一看就懂的中国艺术史 书画卷六 宋朝：雅致天成

没想到，米芾这么大的书法家，入门习字选的法贴竟然和今人是一样一样的：先写颜真卿的楷书大字，再转学柳公权，欧阳询，又学褚遂良。 没想到，艺术家还分两种。一种是内敛型的，关起门来用自己的笔墨书写时状态最好。比如王维，倪瓒，文徵明。另一种则是表演型的，越是纸精墨妙，越是有人围观，状态就越好，比如吴道子，怀素，张旭，米芾等。 没想到，米芾47岁后。有了一项新的乐趣，赏完石头，并沉迷于此不能自拔。秀瘦雅透是米芾最早提出的赏玩石头的标准。到了清朝，郑板桥又阴差阳错地将这项标准整理为瘦皱漏透，直到今天，我们还是依照这样的标准来判断石头的好坏。 没想到，历代都有画家热衷于临摹清明上河图。据不完全统计，目前全世界范围内仅优秀的历代临摹本就有30件左右。比如明四家之一的仇英就临摹过三个版本。然而1950年发现清明上河图的现代鉴定大家杨仁凯先生认为，绝大多数临摹者都没有见过清明上河图的真迹，他们基本都是临摹早期摹本，是典型的照猫画虎。 没想到，中国艺术强调的写实不是对真实山水的直接记录，而是在自然的基础上融入个人情感和审美品味的再创造，这就是中国艺术跟西方艺术本质的不同。 没想到，宋徽宗赵佶的瘦金体其实应叫瘦筋体。卫夫人笔阵图中曾经说，善笔力者多骨，不善笔力者多肉。而赵佶的笔画比骨还要细，就像筋一样，于是人们开始叫这种书法瘦筋书，被称为瘦金书。

这本书反复看了两遍，第一次在电车上断断续续地读完，书中图片清晰度不够，读下来很多遗憾。所以第二次对着电脑上能找到的高清图，一边看文字一边看图，这一次总算是过了瘾了。这套系列真的是不错，不限于那些超级有名的作品，基本上是按照时代脉络，把画家们的性格特点，画风特色，代表作和时代背景介绍得比较详细，把每幅作品的尺寸和收藏馆标注得很清楚这一点加个赞。当然章节之间也是有浓淡之分的，比如米芾，清明上河图，赵佶这三个主题就各占了3-4章，其他人大概是一人一章的节奏，对于我这个中国画基础知识比较薄弱的人来说，受益匪浅。清明上河图建议去故宫名画记这个网站上仔细地对着大图看，实在是非常地有意思，感觉我终于把每个角落都看仔细了。千里江山图也是看了大图后非常震惊，原来在我的认识中，那就是一幅山水画，没想到画面中有那么多的建筑，人物，船只的描写，如果王希孟真有其人，半年完成这个工作量，我相信他真是累死的。。

翻开《一看就懂的中国艺术史·书画卷六》，宋朝书画的清雅气韵扑面而来。这本书以通俗笔触勾勒出宋代书画的繁盛图景，让我对宋代艺术的特色与流派有了清晰认知，深感宋代艺术是中国文化史上的璀璨明珠。 宋代书画最鲜明的艺术特色是“雅致天成”。绘画上，文人画兴起，追求“神似”而非“形似”，构图简洁空灵，多用留白传递意境，色彩淡雅克制，善用水墨表现物象神韵，如郭熙的山水注重“三远法”，尽显自然清幽；书法则追求“尚意”之风，打破唐代森严法度，强调个人情感抒发，笔法灵动洒脱，苏轼的《寒食帖》便以率性笔墨流露心境，兼具美感与真情。这种雅致并非刻意雕琢，而是源于对生活与自然的深刻体悟。 宋代书画流派众多，各有千秋。绘画领域，山水画分为北派和南派：北派以李成、范宽为代表，画风雄健壮阔，多绘北方崇山峻岭；南派则以董源、巨然为首，笔墨温润，侧重表现江南烟雨朦胧之景。人物画与花鸟画也各具流派，崔白的花鸟打破院体画的程式化，充满自然生机。书法领域，“宋四家”苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄各成一派，苏轼的丰腴、黄庭坚的瘦劲、米芾的豪放，共同铸就了宋代书法的辉煌。 这本书让我明白，宋代书画的雅致与流派纷呈，离不开当时崇文抑武的社会环境与文人阶层的精神追求。宋代艺术以其独特的魅力，为中国艺术史写下了浓墨重彩的一笔，其追求意境、注重性情的艺术理念，至今仍值得我们细细品味。

