认识绘画：丰子恺绘画十六讲

丰子恺真的很喜欢竹久梦二的画呀，我家有很多竹久梦二的复制品，一下子觉得和丰子恺更近了，这便有了关系。绘画与文学是不分开的，作者旁边的文字或者是命名给定了这幅画一个主题，中国山水画与诗的关系就更深刻了，曾开始是给文配图。 当然中国画不能用西洋画的手法来分析，远近法，透视法很多地方都是错误的，故而中国画擅长远景，西洋画近景很拿手但远景也可，山水画描写的“梦”，西洋画是“真”。一个写意一个写实。介绍南宗北派，简单讲了中国画的发展历史，也交代了一些西洋画的派别。 开头讲绘画的工具与手法，中国画是图画平面与线条，写意风格最难模仿与掌握，需要一点天赋。而西洋画是只要时间堆积，就能入门画室，现在学画最基本的就是先学画两年素描，再学其他的技法。 第二部分讲绘画的欣赏，想起了解绘画的起源与发展历史，是何门派，这个门派有什么特征，多看大师作品，不要看低劣仿品。特别喜欢的一句是，眼睛是精神粮食的器官，又一切都是眼睛先吃，这一下子也懂了什么眼界。同样的食物，摆盘好看的会觉得味道更好吃一点，人总是先买好看的东西。尤其国外的过度包装懂这点。 审美是一个日积月累的事情。多看才能提高，还要能分析出为何好看。虽然因人而异的审美，但审美高在群中还是濯濯生辉。 最后学习绘画不但要多练习还要都去美术馆看展览噢（现在就去看丰子恺画展的路上）

