中国传统绘画的风格（湖山艺丛）

成都人除了搓麻以外，还喜饮茶。 三五好友相聚，围坐一桌，每人一只杯子，杯底捏一撮茶叶，稍许滚水，激发茶香。 这茶，得是拌着茉莉花的清茶，才好。 揭盖，茶汤清亮，花骨朵泡得舒展，香气四溢。押一口茶，烫，长舒一口气，舒服。 生活，还有什么苦恼可言。 在国内，走南闯北，没有不爱茶的地方。龙井乌龙铁观音，祁红普洱金骏眉，各地有各地的名茶，各地有各地的喝法。 即便是我的家乡，不产茶，也家家户户备下粗茶，以便待客。 茶叶，中国人的口味与品味。 世界人民都爱给生活添点滋味。 欧美爱咖啡，与茶比较，无论内容还是味道，浓郁地多。 这是西方的口味与品味。 东西两方，截然不同的，还有绘画。 两幅画放到一起，西式中式，一目了然。 绘画，本质是点、线、面的组合，面貌差异却如此之大，然而又都是美的。 美和美之间，有着不同。 到底怎么不同，只能说个大概。例如中式画讲究留白和意境，西式画讲究光影和色彩。 再多，只能胡扯。 大师潘天寿于1957年在浙江美术学院中国画系讲了一堂课，标题是《谈谈中国传统绘画的风格》，极精彩。 拨云见雾，几句话就破了迷障。 传统风格的形成，自然需要探究传统是怎么形成的。地理气候、风俗习惯、历史传统、民族性格、工具材料，都会影响传统，根子上还在地理气候上。地理气候不一样，生活习惯跟着不同，眼中所见即有了差异，绘画风格自然不同。 潘老书里说道:“文艺上的形式风格，是脱不了历史传统辗转延续的影响的。例如中国绘画的表现技法上，向来是用线条表现对象的一切形象的。因为用线条来表现对象，是最概括明豁的一种办法，是合于东方民族的欣赏要求的。” 潘老的课，在于点题破题，有警醒之功，话语简练，以做思绪拓展之基。 绘画艺术的发展，与目的息息相关。 西方艺术与宗教需求关系密切，神的面貌和故事，需要大面积色彩和光影来体现，才能保持住威严。文艺复兴，人性与神性的缠绕，人们留下影像的需求，进一步促进技法的进步，甚至把小孔成像技术利用到极致，完美将建筑复制到纸上，只需要在格子里涂色。 中国文士阶层对于恬淡、意境，所谓品格的追求，造就了中国自古以来累积地国画审美，士人阶层在实质上成为画作的筛选者。潘老云:“中国绘画以墨线为主，表现画面上的一切形体”“尽量利用空白，使全画面的主体主点突出”“尽量追求动的精神气势”“题款和钤印更使画面丰富而有变化，为中国绘画特有的形式美”。 活在当下，纵情歌唱，忘却现实烦恼的浮世绘，又是武士阶层倡雅而不愿放弃世俗的选择。 选择是被动的，大多数情况下是没有选择。 艺术必须有独特的风格。 美国汉学家高居翰在著作《致用与娱情》中，提出中国绘画有两套体系，一是士人鉴赏绘画系统，这是完整连贯的文人画体系。而藏在暗处的是出自城市画师之手的，为了满足新年、寿辰、欲望等特殊用途，成为世俗画。 世俗画用色鲜艳，走真实可信的路子，为文士不喜，认为俗不可耐。 高氏从西方的角度看待中国绘画，他批评李日华手卷“毫无疑问，李日华的手卷会立即吸引不少观众，甚至对中国绘画不甚熟悉的观众也可能觉得李画更具视觉冲击力，这种差异犹如一幅1950年代的抽象表现主义的绘画之于17世纪荷兰的室内画。但我相信，李日华的手卷并不耐看，不久就会暴露出其有限的趣味及创造力，与其说那是飘逸，不如说是笨拙。李画表面上印证了中国人书画一律的主张，其实不过证明了艺术固步于非描绘性的、书法式的笔法。” 这与潘老的观点完全相左。 在《中国画系人物、山水、花鸟三科应该分科学习的意见》的意见中，潘老明确提到:“人物科，写生应多于临摹。花鸟科，临摹与写生可以参半。山水科，临摹可多于写生。”“低年级的学生对真山水的写生往往感到困难……可多临摹古近人画稿以为基础。” 李日华，工书画，善山水。山水是中国画的典型代表，白水墨山，云烟氤氲，意境盎然。 读这两本书，及至此，还是不能准确把握中国画的特点怎样概括。 西方绘画透视观点好理解，从一个角度看过去得到的画面。 那么中国画的散点透视法怎么理解，貌似平面，没有透视，又绝非平面。 释家禅宗曰顿悟，棒喝。 潘老在课上一下子接了顶子，瞬间思路开阔，原来中国画独特就独特在散点透视。 合于观众的欣赏要求处理透视 “……透视学，是建立在假定观者的眼睛不动的基础上的。虽然人也有站着或坐着一动不动看东西的情况，但是在大多数场合，人是活动的，是边行动边看东西的。人们在花园里看花，在动物园里看动物，总是一会儿看这边，一会儿看那边，一会儿俯视，一会儿仰视，一会儿又环绕着看，眼睛随意转，身体随意动，双脚随意走，无所不可看……这说明人们看东西，往往不能以一个固定的视点为满足，于是，焦点透视就不够用了。爬上五云山或玉皇山的人，由高处俯视和远望，既可看到这边明如满月的整个西湖，又可看到那边飞帆沙鸟、烟波无际、曲曲折折从天外飞来的钱江，是何等全面的景象，有何等不尽的气势。然而用西画的方法却无法把这种景象画下来，在一张画里画了这边就画不了那边。” “而中国绘画则可以按照观众的欣赏要求来处理画面，打破焦点透视的限制，采取多种多样的形式来完成。” “例如《长江万里图》《清明上河图》，就好像画家生了两个翅翼沿着长江和汴州河头缓缓飞行，用一面看一面画的方法，将几十里以至几百里山河画到一张画面上。” 拜服。 如此一般论述，把我心里对中国画的澎湃感，祖国大好山河的感觉精准的描述出来。 北冥有鱼，其名为鲲，鲲之大，不知几千里也。 老高虽然精通汉学，但文化上总是隔着一层。 维持特色不是固步自封。 潘老自己的画，就大量吸收西方构图要素。他的山水、花鸟，用墨饱满。一般留白处是为了突出眼前的重点，墨色是主角。他的有些画，留白处反而是主题，大幅墨色成了背景。 把画铺满，大墨块，不够传统，有了新意，却没丢掉特色。 哪怕是成都人，喝杯咖啡，也成为日常。 晨起或是午后，用闪着光的勺子搅一搅咖啡，美美嘬上两口，仿佛又活过来了。 上班咖啡，下班茶。 两个都喝，没毛病！

