反传统素描教程

本书介绍素描最基本功法， 言简意骇，非常精彩。 在基本理论上跟进了解它，甚至对于摄影时增加美感，也会是有益的。 作者也是线上教学受益者。 本书案例丰富， 思路清晰，通俗易懂，干货满满，30分钟可搞定，肯定值得收藏。 读书摘要： “十张素描九张灰，还有一张在变灰”。“灰”可以说是初学者在学习素描颜色时的第一个“拦路虎”。” “当我们看到一张图片，会觉得把它完全画出来就很好看了。.但其实并不是这样，当我们把一个对象画成素描作品时，其实我们进行了一场颜色上的翻译。” “我们时常会被颜色亮丽的东西所打动，但实际上很多图片并不适合直接画成素描作品。因此我们绘制时候需要对彩色的图片进行主观意识上的调控，把自己当成一个翻译者，而不是复制者。” “初学者在素描上色时常见的第二个问题——乱。 “乱”往往表现为画面中所有的亮部都一样白，所有的暗部都一样黑，画面显得乱七八糟。这是因为画面中没有了色块深浅大小的次续…” 怎样解决这个问题呢？根据我的经验，大家需要在绘制前弄懂以下两个观念。 第一个观念：物体有自己专属的、本来的颜色——固有色。 第二个观念：古典主义素描色调变化的美学核心——层次明确，变化丰富。” 具体见书中图例子。其中“在翻译外国文学作品的时候，我们会讲究“信达雅”。那我们在把彩色图片描绘成素描作品时也有一些约定俗成的要求，就颜色而言，本书会以古典主义审美为标准，遵循“变化丰富，层次明确”这一原则。 徐悲鸿先生曾用四个字就概括了这种美感——细而不腻。 细：变化丰富 不腻：层次明确” “三大面五大调消失的顺序为：首先，高光和反光先开始消失；然后投影开始消失；接着受背光消失，只能看到一整片的颜色；最后，轮廓也开始模糊。这就是在透视的影响下颜色消失的规律。”。 “几何体模型思维的核心就是——一切复杂的事物背后都隐藏着简洁的模型，生活中任何能被画的物体都可以用几何体构成。” “质感的形态取决于我们观察它的尺度。同样的物体放在不同的尺度下观察，会呈现截然不同的质感形态”……“在合适的尺度下，不同材料的物体也会呈现出相似的质感形态。” “外轮廓是否破碎、是否流畅，是决定质感特征的第一个要素：。 “颜色的深浅是决定质感特征的第二个要素。”…“所谓肌理，在绘画里指的是物体表面的纹理和笔触的颗粒大小。笔触的颗粒大小决定了物体的光滑程度。所以，肌理是决定质感特征的第三个要素。" 作者还将“学习素描的几大要素用思维导图的方式给大家展示出来，这样可以一目了然地了解各项技术方法之间的关联”。

非常喜欢这本书，我是在B站看到了韦唯的视频找到这本书的。一开头久抓住我了。 我非常喜欢画画，但小时候没机会学，工作以后在画室学过一段时间，但老师什么都不教，就直接让画，我完全摸不着头脑，上着上着也没去了，甚至对学素描产生了厌恶情绪，直到看到这本书，它明确地告诉我为什么要素描，排线又是为了什么，怎么画形状，非常具体。 而不像之前学素描时，老师说的很玄乎，点评也很玄乎，我根本就不知道怎么画，也不知道怎么改，本就不会画，这么一搞，挫败感太强，也没什么兴趣了。 这本书重新燃起了我学素描的兴趣和热情，我相信我可以学会。

开卷有益，关于《反传统素描教程》的一些笔记和读后感吧！ 一、认识了西班牙“超现实主义”写实画家克劳迪奥·布雷托，他的作品简直令人惊叹！用书里作者的描述就是，画面传达出了“安静”。 二、古典主义大师安格尔说过的一句话——一张画3/4的功力在素描。通过作者的绘画之路也说明了这一点，也再一点肯定素描的重要性。所以，想要画画好，素描基本上是绕不开的过程了。 三、关于起形的方法，作者介绍了 1、文艺复兴时期的画家们经常用的网格法（通常9个或16个参考网格）和十字坐标的二分法。 2、几何起形法。 四、关于透视 1、平视正面，是一点透视。 2、平视侧面，是两点透视。 3、俯视、仰视的侧面，是三点透视。然后我在想，俯视、仰视的正面是几点透视？？好像是一点透视？？ 在关于透视的内容里看到“线性透视是古希腊人通过数学计算推测出来的现象，我们靠眼睛看是发现不了这种规律的”这句话的时候，我瞬间就理解，为什么AI绘画能替代（部分）人工了，绘画的尽头是数学吧！ 五、绘画中想要表现强烈空间感的第一个手法就是强化消失线（营造相交的直线）​，例如《伏尔加湖上的纤夫》。强化消失线也是西方古典主义绘画中的最重要的绘画手法之一。除了配方绘画中有透视，国画也有，只是国画所画的透视其实很像人类肉眼所看到的透视。 六、三个和光影相关的名词——两大部、三大面、五大调。 1、两大部：在单一光源下，被光照射的地方称之为受光部（亮面）​，反之则是背光部（暗面）​。 2、三大面：是指具有一定形体结构、一定材质的物体受光的影响后所产生的大的明暗区域。我们可以看到三个面——亮面、灰面、暗面 3、五大调：高光、灰面、明暗交界区域、投影和反光。 七、光影模型规律的作用 1、它会帮助我们分析复杂的颜色变化，从而获得拆分颜色层次的思维能力，便于我们总结出明确的绘画步骤。 2、培养严谨的推理意识，知道颜色的深浅变化是有规律的，它存在明确的因果关系。这样我们就可看到以前很难注意到的颜色。 当我们把一个对象画成素描作品时，其实我们进行了一场颜色上的翻译。 八、物体有自己专属的、本来的颜色——固有色 九、古典主义素描色调变化的美学核心——层次明确，变化丰富 十、“人最重要的就是找到适合自己的世界，并且为之努力。我想告诉大家的就是，多分享你的作品，总会有人看到，总会有人鼓励你。”作者的这句话同样鼓励了我！ “突然有一天，你对画画没什么兴趣了，相信这种情况会有不少人深有体会。这个时候我选择的办法是“捆绑自己的爱好”​，就是把画画和另一个你喜欢的东西捆绑起来。”这次重拾画画，源于对年画颜色的喜欢，想把那些颜色用在别的地方，比如植物、人物……希望，我可以因为喜欢一些东西，做到坚持画画，画不好也没关系。

