人人都该懂的古典音乐

音乐作为人类表达情感的语言，必然与历史文化相通。 对古典音乐感兴趣，就不是仅仅满足于碎片化的知道一些西方音乐形式的知识，而且是要理解它的建构模式。而这些需要具备一定的认知能力并嵌入到本体底层架构中，进而对自己的认知进行迭代。这就需要构建一个全新的理论框架，寻着尝试从音乐发展的历史出发，研习西方古典音乐来龙去脉，为本体构建一个完整的古典音乐认知架构。 其实，一般意义上的古典音乐，尤其是器乐作品（序曲、奏鸣曲、协奏曲、交响乐）距今最多只有三四百年，就是我们的明朝时期。那时，我们的音乐文化已经丰富多彩了，秦腔、昆曲已经成熟发展了。而更早的时候，以至于两千年前，我们就有了傩戏，有了古琴，有了排箫。奏鸣曲不就是琴箫合奏嘛。西方的和声哪有我们鼓乐齐鸣的风采。还有许多古代曲谱，至今在外国人的博物馆图书馆里躺着…… 在对西方古典音乐有了一定的认知逻辑基础上，再从听觉的视角去感受到音乐是如何与宗教精神、人类情感、发明创造、历史推进、个人和民族的自我意识这些西方传统文化的联系。曾以宗教、哲学、心理或政治的名义，对古典音乐下过的定义又是哪些。 音乐作为一种单纯的消遣工具、一味生活的调剂品或一种娱乐形式，对于音乐以理论认知不能代替聆听感知。还需要选择不同年代的、不同风格的音乐经典，认真聆听，静心感知。若能掌握经典作品中的代表性音乐语言，融会贯通，无疑就丰富了自我的认知体系和能力。由此，增强一种借鉴它山之石来重构对民族传统音乐文化的认知架构和能力，努力做“一个高尚的人，一个纯粹的人，一个有道德的人，一个脱离了低级趣味的人，一个有益于人民的人”……

这本书读完用了11个小时22分 因为不是音乐专业，但是又比较喜欢听音乐，尽管随着数码技术越来越强大，开个会员就可以听到数不清的音乐，精选搜不完的专辑。尽管早期的磁带已经在数次搬家中，没有了踪影，但我依然从中学时代开始，搜集和保存了不少cd和黑胶的老唱片，古典音乐是其中占多数的部分，大多时候只是听着，并不知所以然。 喜欢古典音乐是从我大学时代开始的。当时我在美术系，大二那年，音乐系有一位刚从丹麦回国的年轻音乐老师，很儒雅，他在全校开设一门音乐欣赏课，然而真正选修的人不足二十人，我是其中之一，记得他给我们讲的第一首乐曲是《在中亚细亚的草原上》，后来几次课，去的人越来越少，然而老师坚持给尽管很少的寥寥几个人耐心的讲解。最后再也没有人去了。多年以后，这位年轻的老师成了教授，并当上了院长，我常常想起他当年的模样，他真的是一个非常热爱音乐的人。 因为大学时遇到的这位老师，我对古典音乐初步的认识只停留在了那一点点“原来如此”上。后来因为一位名叫埃舍尔的错位空间的艺术家，而读他的绘画却从中知道了他深受巴赫平均律音乐的影响，于是我开始听巴赫，听巴赫的赋格与托卡塔、平均律、康塔塔、协奏曲、奏鸣曲、无伴奏大提琴组曲、小提琴组曲、清唱剧、咏叹调、弥撒曲、安魂曲、受难曲、创意曲、诙谐曲、经文歌、众赞歌、赞美诗……感受那种音律错位、无限往复的秩序感。有时会觉得，巴赫的音乐像一束光，在无限反复仿佛不断进阶却又不曾停止的的秩序中，觉得仿佛无限在接近神，那么接近又遥遥无期，于是我买了不少巴赫的黑胶唱片。 对于古典音乐小白来说，这本书值得一读，它让我了解了一些初步的音乐知识，初步了解西方音乐发展的历史，尤其音乐中对黄金分割比的运用规律。这让我不得不感叹，哲学作为这个世界上各个学科的综合总结，其中毕达哥拉斯学派为什么一直占据着重要的位置：万物的本质，确实可以从“数”去解释。就如：中国古代有“太极生两仪，两仪化四象，四象生八卦，八卦而卜万物” 音乐、建筑、雕塑、绘画、诗歌，把这些艺术形式联系在一起的，应该是一种数的规律。在古典音乐中，关于和谐的韵律中，和谐音与不和谐音的比例，不同音阶、声部的组合，可以归纳为一定的数字；而建筑是凝固的音乐，建筑中的高低、错落、韵律的美，仿佛是音乐的固体呈现；在雕塑与绘画中，对造物形体的归纳总结，依然可以用几何体给予数字化归纳，在构图中去遵从黄金分割比的和谐之美的图式；在诗歌的押韵中，依然有数的秩序与规律，中国格律诗的平平仄仄似乎也可以从“数”去归纳……这看起来与艺术无关的数学，却可能是世界物理之本质。从而又体会到了杨振宁讲过的一些话：数学是一种有构成的、有秩序的美。 因此，读这本书，更深刻的让我在听古典音乐的过程中，去感受数的音律之美，韵律的构成之美，声与器的和谐之美。

