中国艺术史：全新修订版

读完了《藏在故宫里的中国史》，想继续深入了解一下中国艺术，开始找来评分很高的《中国艺术的生命精神》，结果发现是挂羊头卖狗肉。然后找到了这本虽然评分不高的书，但非常符合我的期待和需要的好书。苏立文（Michael Sullivan，1916年10月29日—2013年9月28日）虽生于加拿大，但作为汉学家、艺术史家，他是最早向西方介绍中国现代美术的西方学者之一，是西方研究与批评中国现代美术史的权威。他在中国生活多年，对中华文化和艺术的理解非常深刻，又接受西方艺术史的训练并从事艺术史教育工作，厚积薄发，因缘际会，所以写出这本历经7版的力著。个人认为这本书是我学习中国艺术史的入门教材，希望以后能买一本实体书一直拜读。 读此书时，忽然想起“密涅瓦的猫头鹰黄昏时起飞”。宋徽宗是最有具有艺术品位和教养的皇帝，但因为对艺术的偏爱而亡了国。而慈禧因挪用海军公款而建了颐和园 （如果她真的建立了一支舰队，肯定会在甲午海战中被日本人悉数摧毁，而颐和园保存至今）。这一点提醒我对艺术的追求可能要有所节制，否则可能玩物丧志。 其他一些印象深刻的部分： 和谐感是中国思想的基础。人类不仅要顺应天意，也要调和与周围其他人的关系。按照逐步扩散的圆圈模式，这种和谐从亲友开始，向外推广。随着本书逐步展开中国艺术史，我们将发现，其特性和独具之美就在于和谐感的表达。 中国画论以山水画为最高，并主张不做自然皮相之模仿，而为诗人理想之实现。有的名画看上去似乎不成比例，却能创造意境，传达精神，给人许多画外的东西。 文人画 vs 待诏画： 对苏东坡和他的朋友来说，山水画家的理想并不是让观者产生亲临现场的感觉，而是向朋友们揭示艺术家自己的想法和心性。他们常常谈论“借形寄意”，即借助岩石、树木、竹子的形态而表达他们的想法和感受。在文人画中，范宽对山水的激情让位于一种更雅驯、更超然的态度，因为他们就是要避免过度卷入自然和物质世界之中。他们首先是士大夫、诗人和学者，其次才是画家。他们试图将自己和职业画家区分开来，常常宣称，他们不过是游戏笔墨，而笔墨中的粗糙和惊人之笔往往是未受外界干扰的真诚之心的表现。 东西方画法的不同理解：科学透视法指特定地点的视角和从这个固定的地点所能看到的景象。这种方法符合西方人的逻辑思维，但对中国画家却远远不够。后者会提出问题：为什么我们要如此限制自己呢？

对于一个老外，这是要对中国历史和中国文化达到一个怎样深度的热爱和了解，才能写出一部关于中国艺术的通史。因此，首先必须表达对本书作者的敬佩！🌹🌹 作为艺术小白，读本书确实能够对中国艺术发展史有一个大致的、系统的了解。作者以中国历史朝代（时间）为主轴，介绍了不同历史阶段的不同艺术形式以及它们的特点，涵盖了建筑、青铜、陶器、瓷器、玉器、漆器、书法、绘画（含壁画）、雕刻等各种形式。 作者结合政治、经济、宗教等背景，基本上把属于各个朝代的艺术特征都做了梳理。作者对艺术作品的选择有他自己的标准，仔仔细细地读完，是真的能够了解不少内容。从技法到材料到风格，这个老外懂得真多。秦汉隋唐两宋明清，老祖宗的好东西实在是多，作者一样喜欢我们的喜欢。他把自己的喜欢凝炼成了有条理的输出。 或许是因为通史，因此，作者无法着笔于细节，也无法罗列全部。比如本书就不曾提及王希孟的《千里江山图》。同时，以“时间”纵贯线，将同一艺术形式，如书法或绘画拆分到不同时期讲述，在阅读中不免断章。但不同的条线有不同的效果。各有所爱吧。 中国的艺术老外讲，西方的艺术中国人讲（如陈丹青《局部》）。艺术的语言是共通的。