丰子恺（1898-1975）是画家，作家和翻译家，身份很多元，这些身份产生了互相滋养的效果，他的这本小书《认识绘画：丰子恺绘画十六讲》将普通人需要了解的关于绘画的通识讲清楚了，通过这本书可以了解如何学习绘画，如何欣赏绘画以及中西绘画的重要分野。老先生除了《认识绘画》还有《音乐入门》，可以说他通过自己的笔，将感兴趣的东西，深入浅出地写明白了。 本篇的主要观点都来自于书籍，原文引用的部分会加引号说明。如何学习绘画？ 首先要选择的是中国画还是西洋画，对中国画来说，以临摹为起始，更多的东西是学不来的，只能靠领悟，这个后面会额外讲。而对西洋画来说，有一套科学的方法和体系，素描为根基，发展出不同媒介的画种和画派，通过训练，每个人都能掌控一个画面，而要成名成家，就需要发展独特的绘画眼光、经验、审美意趣。记得十几年前走进画家陈予钢老师的课堂，第一堂课他说绘画第一步要学的就是如何削铅笔但凡有新同学来，他都会强调一次，赶时间的现代人，多少有点不以为然，甚至对于很多未成年孩子来说，家长几乎是谈刀色变。 “作画的铅笔头要粗纯为佳，用小刀削，可以自由自在，铅笔画不求工致，而贵乎自然。工笔有匠气，粗笔可得自然之趣，所以铅笔头不宜削尖。学画的人大都不欢喜描，因为用笔摩擦，工作太机械，少有兴味。” 丰子恺先生的总结和陈老师温柔的坚持，理由是一样的，所有削笔刀都是为纤细的笔尖服务的，可是这纤柔的笔画往往限制了作画者从大处把握作品的格局和豪爽之气。 丰子恺特别强调对于绘画来说，最重要的是磨练眼光，而具体如何磨练，是通过四点：观察自然，练习作画，鉴赏名画，阅览书籍。 四个方法缺一不可，近来我也逐渐感受到写生的重要性，这段时间在读《绿衣亨利》，主角亨利有一段学习绘画的历程，他在画室里跟着画装饰画的师傅临摹了很久以后，给乡下的亲戚看自己的画，不懂画的亲戚说他画得固然好看，可是自然界中不存在那样崎岖不健康的树，也不存在那样陡峭壁崖上“站不稳”的瀑布。 无论是西洋画还是中国画，优质的绘画，表现的都是自然之美，而如果所描画的自然本身就是假的，美的根基就有些虚空。 “有了眼光即使没有描写能力，亦不失为解艺术而知画的人；反之，仅有描写能力而没有眼光，其人就是画匠。” 在书籍中，我重新认识了几个以前没有想过的问题，为什么以木炭为基本的练习工具？为什么裸体人是西洋画重要的素材？ “物象的姿态表现，有形状、明暗、色彩三个条件，前两者尤其重要，黑白照片就是证据。拿制造风筝来比方，形状犹似风筝的形式，线条犹如风筝的骨子，明暗犹似风筝上所糊的纸，色彩犹似纸上的花纹。要风筝放得高，必须注意其形式，骨子和所糊的纸，花纹则有无听便。” 以素描和木炭画为根基，训练的是本质的绘画技巧，以此开展再学习色彩，并不是难事。 而为什么画人体？人体最难。人体包含自然界中最复杂的曲线和色泽。初看时并不觉得，人不就是肉色吗？在不同的光影下，它的变化丰富，内敛，柔和。 “人体，一丝一毫，不得变更增减，写生不忠实，写的便不像人。在没有训练的眼看来，花、蝴蝶、孔雀何等美丽，远胜于肉色而羞耻的裸体。其实那些不过五彩绚烂眩耀人目而已，细究其构成，远不及人体的巧妙变化而复杂，就形及线来说，花瓣上的曲线，在人体上都可以找到。反之，人体的曲线，花卉中不能尽备。” 书籍更有意思的话题是，为什么要欣赏绘画？以及如何欣赏绘画？ “嘴巴是肉体的嘴巴，眼睛是精神的嘴巴，嘴巴的辨别滋味，不必练习。眼睛之辨别美丑，即美术鉴赏力，必须经过练习，方才能进步。” 书籍除了用常规的中西绘画的分别来说，对绘画的种类做了另外一个分野，写实还是写意—— 写实：印象派-浪漫派-古典派-文艺复兴时期绘画->照相 写意：后印象派-野兽派-中国画-立体派-漫画->图案 发展到今天来说，照相和图案都在人们的生活中大量出现。看上去中国画的发展有些羸弱，其实在艺术的领域并不然，中国画、东洋画，在不同的程度上影响着西方绘画，其中最为典型的是浮世绘对梵高、莫奈等人的影响。谈西洋画和中国画的分别，不得不浅谈一点西方哲学和东方禅宗思想的差异，我们中国人的语言里面包含了很多东方智慧——阴阳调和、张弛有度，这在西方逻辑脑的审视下是不清不楚的葫芦话，因为西方科学要求的是如何度量的问题，也是逻辑上要完美自洽的问题，但是整个东方智慧并不是在逻辑、实验等的影响下产生的，而是一套关于领悟的人生态度。这也导致了中国画的难学，规范中国画的从来不是透视、解剖等，而是不可言说的意境和意趣。 “学中国画时，为学用笔，不妨临摹，但不可止于临摹，董其昌说，读万卷书，行万里路，胸有成竹，然后作画。中国画的学习方法，只有两句话，多读名画，多观自然，而最重要的前提还是，多具天才。” 丰子恺先生将各个画派的总结写的简练有趣，在此我也摘录部分以供喜欢赏画的朋友一看： 印象派（19世纪后半期），描画要全凭仗两只眼睛的感觉，不可加以记忆或想象。摒绝思虑，用纯洁的视觉来观看某种光线下某种环境之内的花的瞬间状态，然后完全依照视觉的所感而描写。不宜近看，也不宜探索画中题材的含义。 写实派（19世纪中期），以米勒和库贝尔为代表，注重形，明暗和立体感，题材开放，允许俭省一些细节描写。在这个画派之前的浪漫派和古典派，不论远近大小，均用细描。 后印象派，以塞尚为代表，以粗大而强有力的线条当作轮廓，背叛实物，注重主观，欣赏这种绘画，注重其用笔的有力，识色的胆量，以及构图的经营。 中国画，无论山水，人物，花卉，均不写实，通常移动物像的位置或者变化比例大小。 漫画，注重内容和意味的一种小画，形式夸张，变化之极，就是立体派的绘画。 丰子恺的这本书，阅读难度不大，没有写艰深的理论知识，除了我写的内容以外，还囊括西方各种不同媒介绘画的优缺点和特点，也讲了关于透视，色彩，构图的基本知识，是可以提升绘画眼光，了解常识的好书。

看完有收获，了解了很多基础知识，东西方差异，门派区别，和看作品的切入点。 去年跟着“顾爷”的视频看遍了世界各地的艺术馆、美术馆、博物馆和教堂，对于80后的小镇做题家来说，开始喜欢艺术竟然这样晚...