“言之不足故嗟叹之，嗟叹之不足故永歌之”。音乐是人类情感的重要表达方式。我们对古典音乐的印象往往停留在管弦乐、钢琴或器乐上，始终有种距离感，本书浅显易懂，有助于拉近距离，虽然大部分的作品没有听过，也不妨碍阅读和了解古典音乐，接触前人的艺术瑰宝。

（时间4小时16分，进度52%） 我很喜欢音乐。 两万首的历史听歌记录，每年一千多小时的听歌时间。 堆积的音乐是消遣。 可是我最近发现，我不知道怎么去形容它，定义它。 特别是我喜爱的新古典音乐。 它某种程度上尊重我，而我从某种意义上，把它用完就丢，过河且拆桥。 于是我决定打开这本书。 我不可能去学习枯燥无味乐理知识，那倒不如更好去理解某种类型音乐。 正如ai大纲写出本书的主要内容：关注音乐对于人类的意义，而不是音乐史和音乐作品（曲调、技巧..）。 说说看完的心得。 因为对于我来说它是偏向工具书，所以开头5%精读了一下，然后就开始看ai给的大纲，粗略看完整本书内容和中心思想。 13.9w字对于我来说其实很快就可以看完，但是有没有全部汲取下来营养又是另一回事。 个人感觉在读的四个小时内真的太多人名和专业知识。（如果是纪录片形式会更生动有趣一些，用文字描述，个人觉得还是对读者有一定要求的。） 所以暂且搁置，给自己留有余地。 最后摘录我在书中最喜欢的两句话： “古典音乐的核心观念是音乐可以像一种语言或一场对话，既具有表现力又富有思想性，不是真正的语言却又胜似语言。” “如今，古典音乐的危机在于无论是对爱好者还是批评者而言，它都给人古板、过时、正式和浮夸的印象。可悲的是，古典音乐其实与这些印象完全相反。它一次又一次地表现出一种充满智慧和活力的精神，总是戏弄听众的期望，还经常戏仿过于死板的音乐惯例。”

《人人都该懂的古典音乐》——朱利安.约翰逊 简明易懂，大致说明了中世纪到20世纪西方音乐的发展历程。古典音乐没有明确的定义，是一种仍然活跃的音乐形式。古典音乐的发展史，就是记谱法的发展史。音乐语言从对上帝的崇拜到对自身感受的关注，器乐崛起后歌词不再是音乐中必不可少的元素，弦乐也开始成为古典器乐的核心。科技的发展带来现代主义艺术。 学习到很多知识，如复调、古典音乐、记谱法、单旋律乐曲、素歌、不协和音、巴洛克、歌剧、古典主义、弦乐四重奏、交响乐浪漫主义、现代主义、咏叹调、标题音乐、宣叙调，奏鸣曲等等。 书后面很贴心地作了每章小结以及附上了音乐列表和推荐音乐，能够对照着听。 这是接触到的有关音乐的第一本书，对于小白来说很不错，能大致了解相关知识，并根据推荐音乐体验不同类型的古典音乐。 艺术、音乐、文学等几乎是同步发展的，主要受社会政治经济影响，一个时代有一个时代的特点。我喜欢现代主义以前的艺术，也有可能是距离原因：身在现代，所以觉不到现代的意蕴。 跟着感觉走，碰到感兴趣的地方就停下，但也不要害怕去接触陌生的东西，生命太短暂了，花费时间去研究那些无法一下子便着迷的事情似乎是一种浪费。但如果不去寻找新的体验，那不也是对生命的浪费吗？ 音乐是无形的，动态的，流动的建筑。 (1)中世纪：约500-1400，宗教音乐为主 (2)文艺复兴：约1400-1600，复调音乐、纯净复调合唱 (3)巴洛克：约1600-1750，歌剧、华丽、戏剧性+复调 (4)古典主义：约1750-1800，形式美、均衡克制、结构工整清晰 (5)浪漫主义：约1800-1900，情感解放、旋律优美、宏大叙事 (6)20世纪现代音乐：1900-至今，风格多元，分支多，印象主义、表现主义、新古典、极简主义、先锋主义