读西方人写中国艺术，总觉得缺了点什么。他们可以把所有事实都搞对，把线条纹理、象征意义都分析得头头是道，但就是写不出那个味儿。这可能是因为我们的艺术并不是一种纯粹的审美，它总是和伦理、道德、人格修养紧密联系在一起的。风格、流派、技巧这些概念，对我们来说没有那么重要，我们更看重的或许是画家背后的故事，缺了这个故事，作品只是一种浮饰，再多的梳理和分析都只会让人读起来味同嚼蜡。还有一点是，西方人理解的艺术史是线性的、进步的，我们理解的艺术史是循环的、对话的。中国艺术家很少想着去“推翻”古人，他们只会想着去理解古人、对话古人，有无数人学习王羲之，但没有一个人想过要“取代”王羲之。复古在我们的艺术里就是创新的意思。

由英国艺术史家、汉学家所著的中国艺术史，内容涉及石器时代至现代艺术，书法，绘画，雕塑，建筑，工艺美术都有。 从专业角度说，内容不深，但鉴于作者是外国学者，未免又让读者惊叹作者研究的挺深入，很多内容因作者所处时代及东西方文化的差异，难免有它的局限性，读起来会有点不同看法，个人觉得很正常，做学问也不是一家之言的事，更何况是艺术，如果艺术有具象的标准化模板，那只能说是匠人。看这本书对于艺术史的理解还是有点帮助的，系统学习艺术史的话，内容还是不太够，作为教材对于外国学生来说绰绰有余了，中国人看的话，可能对我们理解外国人眼中的中国有帮助（好像套娃的一句话）。 发表于1961年的《中国艺术史》展现了苏立文在中国文明的历史概览上鞭辟入里的理解。是贯穿作者在新加坡、伦敦和斯坦福大学的执教生涯里的主要内容。《中国艺术史》一直是国外大学课程教材，对感兴趣的普通读者而言，也是值得信赖的中国艺术和文明入门之书。 本书进一步强调了书法的地位，也增加了女性艺术家和女性知识分子在近代早期的贡献。 迈克尔·苏立文（Michael Sullivan，1916～2013.09.28），字迈珂，1916年出生于加拿大蒙特利尔，幼年随父母移居英国。英国艺术史家，汉学家，牛津大学荣休院士。苏立文是20世纪第一个系统地向西方世界介绍中国现代美术的西方人，是当代西方中国现代美术史研究的学术泰斗，被称为“20世纪美术领域的马可·波罗”。英国当地时间2013年9月28日，迈克尔·苏立文先生去世，享年97岁。 作者这句话个人最喜欢:艺术作品的质量远比围绕它的外在因素更为重要。

苏利文的撰写风格带有强烈政治预设和贬低偏见，显然缺乏现代艺术史学的客观与中立。他非常喜欢在书中大量使用主观定性词汇（如“僵化”、“缺乏生气”、“庸俗”、“完美的退化”等。 他将敦煌文物大量流失大英博物馆、吉美博物馆的过程，淡化为学术考古或历史际遇，却完全忽略了这种掠夺对中国本土文化遗产造成的毁灭性破坏，也绝口不提西方博物馆在其中扮演的殖民掠夺角色。这种“避而不谈”，本质上就是西方中心主义在替历史上的文化掠夺做隐性辩护。 与对殖民掠夺的冷处理形成鲜明对比的是，苏利文在讨论宋代宫廷绘画时，对宋徽宗（赵佶）作品的真伪展现出了异乎寻常的辩析热情：他在书中大谈特谈宋徽宗的《瑞鹤图》、《芙蓉锦鸡图》等究竟是徽宗“亲笔”还是“御题画院代笔”，并以此来推演宋徽宗个人的性格缺陷或画院体制的僵化。  许多当代艺术史家（如高居翰、巫鸿等）后来指出，过分纠结于宋徽宗“是不是亲自动笔画了每一笔”，实际上用西方的作者观误读了中国古代皇家画院的创作机制（皇家符号与集体创作）。苏利文抓住这一点大做文章，却忽视了宋代画院所建立的完整视觉审美体系。 这本书充其量只能作为了解“西方人过去如何看待中国艺术”的史料，但绝不能将其中的主观评价和历史叙事视作客观事实。