这本中国画家自身的理论化探索的小书我觉得很难得。首先，好的艺术家很难同时是好的理论家，本身的方法不太一样，创造性灵感直觉 VS. 理性逻辑系统分析，受的训练也不太一样，所以我觉得画家写的理论很珍贵。其二，和西方绘画相比，中国传统绘画理论并不多（但也许是我读的关于中国传统绘画的书太少）。衡量中国画的角度通常是意境，气韵，文人精神，书画诗文关联，这些角度都难以称作标准（不像西方绘画有适合任何人的学习透视解剖光影配色的系统方法），因此中国画更难习得，主打一个圈层，修养和天赋。所以这样试图系统去理解中国画的书都很可贵。中国传统绘画风格这一章写的极好，用对比的手法讲了笔墨，留白，颜色，明暗，透视，题款之于中国和西方绘画的不同，建议全文抄写背诵。内容大多应是潘天寿在杭州艺专的教课内容，非常简洁通俗

这本书虽然不是长篇大论地阐述中国画的来龙去脉,但内容极其精练, 对国画爱好者学习和鉴赏有很大的启发和帮助。很多对国画应如何学习和理解有独到见解，是一本值得一读的好书。

很好的一本书，比较好理解，整个结构巨巨巨好，感觉观点很新考虑很周。 和“构图”那本有重合部分，互相更好理解。

潘老的语言简单直接，直指艺术本质，对于学习传统绘画之道路方法，明确清晰。艺术最终的指向，期间的路程方法，都走了清晰的认识。这是潘老站在中西方绘画历史的高度上总结出的肺腑之言。学中国画之必读。

挺有意思的一本薄薄的书，看起来很快，作为简单了解中国画的书感觉还不错。

触目纵横千万朵，赏心只有两三枝。

大师手笔，高屋建瓴，语少而意精，直指要妙，难得之佳作！值得一读。