这是本学习与欣赏美术绘画基本功入门好书。作者高人是上世纪文章汇集。它对于绘画基本理论，技巧，工具，历史，文化，美学理论，色彩学等多方角度都有比较全面分析，甚至包括从美学哲学层次上介绍，值得收藏。 特别欣赏他对于作为欣赏者或者美术作者之文化基本素质认知。他认为："图画原不过是‘看看’的。但因为眼睛是精神的嘴巴，美术是精神的粮食，图画是美术的本位，故‘看看’这件事在人生竟有了这般重大的意义。”...并且"可以说：嘴巴是肉体的嘴巴，眼睛是精神的嘴巴——二者同是吸收养料的器官。 那相异的地方在哪里呢？嘴巴的辨别滋味，不必练习。无论哪一个人，只要是生嘴巴的，都能知道滋味的好坏，不必请先生教。所以学校里没有“吃东西”这一项科目。反之，眼睛的辨别美丑，即眼睛的美术鉴赏力，必须经过练习，方才能够进步。” 上他似乎点出学习，欣赏绘画美之要义。 因此，学习美术欣赏之对眼睛基本训练，就像学习音乐要令耳朵多听些合适音乐经典作品样重要。 有人说人幸福内涵有肉体与精神两个方面。 肉体方面自然包括人体五情六欲之相关方面，而所谓高级并且能够长久一点幸福感，它则必须是一种精神方面追求。 它自然包括对美欣赏能力追求与学习。因为“美术是为了眼睛的要求而产生的一种文化。故人生的衣食住行，从表面看来好像和眼睛都没有关系，其实件件都同眼睛有关。越是文明进步的人，眼睛的要求越是大”。简言之，人之幸福必须有肉体和精神平衡或者有“ 双肩挑”。 读本书最大的收获就是学习了解作者对于中西绘画美学理论从哲学本质或者高度之概括与总结。 例如，作者总结中国画有山水，人物，花卉，翎毛四大类。 其中山水画多胜人物画的地位，而西洋画按题材分类，一般来说有人物，风景，静物三种。 人物在西洋画中占有主要地位， 风景往往在古代西洋画中做人背景之用。 另外，西洋画在色彩理论，工具使用，用光及结构布局，描写法等方面不仅比中国画美学或者其自“感情移入”至“气韵生动”核心美学理论相比较，不仅显然要复杂些，并且中国画还更不容易学。 或者可以说而学习西洋画可以用功而成就，但是，学中国画与用工不相干，全靠天才与灵气。当然其学习过程也包括对，例如，对树，梅，兰，竹，菊，山水，人物等内容， 还有例如像用作品 "芥子园"等作为初学画者临摹仿。并且其首先强调的是：胸有成竹，然后做画。 所以中国画学习方法自然强调：多读名画，多观自然，同时多具天才灵感再去试，或者说它强调重在人心之感悟，因此，看起来其入门槛要比学习西洋画要高。 作者以为西洋画学习法只要有条理，从基本练习入手，自会成就。例如，学习人体画是从人体解剖，线条变化等入手，这些显然都不是习古中国画所需将就方面。总而言之，学习画图注意两件事：辨别门径，摩炼眼光，多读书。 对于绘画的欣赏，还包括写实与写意两大派别。其基本概括了东西方绘画美学理念之差别。尽管，作者认为19世纪后半兴起西方印象派也是开始融合东方绘画“写意”之要素。 其中“写意”包括绘画时画者要有诗中画面，而且表达出的内容必须有诗的意境。 用大白话理解就是，观察艺术作品，需从远处看，而不要近处细看，对于西方印象派作品同样如此。 作者对于西方绘画的描写手法等也有深刻的见解。 简言之，称本书为老派艺术家对于 东方古老绘画理论评论经典，应该不为过。一本值得推荐好书。相信后代现代作者能与时俱进推出更多更好评论东方绘画理论好书。

