大话西方艺术史（全新修订版）

了解西方艺术史，必然绕不开希腊神话和圣经。希腊神话人物繁多剧情杂乱，但大致遵循三个叙事脉络，“神的起源、王位争夺、宙斯的情史”三个部分；而《圣经》是一个“人与神不断约定”的故事。 《圣经》主要分为《旧约》和《新约》两部分，讲了神和人类的七个约定。 第一个约定：伊甸之约。第二个约定：亚当之约。第三个约定：诺亚之约。第四个约定：亚伯拉罕之约。第五个约定：摩西之约。第六个约定：巴勒斯坦之约。最后的约定：大卫之约。 古希腊人发现，规整是可以让人产生仪式感。如果把那些密密麻麻的柱子修得又高大又整齐，人们就会有肃然起敬的感觉。所以这个阶段，艺术简单来说就是为政治服务。 到后来，基督教慢慢从犹太教的异端发展成为罗马帝国的国教，西方艺术也从此走上了另一条路——为基督教服务。这个状态持续千年之久，直到文艺复兴才重新找回古希腊和古罗马的美。 诗人爱伦·坡曾经讲：“光荣属于希腊，伟大属于罗马。”这应该是对这两个文明的最好总结。在人类的不同阶段，艺术的表现形式天差地别。所以，《艺术的故事》的作者贡布里希说：“没有艺术，只有艺术家。”

何为艺术？最浅显的答案可能是，对美的追求。最开始的艺术，不过是山洞里的一堆壁画，是人们对生活的希冀。在对生活的希冀中，当人们终于摆脱了饥饿和凶险，自然就演绎出了无穷的追问和浪漫的想象。西方艺术是一步步前行：一开始“画神”，后来觉醒了“画人”，再后来“画世界”，随着时代的发展，认知的差异，艺术家们讨论“怎么画”，再后来就是“还画不画”，最后是“艺术就是生活”。西方美术史实际上是从宗教、哲学大道理一步步回到人性，回到人的内心情感和日常生活的过程，变成我们生活中的时尚，变成我们的娱乐。所谓艺术究竟是什么？我们无法将艺术高度浓缩成一个准确概念，不同的人类阶段，艺术的表现千差万别。它的每一次转变都会根据不同的社会和经济环境等而变化。正如我国魏晋、唐、宋、元等文学艺术由于时代的不同，有其不同的特点一样。艺术与文学除了给人带来美的享受外，也给人类带来了深深的哲学思考。

三星半（内容四星-排版半星）。第一次读艺术史的普及书，总体感觉还是不错的。 这本书最大的优点是适合零基础的读者读，不过也只适合零基础，因为它讲的内容确实太浅了。本书以时间顺序，以“纪传体”的形式分画派介绍各个画家，前半部分是一节讲一位画家，最后几节（主要是近现代部分）一节讲多位画家，每位画家挑选一些代表作（但并不是所有代表作）做简短的分析。对于没有受过专业教育、只会“傻子似的欣赏”画作的人来说，这些分析通常能使读者发现平时忽略的细节，发现艺术的有趣之处。但是对于抽象或者超现实主义的一些近现代画作，感觉作者的分析比较空，没有说出作品好在哪儿、为什么能成为经典，这一类作品本来就很难get到点。 缺点分为内容和排版。如果本书是给零基础的读者读，内容单薄一点可以理解，但是对于讲解的画作至少应该有张图片吧，本书有少部分画作没有配图，比如莫奈的睡莲有那么多幅，按时间顺序是有变化的，但是本书只有在那一节开头有一张睡莲图，中间有一张展览睡莲组画的博物馆内部图，读者无法仅从一张图看出睡莲的变化，体会画家的观察力与细腻的心思。还有，本书的理论知识过少以至于作者虽然提到了如巴洛克、洛可可流派，但是我并没有对这些画派形成宏观的印象；个人认为读后的最佳状态应该是有大致理解，并对每个画派（或者至少大部分吧）的代表作有印象。 排版上，因为我是在微信读书和纸质书同步阅读，所以感受比较明显。当然，排版的缺点不是微信读书的问题，应该是这类书电子版的通病。纸质书的每幅画都能很清晰地看到细节，大一些的画通常占整个版面，在微读上只能把小图片放大，没有那种冲击力，细节上也有损失。纸质书每节最后的“意公子说”是以画为底的文字框，在微读上是一段文字然后是一张图；我还没翻开纸质书的时候还想：每节后面放一张没有任何标注和赏析的图是什么意思……纸质书的装帧和纸质也非常适合艺术类书籍，书可以完全摊开，纸有点类似铜版纸，但是比铜版纸要薄很多。 总之，内容还算可以，但是阅读体验比纸质书差远了。不过纸质书定价70+元，本来花销也不一样[捂脸]