真真的是不太成…那个苹果……毁一切…

2023-6。人类的艺术大体上通过听觉、视觉呈现，人类感知、了解世界的能力似乎也能通过对感官的不断训练而得到提高，趁现在可自由支配时间多，打算在练习乐器之余学习点素描。作为一本素素描入门书籍，这本书可圈可点，从“形、色、体、质”四个方面阐述了绘画的四个基本要点。形，即位置、形状及大概的轮廓，起笔先把物体抽象成一个简单的结构。色，即表现物体的光面、暗面、反光及物体原有的颜色层次，使笔下生动。体，即体积，通过透视原理使物体具有立体感、空间感和层次感。质，即质感，通过刻画各种不同物体的特点，通过对比、细节刻画，表现物体的金属、毛皮等的质感。说起来好像挺容易，不过这每一步都需要大量的练习、训练才能达到效果，很期待自己以后能达到一个什么水平。

画画就像变魔术，在平面的纸上“变”出一个有立体感的物体。读完本书，有一种豁然开朗的感觉，形、色、体、质，让我明白素描的逻辑，瞬间掌握了如何布局、如何呈现立体，出门观察景物也找到了不同的视觉。物还是原来的物，只是在我眼里呈现出以前被忽视的一面：形状、层次、阳光照耀下的明暗色调变化。         素描告诉我如何观察，如何用另一种眼光看世界。现在看见东西就会想如何才能在平面的纸上描述出来。把平面的东西立体化，也是挺好玩的。         画出自己眼里看到的，而不是别人教你画的，哪怕是最简单的东西，也是蛮有意思的。拿起笔，从练习排线开始～

《反传统素描教程》 周磊 唯伟 6个笔记 ◆ 第2章 画素描，我需要哪些工具 >> 画板有空心板与实心板之分，画素描使用空心板就完全够用了。通常职业画家绘画时，会把画板立在画架上作画。趴在桌子上画画当然也是可以的，只是这种作画方式往往会损害身体健康，长期伏案作画容易患肩周炎。 >> [插图] >> 台式画架可以摆在桌子上，画一些比较小的画。如果家里的空间比较紧张，推荐大家选择台式画架，它更便宜实用一些。 ◆ 第3章 学会控制线条，是学习素描的第一步 >> 所谓“道高者”，就算是拿着一把塑料刀和一支劣质铅笔，也能削出一支握感很好的铅笔。 >> 重复、缓慢，重复、转动，匀速、重复，心静、重复，重复，重复…… ◆ 后记 如何面对绘画学习过程中的阻力 >> 第一个问题是由于长时间画不好或者无法解决某个问题而引发挫败感。这个时候我们就要认真思考这种现象产生的原因到底是什么并加以解决。若是你的能力停滞在某个阶段难以突破，你就可以试着与同阶段的同学进行简单交流，沟通彼此遇到的问题，可能一个小小的点拨就会让你豁然开朗，问题也得以解决。第二个问题是由于作品无法得到认可从而丧失了成就感。这其实算不上什么严重的问题，你可以将自己的作品分享出去，发到社交平台上，这样就会有很多人给评价。

抱着如何表现缤纷色彩的心理打开的这本书，虽然没有找到我想看的内容，但是老师非常细致的讲解，仍然让我受益匪浅，毕竟，我已放下画笔很多年。是的，人应该找到适合自己的世界。读书、运动，如今，我想我会重拾画笔。

整体看完有点像本身画的很一般，但是会强行升价值，意义，审美的人。乍一眼看觉得很厉害，但是范画也很一般，尤其是那个苹果，真的很灰。 个人建议这本书可以不用看， 但是这本书还是有可取之处，就是多看看大师的画吧 可以多看看大师的作品达·芬奇、拉斐尔、米开朗基罗、丢勒、康勃夫、门采尔，伯里曼人体结构。 别浪费时间看这本书

如果觉得市面上的素描教材太多太花了的话，可以先看一下这本，这本属于是很干巴了，全是主要知识点。掌握了这本书，就掌握了素描的精髓，再加上大量的练习，你的素描就很可以了。当然，这本书说的再好，也只是入门，也只是主要知识点总结要详细一点的，更进阶一点的还是得多练习和找其他专业参考书。