眼所见的真实。要将威尼斯运河上的阳光被河面反射的璀璨景象再现出来，除去透视法，还需要一些别的东西——对颜色的敏锐感觉。 同时，威尼斯作为海港的天然优势。东方各国的异色颜料都会从此进港。一方面，艺术家在这里能以相对低的价格买到种类相对多的颜料；另一方面，最新的颜料，也永远是威尼斯的艺术家能够最先接触到的。 12 提香的价值在于开创色彩的运用与美的突破 《佩萨罗家族的圣母》的明暗与红蓝呼应 在处理平衡感的问题上，线条派艺术家选择稳妥的结构对称，色彩的呼应只是锦上添花的细节。但在提香的笔下，色彩终于成了舞台的主角，它既是艺术家构思画面的关键，也是艺术表达的手段本身。 提香告诉后来人，无须为了画面的平衡感而固守结构的对称和气韵的静止。在富有动感的画面中，也有平衡的存在。 《乌尔比诺的维纳斯》裸露女子怡然自得的神情 它所表现的美感，自始至终就不是关乎神话故事的，或是古典的、充满神性和理性的美，而是有着人情味的，属于感官和肉体的美感。 那些比他更早的画家在描绘美丽的事物时往往谨慎而克制，而提香却反其道而行之，追求起了佛罗伦萨画家努力回避的东西。 《哀悼基督》的厚涂法 将乔瓦尼、乔尔乔内等早期大师所进行的探索悉数继承，在自己的身上融会贯通，产生质变。提香有鲜明的个人风格，又不断推陈出新的画家。 13 画家和诗人疯子应该享受等同的破格待遇 “我们画家，享有同诗人和疯子们一样的破格待遇。正因如此，我才画了那些戟兵，他们在楼梯的角落里吃喝东西，但同时又随时待命。考虑到招待众人的东道主是一位富有的人，我想他应该会雇这种护卫。” 即使委罗内塞在说出这段为自己的艺术构思辩护的话之前已经深吸了一口气，但他也不可能意识到，他说这句话之时，将是后人在回顾整个西方艺术史时不容忽视的光辉瞬间。 第一次，人们从流传下来的官方记录中读到，一位艺术家因为他所创作艺术品的具体内容而走上法庭，为了守护自己作为一个艺术家的创作自由而辩护。 没有人要求他在画中画上流鼻血的仆人、德国护卫、拿餐叉剔牙的食客或者架着鹦鹉的弄臣，他这样做，纯粹是基于自己对画面的想象和构思。并且，倘若人们可以不去计较诗人的诗句是否符合语法、疯子的话是否符合逻辑，那为何一定要计较艺术家所绘图像是否符合规范呢？正是因为凭着打破陈规的想象力，艺术才能不断带给人新奇和感动。 疯子、情人和诗人，都是幻想的产儿：疯子眼中所见的鬼，多过于广大的地狱所能容纳；情人，同样是那么疯狂，能从埃及人的黑脸上看见海伦的美貌；诗人的眼睛在神奇的狂放的一转中，便能从天上看到地下，从地下看到天上。想象会把不知名的事物用一种形式呈现出来，诗人的笔再使它们具有如实的形象，空虚的无物也会有了居处和名字。 14 威尼斯的荣光 从这一系列作品中，能够看到提埃波罗是如何向他的威尼斯画家前辈们逐个取经的：真蒂莱从东方带回的异国情调、乔瓦尼以画入景的乱真画法、提香一派的不均匀用色，还有委罗内塞等人将复杂场景画得如舞台布景一般的本事。

看懂名画背后的故事，感受摇曳的烛光和空灵的圣歌…… 除了一张机票，也许还可以带上这本书。

看完作者的第二本书，印象最深的就是提香的作品。想去意大利的冲动更强了，希望早日出发。

对于艺术，我的认知几乎是空白的。上学时可能听到过一些知名的画家，也去过一些知名地方旅游，专门参观博物馆、艺术展。看着那些或许叫的上名字，或者叫不上名字的展品，或被惊艳，或一脸茫然。 那些旅游对于我来说，是一场新奇之旅，看一些没看过的东西，知道一些不曾知道的事，就像往袋子里装东西，这些东西杂乱无章的堆放在一起，装的越多塞的越满，看上去一点也不艺术。这是在我读过这本《如何看懂艺术2》才意识到的。 《如何看懂艺术2》是关于意大利艺术家和艺术作品的故事，这些故事主要发生在佛罗伦萨、威尼斯这两座城市，这些故事也是作者瓮昕在博物馆和宗教场所的艺术之旅。能被这样的艺术藏家带着遍览这些艺术品，是何其的幸运。 在这本书里，我们可以看到自12世纪到17世纪的许多故事，那些以金银铸造、手工绘画为生的人，在意大利这片土地上逐渐创造了艺术。 阿西西的圣方济各用现在的视角来看，是一副画错了的作品，在当时却是时代使然，宗教的形象需要的是严肃，禁止带入情感误导民众。自乔托出现，在不违背统治者的规则下，适当的加入了悲伤、淡然等情绪，画作开始有了生命。利皮这位风流修士，把妻子和儿子作入画中，基督的形象开始有了美的表达。波提切利复现了优美的维纳斯，将基督与神话相融合，最终重新定义了艺术这件事，自那以后，艺术的内涵里便有了美，人也有了神性。就像作者书中所说：当我们因被维纳斯的美感动得难以移开目光，同时又没有从中唤起任何色欲时，便从这种庄严的美中感受到了神的存在，进而接近神。 艺术的道路是创新之路，除此之外，或有艺术家在透视法上首次实现突破，或有艺术家删繁就简，或有艺术家偏好甜美干净画风，或有艺术家将色彩表达运用到了极致…… 作者将这些艺术家和他们的故事装进书里，用时间串联起来，艺术似乎有了历史的脉络，这才是一件很艺术的事。