感受艺术之美（2023年第150本） 你无法改变人生的长度，但你可以改变深度。艺术与人文就是人类在精神世界不断拓展的天外之天，人，总是不甘于一方天地的，我们在诗歌中寄怀，在歌声里微笑，在一幅画前挪不动脚。你说艺术是什么？美又是什么？ 它们的号召力，又是从何而来如此霸道？ 有关中国艺术的纪录片mark： 《中国艺术Art of China》——最具代表性的中国绘画、雕塑及其他艺术品 《殷瑗小聚》——蒋勋以自己的美学角度解读中国美术的辉煌往事 《局部》——既有中国美术也涉及国外美术 · 观赏丢勒1507年的《亚当和夏娃》，亚当和夏娃都有点斜方肌突出的问题。 · 那尊举世闻名的“断臂维纳斯”，即《米洛斯的维纳斯》，它一直被视为是世界上最美的象征。由于种种原因，这尊雕像并不完整，但她所带来的美感却没有因为这种残缺而有丝毫的消减，反而让我们可以更加全神贯注地欣赏她匀称均衡的身体曲线。 健康的体态，忽而想起昨天看到的为显腰瘦取掉四根肋骨的变态审美。瘦大行其道多少年了，该是健康体态为主了。米洛斯的维纳斯越看越美。喜欢 ·《蒙娜丽莎》（Mona Lisa）1503—1506年 | 达·芬奇 对于蒙娜丽莎这似笑非笑的表情，人们之所以500多年都没能得到统一的结论，最主要是达·芬奇“明暗渐隐法”的功劳。 明暗渐隐法,意大利人称为“sfumato”,是达芬奇首创的一种绘画技巧。这种画法,主要让轮廓模糊,让色彩柔和,将一个形状融入另外一个形状。 达·芬奇在绘画上首创"明暗渐隐法"，即在形象上由明到暗的过渡是连续而自然的，物像与背景没有截然的分界，轮廓线自然地消失在背景中，使画面更具立体感和真实感。 人的眼角和嘴角的肌肉动作往往决定了人的表情，而这些表情又反映了人的情绪。 我有一幅小作，一直放在书桌立架上，时不时的看上一她一眼，她总是微微的一笑，那么安静恬淡和释然。 ·《大卫》（David）1501—1504年 | 米开朗基罗 13岁时，他来到艺术家基尔兰达约的作坊，在那里遇到了人生中的第一位伯乐——当时佛罗伦萨最有名的艺术赞助人洛伦佐，很快就完成了他的成名作《哀悼基督》。而这时的米开朗基罗，不过23岁。 年少成名，后又凭借《大卫》，米开朗基罗稳当地坐上了最伟大雕塑家的位置，与50多岁的天才艺术家达·芬奇平起平坐。 · 拉斐尔·桑西，1483—1520年 后人在评论“文艺复兴三杰”时说：“达·芬奇画出了人的神秘，米开朗基罗雕刻出了人的强壮，而拉斐尔画出了人的美丽。” · 美第奇家族—文艺复兴时期的欧洲豪门（15—18世纪） 从1434年至1737年这三百年间，意大利佛罗伦萨的美第奇家族是欧洲最强大和最有影响力的家族之一，有两个教皇和两个王后来自美第奇家族。 美第奇家族被称为文艺复兴的教父，因为他们为佛罗伦萨的文化繁荣奠定了基础。他们在银行业、艺术和建筑方面的重大创新一直延续至今。mark意大利剧《美第奇家族》 ◆ 巴洛克、洛可可与新古典 ·《大宫女》（La Grande Odalisque）是法国画家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔的一幅油画作品，于1814年创作，收藏于巴黎卢浮宫。 该画作尊崇严谨的古典风格，以头包土耳其头巾、手拿孔雀羽扇的奥斯曼帝国的宫女为主题，整幅画面散发着美轮美奂的异国情调。 当时的评论家们看了安格尔这幅《大宫女》就开始“喷”了：“这画的是人还是鬼？这女人的腰，至少多了三节脊椎骨。他们的质疑或许是对的，大宫女的腰确实被安格尔人为加长了，可是这又怎么样呢？可能就是因为这段多了三节脊椎骨的腰部，才使她如此柔和。 哈哈哈莫名戳中笑点，这么美的画，这样发问，有点不解风情了。 加长带拐弯。 “你们说得对，但我不改。” 安格尔,主打就是一个随心所欲。 喜欢安格尔1853年的订单作品《德布罗伊公主》，可惜本书中未收录。 另，本图为1811年作品《朱庇特与忒提斯》。 ◆ 浪漫与写实 从库尔贝开始，艺术不再是故事的艺术，而是现实的艺术。正如法国评论家所说：“没有库尔贝，就没有马奈；没有马奈，便没有印象派。” 因为他，后世的艺术家不再把眼光望向几百年前的故事，而是开始真正用心去观察自己所生活的世纪。 仰望神和探究神性，到反观自己，像库尔贝的自画像《绝望的男子》一样，绘画成为投射内心的潜意识，如同镜面。 除了你自己，没有人可以将你抛下。 海德格尔的向死而生，只有死亡被推到眼前，这个突然而至的未来，赋予我们当下的意义。 ◆ 印象派 马克吐温的小说“每一个新画派产生时莫不是受尽责骂，等画家死了，人们反倒缅怀起他的画了”。 ·《日出·印象》克劳德·莫奈| 创作年代：1872年 | 风格：印象派 《日出·印象》是法国著名画家莫奈于1873年在阿弗尔港口画的一幅写生画，收藏于法国巴黎马尔莫坦美术馆藏。 《日出·印象》作为一幅海景写生画，整个画面笼罩在稀薄的灰色调中，笔触画得非常随意、零乱，展示了一种雾气交融的景象；日出时，海上雾气迷朦，水中反射着天空和太阳的颜色.岸上景色隐隐约约，模模糊糊看不清，给人一种瞬间的感受。 ｜ 莫奈在阿弗尔港口创作了《日出》和《日落》两幅画，而在首届印象派画展时，两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是“对美与真实的否定，只能给人一种印象”，莫奈于是给画起名为《日出·印象》。 淡紫、微红、蓝灰和橙黄是这幅作品的色调组成部分，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉升起。 ｜ 这是除《睡莲》以外，个人最喜欢的莫奈画作。 为了能追上光的变化速度，他甚至创造了一种堪比照相机连拍技术的“连作法”——他在户外一次性支上好多个画架，只要光线起了变化，就立即移步到下一个。如此一来，他得以在短时间内迅速记录下光影的变化过程。这一技法决定了莫奈后期作品的一大特点：系列化。 从1900年到去世的整整26年里，莫奈都在进行着《睡莲》的创作，多达233幅。 莫奈的睡莲有233幅，梵高的向日葵有11幅，达芬奇的蒙娜丽莎都有2幅。 莫奈设计了一座绿色的日本桥，桥上刻着一句日语，意思是“漂浮世界的影像”。 莫奈最终脱离了对感官的依赖，创造了一个虚实难辨、无限的、没有尽头的艺术世界。 当你站在法国橘园美术馆的“睡莲厅”里，被《睡莲》360度环绕，你会产生一种幻觉，仿佛置身于一个被睡莲包围着的小岛上。这些睡莲像是流动着的时间，又像是循环着的生命，从盛开到凋零，从繁华到幻灭，从死亡到新生，看不到边界。 意公子说，无论是莫奈的《睡莲》还是黄公望的《富春山居图》，一幅伟大的画作绝不仅是对空间的简单复制，它可以包含四季的更迭、时间的往返和生命的轮回。这种意境让这些作品从单纯的绘画形式上升到了哲学的层面。有机会的话，请你一定要去一趟橘园美术馆，坐在莫奈的《睡莲》之前，静静地待上几个小时，去体会一个一生追寻光的画家，在耄耋之年，留给世人的最后一抹色彩。 · 意公子在《艺术很难吗》的节目里面，她把《红磨坊街的露天舞会》这幅画做成了动图，看着阳光穿过叶片稀稀疏疏的洒下来，光影斑驳，非常漂亮。 · 保罗·高更《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》作品\ 1848—1903年 高更没有压抑的股票经纪人的中年生活，也不会有逃离后的全新艺术人生，抛开世俗的道德而成就自我，追求自我，貌似也是一种权力，只是世俗谴责的是你社会身份应当承担的责任，而不会谴责你的艺术，没有这样的经历怎会有《我们从哪里来？我们是谁？我们到哪里去？》， 中年人的抉择尤其需要勇气。 · 压轴出场——文森特·威廉·凡·高 Vincent Willem Van Gogh 1853—1890年 BGM起～是唐·麦克莱恩如流水般的嗓音，浅唱低吟《Vincent》～ 每个人心中都有一个凡·高，那凡·高心中的自己，又是什么样的呢？ 在西方艺术史上，有两个来自荷兰的“自画像狂魔”，其中一个就是凡·高。凡·高的一生画了40多幅自画像，串联起来就是一部凡·高生命历程和绘画技法的演变简史。只有读懂凡·高的自画像，才算是真的了解凡·高。 读懂名画后面的故事，执笔者在进阶，画作也随之而变。 到凡·高最后一幅自画像，尽管世界残忍，但他还是留给了世人自己最后的温柔。(当然这也是他卖的最贵的一幅自画像) ◆ 进入二十世纪 超现实主义 喜欢1931年达利创作的《记忆的永恒》，萨尔瓦多·达利是和毕加索、马蒂斯并称为20世纪最具代表性的三位超现实主义艺术家。关于他的传说有很多，大部分都将他形容成一个疯疯癫癫的人，大概是因为弗洛伊德《梦的解析》是他灵感的重要来源。 软绵绵的钟表是达利的“本我”，是他内心无意识，甚至以梦境作为创作的灵感来源。它让我们看到了时间在这里融化、变质、腐蚀和衰败的过程，是一个脱离现实生活的世界。我们可以闭上眼睛想象，如果是在我们的梦境里，或是潜意识里，事物会像我们现实生活中所看到的那么具象，那么泾渭分明吗？不会的，它们常常是融合的、变化的、无厘头的。 虽然达利的画已经够让人摸不着头脑了，但这还不是超现实主义的全部。 本书推荐买纸质书籍，简直就是良心做工，画质很好，安利意公子节目《艺术很难吗》 完 2023.11.14