本书成文大多在近百年前，是一本非常好的学习与欣赏美术基本功的的启蒙书。本书是本文集，文章水平有参差，除了对西洋画介绍比较粗略，可以再参考其他书外，绝大多文章都是精粹的上乘水平。本书对于绘画的学习法路径介绍非常简洁，不走弯路，对于绘画的美学原理，色彩理论的解释通透，胜过绝大多数的美术老师，值得一读。 开头丰子恺讲："图画原不过是‘看看’的。但因为眼睛是精神的嘴巴，美术是精神的粮食，图画是美术的本位，故‘看看’这件事在人生竟有了这般重大的意义。”..."可以说：嘴巴是肉体的嘴巴，眼睛是精神的嘴巴——二者同是吸收养料的器官。眼睛的辨别美丑，即眼睛的美术鉴赏力，必须经过练习，方才能够进步。” 点出学习欣赏绘画美之要义，学习美术欣赏之对眼睛基本训练，就像学习音乐要令耳朵多听些合适音乐经典作品样重要。 人生不一定要画苹果、香蕉、花瓶、茶壶。原不过要借这种研究来训练人的眼睛，使眼睛正确而又敏感，真而又美。然后拿这真和美来应用在人的物质生活上，使衣食住行都美化起来；应用在人的精神生活上，使人生的趣味丰富起来。这就是所谓“艺术的陶冶”。审美是需要培养的，真和美是滋养人类精神世界的视觉养料。 作者对中国画的总结是大师的高度，现在艺术院校都是素描水彩西洋画的方法一路上来，中国画成了过时边缘的产物，传统文化的早已经匮乏而渐于断流，其重要程度远不及一脉相承的民国时期。 文中介绍从绘画入门介绍说：“绘画的学习，西洋画有一定的方法，而中国画没有定论。因为西洋画容易学，中国画不容易学。学西洋画可以用功而成就，学中国画用功不相干，全靠天才。”高度概括学中国画与用工不相干，全靠天才与灵气。即便清代的李渔（字笠翁）编一本画谱《芥子园》，可说是中国唯一的绘画教科书。全书分为石、树、梅、兰、竹、菊、山水、人物等数部，每一部中集合古代名家的作品，以供学画者临摹参仿。临遍了这画谱，各种景象都会画，便可自己作画。但也不可全然模仿，拼凑，还要胸有成竹，然后做画。既然中国画那么艰难，学习方法就强调：多读名画，多观自然，同时多具天才灵感再去试，或者说它强调重在人心之感悟。 对于中国画的欣赏：现在从表面上拿西洋的画法来规律中国画，当然可指摘其远近法的错误，而见其为局部凑成的不统一的绘画。但就根本一想，这远近法的错误与画面的不统一，正是中国画的特质所在。看到中国画的山水立轴或图卷时，容易使人联想“关山万叠”“云树千重”等诗文中语。中国画所描写的想象的世界，换言之，就是诗的境地。在艺术的本质上着想，文学的工具言语，是时间性的，立体的。绘画的工具形色，是空间性的，平面的。“作诗时用画的看法”，便是用时间性的工具来表现空间性的境地，用立体的工具来表现平面的境地，像王维的“山中一夜雨，树杪百重泉”，李白的“山从人面起，云傍马头生”等合远近法的诗句，便是其实例。 对于中国水墨的理解：孔子说“绘事后素”，乃言人必须先有美质，然后可加文饰，犹绘画之必须先有“素地”，然后可施“彩色”。我想：素地上若不施彩色而仅用黑色，照上面的道理说，应该更富“画意”，更富“艺术味”。所以在中国画中，“墨画”的地位很高。山水，梅，兰，竹，石——自来不乏墨画的名作。根本地想：绘画既不欲冒充实物，原不妨屏除彩色而用黑墨。照色彩法之理：墨是红黄蓝三原色等量混合而成，其中三原色俱足。拿俱足三原色的黑色来描在完全不吸收三原色的白色的素地上，色彩的配合非常饱和，色彩的对比非常强烈，本来可以不借别的彩色的帮助了。 讲了照相机发明后，写实的西洋画遇到了前所未有的发展瓶颈，从东洋画中获得灵感，发展出描绘自然，静物的绘画方式，尤其印象派的诞生西洋画开始注重写意，注重自我的表达。这时西方诞生了新的绘画的欣赏：形的美丑不是决定绘画美的价值的。图像的形美不美不成问题，只有“生动不生动”为决定绘画美的价值的唯一的标准。伊势专一郎谓在中国六朝的顾恺之的艺术中可以窥见一千五百年后的荷兰的梵高。梵高不描美的形，所描的都是丑的形，然而梵高艺术的真价不在形的美丑上。在什么地方呢？就在“生动”。 本书最精妙的一章是在本书的最后一章关于感情移入与气韵生动的描述。气韵是什么？气韵是指导创作活动的根本的精神，支配作家的心，入于笔墨中，而支配笔墨。气韵生动是艺术的活动的根元。倘不经验气韵生动，而茫然取笔，就是所谓囚于形似，拘于末节，到底不能作出真的艺术。气韵生动是依照内的必然的绝对的自存原理而动的，故可不烦形似，而支配形似。从气韵生动的观点看来，艺术的活动真是何等自由而融通无碍的事业！艺术的形式与内容的问题，也是极自然的。康定斯基是现代新兴艺术的“构图派”的倡导者。他在绘画中所企图的，是精神的极端的颤撼。要表现这精神的颤撼的时候，外面的形式与手段都是阻碍物，故非全然拒斥不可。他的思想，以为引导联想向物体或外界的对象的联络的道，非一切截断不可。他是照这思想而计划、实行，尝试绘画的革新。“艺术上的精神的方面”正是康定斯基的主眼。他以为这是形成作品的精髓的，这是创作活动的指导者。东西方绘画在交融后，其核心原理本质上走向了一致。 文末作者总结也是精辟至极，说：生活与艺术，融合方为自然。健全伟大的艺术，必是生活的反映。今为求清逸而描写现世所无的，与生活无关的古迹，无论其作品何等幽雅清逸，总像所谓“温室中的花”，美而无生气。我没有学过中国画，然读古人画论，深信中国画亦须从“写生”着手，不可一味临摹古人。不过这写生，不像是西洋画地坐在模特面前一笔一笔地描写的；乃是积观察思维的经验，蕴藏于胸中，一旦发而为画的。所以说画家要“读万卷书，行万里路”。