《人人都该懂的古典音乐》精华总结 一、这本书到底在讲什么？ 它不是教你乐理，而是教你 “听懂、敢听、会听” 古典音乐，把古典音乐从 “高冷艺术” 变成人人能享受的东西。核心一句话：古典音乐不是用来 “装高雅”，而是用来感受情绪、故事与生命的。 --- 二、古典音乐到底在表达什么？ • 古典音乐没有标准答案，不需要死记背景、作曲家、曲式。 • 它表达的是：情绪、画面、氛围、故事、力量、宁静、激情。 • 你听到什么，它就是什么。你的感受，就是最正确的理解。 --- 三、听懂古典音乐的 3 个最简单方法 1. 听情绪欢快、悲伤、紧张、平静、庄严、温柔…… 先抓住最直观的感觉。 2. 听对比音量强弱、速度快慢、乐器交替、旋律起伏 —— 音乐的张力就在这里。 3. 听画面闭上眼睛，让音乐自动生成画面：森林、日出、暴风雨、舞蹈、战争、思念…… --- 四、古典音乐的几个关键时期 • 巴洛克（巴赫、亨德尔）：工整、华丽、庄严，像精致的宫殿。 • 古典主义（莫扎特、海顿、早期贝多芬）：均衡、优雅、清晰，像理性又优美的建筑。 • 浪漫主义（贝多芬后期、肖邦、柴可夫斯基）：情感浓烈、个人化、戏剧性强，最容易入坑。 • 印象派（德彪西）：朦胧、色彩感、像画，好听又治愈。 --- 五、普通人最实用的听乐建议 • 不要强迫自己听完一整首，喜欢哪段听哪段。 • 先听旋律好听的：莫扎特、肖邦、贝多芬、舒伯特、柴可夫斯基。 • 用音乐当背景：工作、学习、睡前、放松，都是最好的入门。 • 不用懂术语：奏鸣曲、交响曲、协奏曲不重要，重要的是你喜不喜欢。 --- 六、书里最戳人的一句话 古典音乐不是给专家听的，是给有感受力的人听的。你不需要懂，只需要打开耳朵和心。 --- 《人人都该懂的古典音乐》其实就一句话：古典音乐一点都不高冷，它是人类最直白、最浓烈、最温柔的情绪语言。不用背乐理、不用记作曲家，你听到的悲伤、宁静、激动、治愈，就是最正确的答案。先从好听的开始，让音乐走进生活，比什么都重要。