这是一部句句有梗的极简艺术史。书中包含了30000年艺术历程 · 150件名画经典 · 40位艺术大师 · 20个艺术流派。从艺术的起源、西方文明的源头开始，经过文艺复兴、巴洛克、新古典主义，再到浪漫派、印象派乃至20世纪之后的当代艺术。这些名目繁多的流派、艺术家和代表作，经由意公子轻松有趣的解读逐一串连，配合书中丰富精美的图片以及关键词索引附录，帮你迅速建立西方艺术史框架从洞穴壁画到当代艺术。在这里，不仅可以学到艺术领域的基础知识，零压力掌握艺术史知识框架，也可以找到欣赏艺术作品的方法，短时间提升审美品位。

本书用浅白风趣的语言和逻辑清晰的脉络，梳理了30000多年西方艺术史的精髓，帮助你迅速构建完整的艺术史认知框架，提升你在生活中的独立审美意识。从艺术的起源、西方文明的源头开始，经过文艺复兴、巴洛克、新古典主义，再到浪漫派、印象派乃至20世纪之后的当代艺术，这些名目繁多的流派、艺术家和代表作，经由意公子轻松有趣的解读逐一串连，配合书中丰富精美的图片以及关键词索引附录，能满足阅读的不同需求。在这里不仅可以学到艺术领域的基础知识，也可以找到欣赏艺术作品的方法。

“无穷的追问交给哲学，浪漫的想象交给艺术”。 第一次读有关艺术类的书，作者用通俗、风趣的语言，向我们介绍了西方艺术史的起源与变迁。例举了西方艺术发展史上的画家、流派、作品。 对《圣经》中神与人类的七个约定，人类如何进入《新约》时代，进行了讲解。 通过此书，让我们明白，为什么看不懂西方艺术，除了当前抽象艺术外，西方大部分作品很多都是《圣经》里的故事，对我们东方人来说，这些宗教故事，是我们知识架构之外的内容。 达芬奇的智惠，丢勒的才情，大卫的理想，最让我叹服的是莫奈的《睡莲》从1900年到去世的26年里，一直进行着创作，最多达233幅。 艺术家们在自己的艺术创作当中，传达出对生活，对世界的思考。实际上《大话西方艺术史》这本书也讲述着每个艺术家的故事。 读完这本书，了解到艺术领域的基础知识，也大概懂得欣赏艺术作品的方法。

“我们不需要成为艺术界专业的学者，但也不能以纯粹无知的状态去欣赏艺术。” 很多作品都见过，却很少去了解画作背后的那双手和创作者以及故事的背景。读完心里脉络清晰了很多。 学习的源头是快乐，快乐才是要紧事。这本书是今日的快乐源泉。

《艺术的故事》的作者贡布里希说：“没有艺术，只有艺术家。” 艺术是一代代艺术家用自己的作品推动、发展得来的精神产物。它的每一次转变都会根据不同的社会政治和经济环境等而变化。艺术可能比现实生活“高”那么一点点，但它终究源于生活。

介于专业与非专业给大众一把钥匙，简单了解艺术，从一个小白开始，带着整理好的背景知识，观赏走心之后，小白或许上升一级，至少明白该如何观赏，这收获对于一个普通观众，想来足够了。 艺术源于生活，又高于生活。 没有艺术，只有艺术家。 艺术是个人观点的表达，除了文字、语言，艺术这一形式不是一个普遍性可以理解的门类，从山洞里岩壁上那头牛开始，从透视法，从解剖法，从颜色，从构图，从角度，从抽象派，印象派，写实派...但入门小知识是有必要的。 意公子的大话，其实更易于普通大众接受，结果是读完本书有收获，快乐，溢于言表。