画家之眼：审美的十二要素（果麦经典）

这本书是闺女读高中学插画时，专业老师推荐的几本书之一。我上深圳图书馆网站查到都有，就通过网络借给女儿看，自己当时只粗略地翻阅没细读。 闺女选择走专业路线后，我也受了不少熏陶，重新激发了我儿时对绘画的兴趣。也跟着去画室，学水彩、学油画。但始终有一个疑问在我心中挥之不去，手机相机普及的今天绘画的意义何在？在这本书里，我找到了答案。 一、画家的眼&手 1、创造力 对于画家来说，想在忠实还原细节方面与相机一争高下，是非常愚蠢的想法。画家更应该充分发挥他的创造力和想象力，努力设计画面。即使作画时参考照片，画家还是要把注意力集中到那些相机无法做到的事情上面：他可以弱化或者删掉一些不重要的元素，重新安排或者设计画面，利用各种方法，让画面更有力地表达他的想法。 2、学会观察 画家想要最终创造出统一有序的优美画作，首先就要学会从绘画的角度出发观察一切，这样才能在眼、手以及我们所选择的绘画媒介之间取得最大的平衡与统一。随着时间的推移，画家慢慢就会发现，自己的手自然而然就能与眼睛配合，能很好地协调与使用媒介；画家会惊喜地发现，他们已经能够不假思索地使用某种技法，准确地表达出他们想要传达的印象。他们不用刻意思考技法问题，就能直接把看到的事物暗示出来，或者如实记录下来。所以，技法并不是一种刻意使用笔触的方式，而是每个画家自然而然发展出来的一套风格，只要他对自己的视觉以及自己的情感反应有信心，并且有耐心，就一定能慢慢培养出自己的一套方法。 3、素描&绘画 素描更多考虑轮廓，绘画更多考虑调子、色彩。 我们不想把一张色彩画变成素描，也不想把一张素描作品画成简略版的色彩画。许多差劲的作品既不是素描，也不是绘画，而是二者尴尬的混合。一张好的素描作品应该把结构和轮廓线交代清楚，做到这一点就很好了。而一张好的绘画应该利用好形体与边缘的关系，有的边缘处理得清晰点，有的边缘画得模糊点，以此强调画面的色调与图案设计。事实上，绘画中不应该出现突兀孤立的线条，因为大自然中并没有所谓的轮廓线，而绘画，尤其是传统绘画，就是要尽可能忠实地再现大自然。在大自然中，形体的轮廓和边缘是靠相邻区域不同的明度对比显示出来的，不需要刻意用其他方式（比如线条）去突显边缘。但是在素描里，我们别无他法，只能靠线条来描绘形体的边缘或界线。 我们应该充分认识到素描与绘画之间的区别。好的素描是优秀绘画作品的基础，但是好的绘画绝不局限于素描中的边缘与轮廓，而且要画出特定光线条件下物体的色彩和质感，画出周围的空间与氛围。如果像画素描那样把每个部分都勾勒出坚硬清晰的边缘线，把所有物体都明确区分开，就画不出这些效果。 4、透视关系 任何物体，我们都能把它装在一个方形盒子里。观察物体的造型，我们可以想象有一个正好包裹住它的方形盒子。作画时，首先把方形盒子画出来，保证透视关系准确，然后再在方形盒子里面把物体的形找出来。你要训练自己的眼睛能够看出物体周围的方形盒子，而不是只看物体的边缘轮廓线，这样画出来的东西才会有三维立体感。孩子画画的时候就常常只会画轮廓，而忽视物体的透视关系。 5、搜集素材 寻找和准备绘画参考资料的方法有很多，这里我简单说几种。最好的一种方法是围绕你感兴趣的主题，建立相应的素材库。和在商业绘画中一样，参考这些素材的时候，你不需要百分百地照抄，从里面吸取有用的信息就可以了。素材库里可以包括景点的剪报或明信片、自己拍的照片、艺术作品的复制品、闲暇时光画的草图，以及各种铅笔速写和备忘，等等。