沉默：五十周年纪念版

这本书一定要看纸质书：凯奇非同一般的对演讲稿的构想使它的格式与我们平常看的书完全不同。 且在此处推荐英文原版。

20世纪初，约翰·凯奇出生于洛杉矶。他的父亲是一位发明家，他的成长经历与父亲的发明创造也紧密相关，这些故事在《沉默》中都有提到。 凯奇自幼便展现出对音乐的热爱，十二岁时对格里格的音乐产生了浓厚的兴趣，尤其是格里格对音乐传统的突破，给他带来了不小的影响。 大学期间，凯奇对宗教和文学的热爱超越了对音乐的关注。不久，他离开学校，开始了欧洲之旅，学习哥特式建筑和钢琴。然而，建筑学领域的严格训练并未吸引他，转而让他转身投入音乐当中。回到洛杉矶后，凯奇放弃了早期过于数学化的音乐构想，转而向亨利·考威尔等先锋派音乐家学习。 音乐的“数学化”，可能对于传统中国人来说比较陌生。我们如果把目光放到具象的18、19世纪欧洲，从宏伟复杂对称的建筑当中，也可以窥到一些音乐的结构与影子。 简单来说，欧洲古典音乐并不唯一注重旋律，而是更注重复杂结构的整体对称。纵向思维，每个声部各司其职，通过精密的计算与对位，让音乐呈现出如建筑般的复杂音响，正是数学化音乐的很好体现。 从19世纪末开始，在动荡时局和多变世界的影响下，欧洲音乐家开始尝试新的方式，不再单一遵循古典音乐留下的既有轨迹去创作，从而产生了一大批先锋音乐的先驱。 而出生于1912年的凯奇，他的音乐生涯也正好处在新音乐发展的重要阶段。 凯奇的音乐生涯与多位重要人物的相遇密切相关。无调性音乐和十二音技法的创始人勋伯格，对凯奇的音乐观念产生了重要影响。尽管勋伯格曾称凯奇为“有天赋的发明家”，但凯奇更愿意以音乐家自居。凯奇在旧金山和西雅图为舞蹈配乐的早期职业生涯中，发明了“大小宇宙”节奏结构，为无调打击乐创作提供了新思路。 1940年，凯奇发明了“加料钢琴”，这一创新将钢琴转化为打击乐器，为他的40年代作品增添了独特的音色。这些作品以其静谧、抒情和极简主义特色，成为凯奇最受认可的作品。凯奇在《关于无的演讲》中也表达了对沉默之声的重视，认为它超越了物质世界的价值。 随着在纽约稳定下来，凯奇在现代艺术博物馆举办了音乐会。在纽约，他遇到了多位艺术家和思想家，包括马塞尔·杜尚和约瑟夫·坎贝尔，后者引导他接触亚洲艺术和哲学。凯奇对禅宗的兴趣日益增长，最终成为铃木大拙的学生。 凯奇在现代艺术博物馆的音乐会获得了《生活》杂志的关注，尽管这并未改变他的经济状况。40年代末，凯奇与舞者梅尔塞·坎宁安的合作成为他音乐生涯的转折点，坎宁安的舞蹈与凯奇的音乐相得益彰。凯奇也影响了一代年轻艺术家，包括费尔德曼和克里斯蒂安·沃尔夫，后者的随机创作法给凯奇留下了深刻印象。 凯奇的《4′33″》是音乐史上的里程碑。它不仅挑战了传统音乐的界限，更是将所有声音纳入音乐的范畴。尽管这部作品在当时并未立即获得认可，但它如今已成为凯奇标志性的创作。 —— 约翰·凯奇是20世纪最具影响力的作曲家之一,也是我一直理解不了也听不懂作品的作家之一。 但是阅读凯奇的这本《沉默》，不由得让我想到一种寂静中由远到近的巨响。起初并不会让人觉得这个声音有多大，但渐渐地，声音越来越近，越来越无法忽视，最后大到耳膜几乎承受不了。然后突然间把书合上，你又回归到了一片寂静中。 这本《沉默》不仅总结了约翰·凯奇的音乐思想，也影响了一代人。他的音乐和思想超越了音乐领域，成为文化和社会变革的一部分。他的音乐生涯也证明了音乐与社会、哲学和艺术之间千丝万缕的联系。

排版和翻译都有点问题，阅读起来挺难受的，但貌似原本就是刻意为之的。可惜关于六十四格的创作方式并没有实例参考（虽然英文版也没有），总的说来是一本很有意思的书