【今日读书】《人人都该懂的古典音乐》 【读书时间】2小时 【背景介绍】《人人都该懂的古典音乐》是一本简单有趣的音乐入门读物。从中世纪的为神歌唱、巴洛克时期的为贵族演奏、古典时期的为观众写作、浪漫主义时期的为自己作曲，到20世纪的矛盾与多元；从巴赫到贝多芬、瓦格纳，到莫扎特、肖邦、舒曼，再到立体主义、偶然音乐等风格，本书系统地梳理了从中世纪到20世纪的西方音乐的发展变化，给我们呈现了一部西方音乐发展史。 【今日感悟】 又是跨界读的一本书，说实话，真的有点隔行如隔山。虽然介绍说是普及类的书籍，但是读的我真是昏昏欲睡，想着以后也不知道哪天还会有缘拿起这本书再看一遍，所以干脆还是把我读下来有帮助的先行做一下摘抄吧。 【摘抄】 本书主要关注的是音乐对人类的意义：为什么它在过去那么重要，以及为什么它现在对我们来说依然重要？ 我想通过本书让读者感受到音乐是如何与宗教精神、人类情感、发明创造、历史推进、个人和民族的自我意识这些西方传统中的大概念息息相关的。 如果遵循时间顺序聆听音乐，那你很难有任何收获。就像试图按作家名字索引有条不紊地阅读“经典”文学作品的人一样，你坚持不了多久。而我的建议很简单，那就是跟着感觉走，碰到感兴趣的地方就停下，但也不要害怕去接触陌生的东西。生命太短暂了，花费时间去聆听那些无法让你一下子便着迷的音乐似乎是一种浪费。 从中世纪到后现代这一千多年的西方音乐为何能被归类为“古典音乐” 从中世纪到后现代这一千多年的西方音乐为何能被归类为“古典音乐”呢？公元9世纪的修道士在无人的小教堂里演唱的无伴奏旋律和在21世纪由一百多位音乐家组成的管弦乐队为两千多名观众演奏的现代交响乐，又有什么共同之处呢？答案很简单，那就是共同之处并不多。 某种历史的产物、不需要去定义的定义 记谱法：这是古典音乐的演奏中极为重要的一环。正是因为有记谱法，古典音乐才能和文学作品一样在书写过程中被固化，并区别于口耳相传的游吟诗歌和民间音乐。

值得一讀。即是通俗讀物，又具有專業水平，外行人可以流暢閱讀。作者對音樂有獨特的理解和解讀，很感性地闡述人與音樂的關係……

巴洛克改良了文艺复兴的刻板，古典主义又压制了巴洛克的放肆，浪漫主义又进化了古典主义的理性，现代派又规整了浪漫主义的随性……，        纵观音乐意识流 ，也无非手掌一松一紧。