当你乘车外出或者度假时，也可以一直带着相机以及速写本。 6、学抽象画 据我所知，目前并无专门的美术基础训练致力于把学生培养成抽象派画家，抽象派画家不像写实画家可以专门练习线条、明度、色彩、形体刻画等基本功。我建议那些立志成为一名抽象派画家的年轻艺术家，应先练好写实绘画的功底，就像毕加索和其他一些现代艺术家一样。之后如果你选择走抽象绘画的道路，就再转去画抽象画，关注画面的统一感和秩序感，最终在抽象画中表现出所有真正艺术创作都应具备的美。 7、适可而止 刻画的过程是永无止境的，你总是可以在自然中看到更多的细节，如果你也不停地给你的画面增加细节，那么你就很可能会让原本的杰作变得平庸！我们画家经常会干这样过犹不及的事情。我们要牢记，自然仅仅是我们绘画的素材来源，不用全部照画，只要把必要的细节画出来就足够了。 8、形成风格 对一个艺术家来说，在其职业生涯的一开始就决定他未来要画哪种类型的画是不可能的，也是不明智的。画家应该首先掌握足够多的知识，接受足够多的训练，有足够的积累能支撑自己把所选择的路走下去时，再做决定。而且有人说，当画家经验丰富、技法纯熟之后，不同风格之间也不是完全对立的，有的时候，一种风格不过是另一种风格的衍生物，又或是对另一种风格的改良。因此，画家不应该过分急躁，应该让他的作品根据他的能力和品位自然发展。 9、新人建议 对于所有年轻的画家，我有一条最真挚的建议，那就是先把绘画技术练好，不断寻找美以及表达美的新方法，带着坚定的信念不断努力，不要被任何关于画家应该怎么画的先入之见局限，也不要被任何批评家可能的评价影响，而应该自由地发展个人的绘画风格。 二、绘画的12要素 1、画面的统一性 画面的所有部分构成了一个完整、统一的整体，构图、色彩、线条、明度、肌理等方面紧密结合在一起，共同服务于画面的整体表达。 2、简洁性或清晰性 弱化所有和画面主要构思无关的内容与细节，把画面主题简化成基本的构图、形状和图案。 3、画面设计 注意画面各区域、形体、颜色之间的总体关系。画面设计决定了作品成败。 4、比例 注意画面各个主体、各个部分之间的和谐关系。和谐的反面就是比例失真。但有的时候，为了强调某些想法或者某些情感，也可以故意让比例失真。 5、色彩 这是美的众多要素中最重要的一项。使用色彩的时候，画家不能仅以个人趣味或好恶为准，他必须理解色彩与明度的关系，以及调色和配色的基本准则，以便创造出真实和谐的色彩效果。 6、韵律 尽管这一点常常被人们低估或者误解，但韵律对于画面的美感至关重要。一切有生命的或者无生命的物体，从最小的形体到整个宇宙星系，都有韵律。没有韵律，所有的形体就会死气沉沉。在画面中，我们能看到相同颜色与线条的重复，能看到逐渐增大或者逐渐减小的形状，这都构成了韵律。就像在自然中，我们能看到树枝与树叶的重复线条，看到斑马背上的花纹，看到花瓣和花色纹理中的节奏，韵律无处不在。 7、形体 形体结构与空间整体间的关系是一项基本艺术原则。每个事物要么属于形体，要么属于空间，而且二者互相依存。当画家准确地勾勒出画面中物体的轮廓，让它与空间之间比例合宜、对比关系恰当（比如树木与天空之间的对比）时，我们就说画面有形体感。 8、质感 质感就是表面肌理。所有形体都有表面肌理，表面肌理和形体结构同样重要。如果我们把所有形体的表面画成一样的，就很难塑造出真正的美，这是许多总体效果还不错的画作也会犯的错误。 