读的很过瘾，24年去上博看书画展，看的云里雾里，回来不时看点，历史到了两宋，自成艺术，古典艺术登峰造极的时候，自然抽象，自然向虚，自然出现三远构图

书中的文字本身就是艺术，或者说咱老祖宗的文字本身就是艺术！跟随书中字里行间地穿行，身体中炎黄子孙的血液也在被唤醒、流淌。不光是欣赏国画，读着这本书本身就是一种享受。 我原本对国画了解得不多，对西方的美术史了解更多一些，这本书也算是国画知识的一个启蒙了。 踏上这个阶梯后，接下来更想了解一下国画与日本画的传承关系，还有对近代国画的讲解。

4.5星推荐。作者将历史背景、画作解析、个人评论熔铸一体。我尤爱读画家们的经历——似一面棱镜，折射出社会与个体、艺术与人性的斑斓光谱，让人感慨良多。比如李唐，他的人生阐明至少两个道理： 1.懂得顺势而为，适当改变理念会有意想不到的收获。 李唐有一幅《灸艾图》，是风俗画，和他以浑厚苍劲闻名的画风很不同。靖康之难后文人南迁，在汴梁是北宋画院画师的李唐在临安无人知晓，迫于生计只好作些符合当地审美的画。《灸艾图》就是在这个背景在创作出来的，同期他还开始画牛，后来成为写实精品。 2.无论世间洪流如何拐道，命运如何突变，都不要放弃自己最擅长的本事。 虽然李唐苟且偷生地画着风俗画，但他始终没忘掉内心的山水。还好他没放弃。谁能想到他耄耋之年，赵构当上南宋高宗，对李唐的青绿山水画念念不忘呢？李唐后来能被赵构聘请组建南宋画院，建立标准、筛选人才，就是因为他作的《长夏江寺图》让皇帝一眼惊艳。

看完了这本书，有几点想说，其一，作为艺术的门外汉的我来说还要二刷三刷，可以了解很多画家、画风等；其二，很多对画的欣赏评判标准等，很有借鉴意义，包括对欣赏现代画家的一些画；其三，历史洪流中，纵然贵为君王，画如珍宝，也会被践踏毁灭，心疼很多画作都流落海外。但是想想即使留在国内也很难保逃过很多“浩劫”。

作为一名工科生，我对艺术史的认知曾停留在“远观赞叹”的层面，直到遇见祝唯庸的《一看就懂的中国艺术史》系列。从南朝到五代的笔墨流转，到宋代的市井繁华，祝先生用通俗的语言拆解专业知识，让我这个“门外汉”也能轻松沉浸其中，尤其对《清明上河图》的解读，更让我豁然开朗。 在《宋代一看就懂的艺术》中，祝先生将《清明上河图》为何能成为宋代民俗画No.1的原因剖析得清晰透彻。其一，极致的细节与真实感。五米多长的画卷里，800多位人物、无数舟桥车马、房舍屋瓦被刻画得巨细靡遗。修车的工匠、卖炭的商贩、开药店的郎中、拉纤的船工、苦读的书生、街头闲逛的行人……各行各业的生活场景鲜活呈现，就像一部立体的宋代“城市纪录片”，这种信息量在艺术史上堪称罕见。 其二，独特的题材选择。在中国传统绘画体系中，城市市井题材长期被边缘化，“谢赫六法”中“气韵生动”的审美标准似乎更偏爱山水花鸟。而《清明上河图》偏偏聚焦老百姓的日常生活，用写实的笔触描绘东京汴梁的繁华，这种贴近大众的题材自然引发广泛共鸣。 其三，雅俗共赏的审美格调。张择端以大师级的功力，将繁杂的市井场景梳理得层次分明，画面气韵流畅又不失细节趣味。无论是追求艺术深度的鉴赏家，还是喜爱热闹场景的普通观众，都能从中找到打动自己的点。

不知不觉看了10个小时，酣畅淋漓。虽然我不会画，也不懂画，跟着作者的描述对着原画放大缩小，恍如身临其境。记得上学时学过《清明上河图》课文，被书画上的市井生活充满好奇，今天在这里发现众多宋代时期的作品，太震撼了，原来还有很多像《清明上河图》出色的作品。 以前很不理解古代画人为什么不写实，不如西方直接。作者让我知道，如果是写实是了无趣味的，和拍了张照片没有什么区别，反而留白、取意，在点墨皴擦的虚实之间气韵生动

本书以“纪传体”方式，生动串联起米芾、赵佶、王希孟、马远、梁楷等宋代艺术巨匠的传奇故事与心路历程，让历史人物变得有血有肉。作者语言风趣晓畅，一改艺术史写作的枯燥印象，并对《清明上河图》《千里江山图》等名作进行详细解读，帮助读者从具体作品切入，感受宋人“雅致天成”的美学境界。