一个本该成为同行的剑桥大学建筑学毕业生，一腔热血不远万里跑来中国参加国际红十字会反法西斯的救援工作，却阴差阳错进入中国艺术圈，成为让中国艺术成为国际显学的第一人，苏立文此生和东方结缘，一部沉甸甸的《中国艺术史》，多少散落世界各地的国家宝藏，多少颠沛流离的华夏文脉，在延绵不绝的传承中流传有序，这是文明的光辉。 可以看出，苏对中国艺术的关注侧重不同，对山水国画以及瓷器的研究是他的强项，而至于建筑雕塑等其他门类就是泛泛而谈，至于“诗书琴画”里的前三项基本避而不谈，因此这本《中国艺术史》内容大而不全。但就山水国画史方面内容又非常扎实精准，评价未跟随主流定论而有自己独到见解。若单独遍一个《中国美术史》，肯定精彩绝伦。盖因他的朋友圈都是张大千黄虹宾等国画大师。 特别是对比山水画里中国的散点透视与西方的焦点透视不同的分析，这一段是我见过最精彩的解读，可见他是真的get到了精髓。而至今都有很多殖人拿着十七八世纪的西方油画来对比传统山水画来批评中国人不会画透视图，贻笑大方。

★ 牛津大学荣休院士、中国艺术史权威、“艺术界的马可·波罗”迈克尔·苏立文 毕生心血之作 ★ 中国艺术史入门必备，牛津、耶鲁、普林斯顿沿用四十余年 ★ 作者生前最终修订版，增补书法篆刻、女性艺术家等维度，译文、插图全新升级 ★ 班宗华、谢柏轲、巫鸿 诚挚推荐 从远古到21世纪，《中国艺术史（全新修订版）》以时间为线索，厘清中国艺术发展脉络，以通晓流畅的语言剖析器物、绘画、书法、建筑等门类在各个时期的表现形式、特点以及与其他文明的互动。与此同时，苏立文不仅将艺术作品放置于广阔的历史与社会背景中讨论，而且强调艺术自主性，倡导回归艺术自身来理解艺术史的演变。

看过后的几点感想： 1.最珍贵的艺术品大多外流，而最精美的古建被自行损毁，在对创作的管控下，普罗大众与精英阶层的艺术通识教育存在巨大鸿沟。 2.文明自古至今都处于相互影响与融合的过程中，如果只了解、只认同一种文明，对文明就一无所知。 3.西方美术史一般以18世纪开始下半册内容，而我们的艺术史在18世纪已经到了倒数几个章节...

读到这本书的时间非常巧妙。结合逛美术馆、艺术馆的爱好习惯，读书的过程中穿插深圳国际美术馆一行，让我恰好感受到了纸面与感官一层一层叠加的艺术魅力与冲击。深圳国际美术馆“缣素绵延”展出了现代名家精粹，任伯年、齐白石、张大千、吴昌硕、徐悲鸿的名作真品，近距离看笔触，远观体会神韵。想到苏立文打破断层论，驳斥西方“中国艺术在清朝之后就衰落了”的偏见，结合眼前林风眠、傅抱石、钱松喦画作，也试用巨人的眼睛来解读。“国宝归来”展没赶上一览圆明园兽首真迹，复刻品也已激起民族感情，其中青铜器与南北朝镀金佛像真品的光彩则从器物中心放射，携带着时间的能量。有趣的是遇到了徐冰的“天书”展，直面文字的意义。逛展一行与书中的时间线不谋而合，目睹了商周、南北朝、明清、近现代直至20世纪艺术的演变。艺术果然是一种语言，传递意义的同时赋予一个自由的空间，在这个空间里每个人种自己的花。

【📚 2026阅读计划8/52本】 一开始我以为这会是一本枯燥的教科书，没想到苏立文这位牛津老爷子写得像在跟你聊天似的。 他开篇就说，自己当初是来中国做战地救援的，结果被敦煌壁画勾了魂，一头扎进中国艺术里就是一辈子。 聊到王维的画，他不说技法，只说“看他的山水，就像在听一首安静的诗”； 说到苏轼的书法，他会调侃“他的字歪歪扭扭，却比工整的楷书更有生命力”。 … 苏立文说“中国艺术不是画看到的，而是画感受到的。我觉得是。 因为我是一名茶器物文化博主。 深有感触。