9、明暗 明暗和色彩二者密不可分，要创造出美，二者缺一不可。恰当的明暗关系能塑造出光感，让画面更加统一，而不正确的明暗关系则会严重损坏画面美感。 10、光感 光感极为重要。画面中的光感与画作实际受到的光照融为一体，成为画作的一部分。有许多不同的光照形式：室内光、室外阳光、漫射光、反射光等。光源的特点会影响形体体积感的塑造、色彩的种类与鲜艳程度，以及质感等。如果不能真正理解光的性质，画面就会分崩离析为破碎的平面色块与孤立的画布。 11、主题的选择 选择绘画主题为艺术家提供了锻炼个人品位的最好机会。他可以从生活和自然界的无限资源中挖掘素材，并从中选择、设计和创造出他自己的绘画主题，展现他自己对于美的独特理解。 12、技法 技法就是绘画表达的具体手段，而不是表达内容本身。绘画技法涉及对表面与质感的理解，对于媒介及其使用方法的认识等。画家在使用各种绘画技法作画的过程中，会将所有其他要素结合到一起。

简洁深刻而动人的、关于绘画的底层常识的小书。路米斯的人体系列也非常之经典。书里萨金特的每张画都如此地令人愉悦，对于“光辉”的观察和摹画，让材质像是在闪闪发光。希望有生之年能亲自看一看萨金特的真品，近距离体会一下大师对色彩的感受，笔触肌理…… 更加理解了点线面一体的理念，点是短的线、线是转折的面，因此轮廓线最终要为画面服务，虚的地方要虚，和面块融为一体，而不要画得像简单的填色游戏一样那么僵硬。色块起型是很好的练习方法。 面块相融的核心要点是明度关系保持一致，由此可知光影推理是区分块面很重要的一环。get到一个有趣的点是，漫反射/大光源产生更虚的过渡，倾向于让面变得平整，这也是打光的原理，而点光源更能凸显面的质感和凹凸不平，由此前者可以用于打光面部，后者可以用于打光腹肌（大雾）。 小草稿也很重要，先把握画面的整体关系、整体的元素、色彩、光影的构成，再进行刻画，同时避免过于抠细节而失去整体观感。 —————— 《画家之眼：审美的十二要素》核心内容梳理 一、十二大核心审美要素与核心准则 1. 画面统一性：画面的核心根基 核心是从构图设计入手，实现全画面的平衡与和谐。先把三维体块转化为平面图形，敲定平面构成关系，再处理明暗与体积（先构成，再刻画）；通过统一光源、统一主色调（所有颜色加一点主色实现和谐）、线条韵律、色块归纳、空间虚实（前景实、远景虚）实现统一；明度对比越强，构图越要简洁；画面可保留松动的“未完成感”，在明度、色彩关系正确时适时停笔，避免过度刻画。 2. 简洁性：画面力量感的来源 核心是「抓重点、做取舍」，守住最初打动自己的整体氛围，不被细碎细节带偏。着重强调画面核心元素，弱化、简化甚至删除非必要元素；把琐碎的分面、褶皱、细节归纳为更大、更完整的块面；暗部比亮部更简化，细节与质感集中在亮部；避免画面所有区域平均用力、平均刻画。 3. 画面设计：画面的视觉引导与叙事逻辑 核心是主动规划观众的视线，让设计服务于主题表达。给画面设置唯一的视觉焦点，规划好视线的入口（通常在画面底部）、浏览路径与出口；利用线条的情绪属性（水平=宁静、垂直=生长、对角线=戏剧、S曲线=优雅韵律）引导视线；通过「精细-松弛、大胆-细腻、鲜艳-安静、复杂-简洁」的对比关系实现画面平衡；设计要贴合对象的功能与本质，形态服务于功能。 4. 比例：画面真实感与表现力的基础 拒绝机械复刻真实比例，先还原真实，再基于创作需求主动调整。