对绘画感兴趣友友可读！ 自认为这是很好一本书！ 非会员可读范围36/385 20260830🌷Sunday

作为绘画的入门，这本书实在低估了。现代的西方画的繁琐教学，在这说得很清楚。绘画认识与鉴赏部分，把绘画的底层说透了。不懂得从哪入手，不知道该学什么，中西方绘画区别，这些都可以从这本书获得启发。以前的书含金量真的高。

从丰子恺的《认识建筑》读到《认识绘画》，丰子恺不愧是画家，写得确实比《认识建筑》更细致，特别喜欢《中国画与西洋画》这一章节，对中国画和西洋画的区别分析得很透彻。可由于这本书是演讲稿和书稿的合集，部分内容难免有重复，显得有些章节片段很拖沓。

有深入浅得讲解了关于绘画这件事丰子恺先生的看法和思考，其中外国绘画史和中国绘画史之前，变化不同，走的路也是千差万别，但是最终绘画回到原点，表达心中所思所想，其他的一切都是历练，有真正想表达的时候可以通过绘画让来人感受，我想这就是意义所在吧！

在弥散着暖橘色灯光的新家里读完了。 前半部分讲了绘画的基础知识，包括分类，材料，中西方两大派的区别，学习绘画的基本方法和流程。 后半部分讲中西方绘画的发展过程，以及两者之间的对比与联系。 我最喜欢结尾的那篇。东西方最大的区别在于，西方写实而东方写意。绘画是心的艺术，是感受与气韵的输出，因此若是没有生气的写实便落了下乘。 最后落点还是在于感受和表达。充分的感受这世间万物的气韵，再将其宣泄于笔下。