可用「方盒包裹法」把控物体的基础比例；推荐「两遍画法」优化画面——第一遍严格复刻真实比例，第二遍基于第一遍优化，强化亮点、简化细节、调整比例、增强设计感；创作前通过系列自问，明确比例调整的方向与目的。 5. 色彩：画面情绪与氛围的核心 明度先于色彩，只有明度位置准确，色彩才能准确好看。调色盘需配齐冷暖两个倾向的三原色；通过「灰纯对比」凸显色彩的鲜亮，而非堆砌纯色；用复色技法丰富色彩层次，保证复色明度统一，避免画面斑驳；先同步建立所有色块的对比关系，而非逐个填色；把鲜艳色彩集中在视觉焦点处，避免画面到处都是高饱和色；通过光源色与环境色的融合，统一画面色调，强化光影的真实感。 6. 韵律：画面的节奏感与生命力 核心是「重复与呼应」，让画面所有元素形成有秩序的关联。让线条、衣纹贴合物体的结构与重力规律，形成自然的韵律；通过明度、色彩的重复使用（同一色彩在画面不同位置呼应），实现画面的节奏感与统一感。 7. 形体：画面体积感的核心 拒绝只盯轮廓与细节，用块面思维理解形体。把复杂物体拆解为简单的块面，通过块面的明度变化塑造体积（与光线垂直的面最亮，偏离光线的面逐步变暗）；避免亮部与暗部均分画面，让其中一方占主导；用暗示的方式表达形体，比事无巨细的刻画更生动；通过投影把物体与环境关联起来，强化空间感。 8. 光的明暗：画面的骨架 绘画的本质是描绘光线，而非物体本身；颜料无法复刻自然光的亮度，需保证画面内的明暗次序与对比关系真实，而非绝对明度和现实一致。明确自然环境的明度规律（天空最亮，其次是地面、向上的坡面，最暗的是竖直面）；亮部与暗部的亮度强关联，最亮的亮部旁对应最亮的阴影，以此类推；利用反光丰富暗部层次，凸显暗部形体；区分直射光与漫射光的不同效果，漫射光下形体更接近简洁色块，纹理与体积感弱化。 9. 质感：画面的细节表现力 质感是个人审美与技法的体现，没有唯一标准，需服务于整体与主题。质感刻画要贴合对象的本质特征，而非为了质感而质感；形成个人技法习惯的同时，要持续尝试新手法、新环境，避免作品陷入单调与固化。 10. 素材积累与主题：创作的起点 美无处不在，核心是挖掘与积累。围绕感兴趣的主题建立素材库（照片、速写、剪报等），仅提取有用信息，而非照抄；用自制取景框（黑卡纸开孔）从日常场景、照片局部中挖掘构图与灵感；优先选择能与自己的情感、记忆、经验产生共鸣的主题，更能打动观众。 11. 主题之美：画面的最终灵魂 画面的美，最终来自主题本身的感染力，与技法的精准表达。抓住主题中最能打动自己的核心特质，用绘画技法放大这份美感，让主题的情感内核与画面的视觉表达高度统一。 12. 技法：创作的落地工具 技法服务于表达，而非本末倒置，没有高低之分。持续尝试新技法能让作品保持生命力；在扎实的基本功之上，持续做技法实验，主动接触新环境、新作品、新视角，拓展创作边界。   二、可落地的实操训练方法 1. 整体观察训练：不画线稿，直接用色块起形塑造形体，通过色彩明度对比表现轮廓，对比强的地方强化边缘，对比弱的地方柔化虚掉，训练整体把控能力。 2. 构图设计训练：用自制取景框从日常场景、照片中截取构图；用4种明度做3×4英寸的小幅色块构图练习，先画大块简单色块，再补充复杂色块，避免相同大小形状的色块；无参考素材直接做黑白/彩色构图练习，培养设计感。 3. 明度把控训练：先把画面归纳为大的明暗关系，用中间色调概括区域，再逐步细化高光与阴影；眯眼观察画面，辨别微妙的明度差异，训练对明度层级的敏感度。 4. 简化概括训练：户外写生时，用大号笔刷画小幅色彩草稿，只抓大的色调关系与图案设计，不抠细节；对着复杂场景，练习删除非必要元素，归纳整体形状，强化核心主体。 5. 比例优化训练：用「两遍画法」练习，第一遍严格复刻真实比例，第二遍基于第一遍进行优化调整，平衡真实与创作表达。 6. 色彩搭配训练：用从印刷品中提取的几种颜色做平面构图练习，训练色彩搭配与主色调把控；练习复色技法与二次上色，训练色彩层次的把控能力。   三、新手避坑核心提醒 1. 不要机械照抄自然、描摹照片，忽略对自然规律的理解与主动的艺术化表达； 2. 不要一开始就沉迷局部细节，忽略画面整体的构图、明度、色彩关系，导致画面细碎、失衡； 3. 不要孤立地看单个元素、单个色块、单个维度，所有绘画要素都是相互关联、相互影响的； 4. 不要堆砌高饱和纯色，画面的鲜亮感来自灰纯对比，而非饱和色的多少； 5. 不要用投机取巧的技法套路掩盖基本功的缺陷，扎实的知识与底层逻辑才是创作的核心； 6. 不要过度刻画画面的每一处细节，学会适时停笔，适当的“未完成感”反而能提升画面的美感与张力； 7. 不要被“必须复刻真实”束缚，画家有权基于创作需求，对真实景象进行简化、美化、重构与戏剧化处理。

一本非常专业的书，从艺术家的层面来写的一本书。以往我们学艺术，都是学术这个层面的知识，那这本书告诉你如何先把道学好，道才是一个艺术家要解决的基础问题。 就好像建一座房子一样，先要打地基，如果地基没有打好，那他的作品画出来肯定是冲击不了心灵，也打动不了别人的灵魂。这本书中分享了很多伟大艺术家的作品，从这些作品当中能够看到艺术家的配色，色彩搭配、一幅作品的构图，光影和光线的处理。这些都是需要艺术家非常的细腻，对于生活要有热爱，观赏生活中一些美好的事物。 那我从这本书当中，非常直观的了解，就是作者对于色彩的分析，然后是构图，光影点线面这些。画家分抽象和实用艺术，不管走什么风格，要从自己最擅长的深处着手。如果比较倾向于走抽象派，那就画抽象的作品。如果适合画实风格，那就走画实风格。

虽然本书更像是审美方面的书，但是对于学画画的人来说，也会有很多知识上的启发。作者的叙述，非常有耐心，能够把很多知识点拆解的很细致，图解和小字的备注也恰到好处。 对我而言，这本书他给我提供了练习的新思路，我可能一直太注重结构而忽视了更多的问题。它也让我的很多知识串联着，一边阅读这本书，我会一边做一些针对的训练，值得二刷。

绘画最为重要的还是对于事物产生的感觉，如何能够形成完全的认识，或是发展新的方式表达总是非常不容易的。国外的绘画与国内总是存在着差异，而且似乎国外的油画就是代表了，我们大部分都是国画，两者之间可能最初都是以绘画的工具为基础来发展特征的，因为绘画的工具，笔颜色和基体都是差别很大，在这个基础上决定了绘画的内容以及形式特征，其实我们在固定工具的条件下发生技法的变化还是非常困难，即使简单增加了一些元素，比如颜色，但是形成的特征也不会产生改变，我们绘画似乎在宋朝达到了高峰，似乎各种技法都被尝试了，随后似乎探索精神就变得薄弱了，而且能够进行绘制的对象也发生来变化，因为技法很难提高所以出现了非常擅长画某些的物品作家，简单在观察的基础上，完成了熟能生巧的过程，唯一与西方文艺复兴时代的集体完成状态，我们绘画似乎是一个很私密的事情，也很少在公众场合进行绘画，当然可能绘画本身也是与国家发展的状态息息相关的。很多时间都是看的多了，形成了一种习惯的认识。其实表达形式总是会影响我们能够看到的状态，其中也是存在不同的视角来进行认识，当然在西方存在的传统之物与当下还是存在着非常巨大的差异，其实表达要素是不一样，但是核心都是对于形成形式的认识，其中绘画非常类似我们社会文化，本身不是给创作者来看的，因为一旦完成了，似乎就会变成了公众来进行欣赏的内容，可以被更多的认识，在这个过程之中，很多共同的东西，也被挖掘了出来。

本想以此提高审美，提高摄影技能，读了一半实在读不下去了，烂尾。 从小几乎没有上过美术课，绘画技能等于零。算是对美术做个了解吧，虽然下次路过美术馆也只会看个热闹。

🔵安德鲁·路米斯的《画家之眼：审美的十二要素》 用他自己的方式，将“美”从12个核心审美维度逐一进行分析。 🔹十二要素！ 包括画面的统一性，简洁性或清晰性，画面设计，比例，色彩，韵律，形体，质感，明暗，光感， 主题的选择，技法等，作者提到“画色彩时，最大的错误就是在调色盘上放太多颜色，这样画出来的画常常不统一，不和谐。” 🟣色彩是画面的灵魂，就像梵高的《向日葵》，鲜艳的黄色，仿佛能燃烧起来，给人带来无尽的热情和活力。 ⚪️构图也很关键，好的构图能让画面更有层次感。 就像达芬奇的《最后的晚餐》，人物的排列和空间的分配，都恰到好处，让人一眼就被吸引。 ⚪️光影的运用更是点睛之笔，伦勃朗的作品中，光影的对比让画面充满了戏剧性和立体感。 ⚪️质感的表现，画家们通过细腻的笔触，让画面中的物体仿佛触手可及。Velvet的质感、石头的粗糙，都能在画布上完美呈现。 ⚪️除此之外，还有线条、形状、空间、节奏、平衡、对比、和谐、焦点等要素。 🟪绘画大师乔治·伯里曼曾经说到，“如果你不知道如何画手，你自己就是你自己最好的老师，看看你自己的手啊！” 实际上，我们解决任何问题所需要的事实就摆在我们面前，而且一直在那儿，只是我们忘记了去主动了解、思考和熟悉他们。要学会去观察，去寻找答案。我们自己的眼睛和大脑能够教导我们所有事情。 ⚪️再去美术馆或者看画展的时候，不妨用画家的视角去欣赏，你会发现更多的美和细节。

零碎时间里草草看完的。虽然面向的是新手画家，不过一般的欣赏者其实也可以看看，多少能学到一点鉴赏和分析的关窍。只是本书的安排疏密不齐，有时只有大段空泛的话，有时又要点频出，读起来其实很疲惫。前面出现过的东西后面也会再三重复。 我疑心作者使用的概念体系其实并不科学，因为许多概念的含义不是模糊就是相互叠合，这也解释了为什么会有前后重复。作者似乎很看重装饰性和美感，非常贴合一个商业画画家的身份，好像缺乏米开朗基罗式的艺术自觉、使命感或者沉重的意识，这难免让我觉得，他的有些见解可能立足于狭隘的美学观念上，不值得当真。 总体来说，读这本书像是沙里淘金，十分辛苦。

男朋友推荐的书。 对美术创作的不太懂，感觉自己离他的世界又近一点了。 读完之后的感想是：写作也好画画也罢，重要的就是坚持去创作，尽情去描绘表达自己眼中的美好。 天赋是起点热爱是燃料，保持热爱比天赋更重要。

画画的人看了会很受启发。十二堂审美课，审美要素包括统一性、简洁性、画面设计、比例、色彩、韵律、形体、质感、明暗、主题、技法等。 通过对莫奈、凡·高、伦勃朗、马蒂斯等大师作品的解读，读者能够不断提升自己的审美能力和绘画技巧。 很认同作者说的：所有的艺术，如果要有价值，就首先是个人化的。应该自由地发展个人的绘画风格。