一边开车或干家务，一边听读朱利安·约翰逊《人人都该懂的古典音乐》，非常舒适。“从中世纪的为神歌唱、巴洛克时期的为贵族演奏、古典时期的为观众写作、浪漫主义时期的为自己作曲，到20世纪的矛盾与多元…立体主义、偶然音乐等风格”，可谓脉络清晰的西方音乐发展导览。虽然将音乐窄化为西方音乐有点儿沙文主义，但作为主流，考虑简明，这样也无不可。再次看到提及保守的康德认为音乐“只与感觉打交道…不像文学那样具有严肃性、思想性”从而低估音乐的在艺术中的档次，而其后的叔本华则调和地提出“音乐似乎是内在生命的一种展现。” 学习了格里高利圣咏和复调的来历，与作者共同好奇于斯特拉迪瓦里小提琴音色优美的原因，还有不少认知得以提升，例如弦乐四重奏的通透在于量与结构的均衡；音乐惯例形成后听众掌握一套密码开展高端游戏的乐趣、海顿作品对集体理想的代表、交响乐则与私人体验统一；时间和空间交织、视觉和听觉的移觉，文学、建筑与音乐的奇妙互文…尝试分析调性和声与绘画透视法为何几乎在同一时期出现？总之，与这本小书共鸣之处颇多，对音乐承载人类精神需求的看法进一步坚定了。 点评和摘录~ ◆ 2 神圣之音：从中世纪到1600年 2023/1/27 发表想法 复调的来历。 >> 对于一个混合了不同年龄和性别的歌者的合唱团体来说，由于男性和女性、小孩和成人的声音有着天然的区分，即便是在唱同一旋律的时候，相互差上八度也是很正常的。集体歌唱很容易在相同的旋律中产生一些微小的差别，尤其是当演唱者都是来自一个教会的教友，而非训练有素的唱诗班时，因为总会有人快上一拍或者慢上半拍。这样就可能会形成一种支声复调：人们同时演唱相同的旋律，但相互之间有着细微的差异。 在圣咏之外加上即兴演唱的第二声部的想法，也可能是复调产生的原因之一。在合唱圣歌时，很有可能有某位歌者在广为人知的标准旋律之外添加了自创的内容。表演者的即兴发挥，在历史上世界各地的不同音乐传统中都屡见不鲜。 ◆ 3 人类之音：1600—1750年 2023/1/28 发表想法 “小提琴最早出现在16世纪早期的欧洲音乐中，当时被称为臂上提琴，以区别于低音维奥尔琴，后来成为完全独立于维奥尔琴的族系。” >> 现代小提琴族系(33)正是在这个时期攀升至古典器乐中的核心地位，并一直傲立至今的。 2023/1/28 发表想法 “一个好的小提琴家或大提琴家应该能使乐器的声音接近人声。从根本上说，所有器乐都是从模仿人声的表现方式和手法发展而来的。” >> 在2006年的公开拍卖会上，一把斯特拉迪瓦里小提琴以354.4万美元的价格被一位匿名买家购得。没有人能完全确定这些传世名琴备受推崇的音色从何而来。从理论上说，影响音色的因素包括制作所用的木材和处理木材的各种化学物质。 ◆ 4 古典之范：1750—1810年 2023/1/30 发表想法 “这种乐章和曲式的安排是为了适应那个时代对音乐的感受与需求：既要表达深沉的情感，又要表现丰富的创造力，同时还要有对集体理想的肯定。” >> 海顿在40年的时间里创作了大约60首键盘奏鸣曲，早期作品是为羽管键琴或楔槌键琴设计的，最后的几部作品则是为新式钢琴所作。其中只有最后一首是为伦敦音乐会而创作的，其余的都是为家庭音乐演奏者，尤其是女性演奏者所创作的。他的奏鸣曲结构稳定，第一乐章通常是宏大的奏鸣曲式快板，紧接着第二乐章是抒情且带有内省性质的慢板或行板，第三乐章是小调舞曲，取代节奏缓慢的乐章，最后是活泼轻松的结束乐章。 2023/1/30 发表想法 “德国浪漫主义作家、思想家歌德曾形容弦乐四重奏是“四个理性人之间的对话”” >> 两把小提琴、一把中提琴、一把大提琴组成的四个声部间的独特平衡与之息息相关。古典和弦的本质基于三和弦，但往往又存在装饰性的第四音，即不协和音。这意味着如果少于四个声部，就很难产生完整的和谐感和响亮度。虽然更多的乐器可以发出更丰富的声音，但也会让四声部音乐原本通透的织体变得模糊，正如几个世纪以来的合唱音乐也需要保持通透一样。 2023/1/30 发表想法 “康德关于音乐艺术不像文学那样具有严肃性、思想性的观点在18世纪90年代就已经显得过于保守了。” >> 1790年，康德在《判断力批判》中仍然认为音乐“因为只与感觉打交道，所以在艺术领域中处于最低的地位”。 2023/1/30 发表想法 “因为乐句的推进、休止的节奏、声音的固有风格、乐器的演奏方式等等惯例都是众所周知的，所以各种夸张或故意“犯错”的幽默才有了可能。” >> 海顿的弦乐四重奏所体现的核心精神，是一种暖人心腑而又精致细腻的幽默感。虽然表现形式多种多样，但是这种幽默感本质上源于事先给音乐设定一个预期发展方向，然后再以出人意料的结果混淆听众的感觉。正是因为古典音乐风格发展出高度明晰的音乐逻辑，音乐家才能以有趣甚至戏剧性的方式颠覆听众的预期，而又不会破坏整个作品的连贯性。 2023/1/30 发表想法 “古典风格的音乐惯例到18世纪70年代时已臻完备，所以作曲家才能在听众的期待下玩一场高端游戏。” >> 莫扎特和海顿一样，常常利用人们对惯例的期待来凸显其音乐中出人意料的发展。他会运用隐含于古典风格中的强烈方向感来引导听众，从而创造出意外的转折和蹊径。 2023/1/30 发表想法 “这种共享的私人体验是所有表演艺术的一部分，包括戏剧或电影以及古典交响音乐会。但在古典音乐中，其表现方式尤为特殊。” >> 当我们去听交响音乐会时，都需要做些什么呢？我们费了好一番功夫来到一座大型公共建筑，花了一大笔钱，就为了跟几百个陌生人紧挨着坐在一起，还得恭恭敬敬地保持沉默。只要音乐响起，我们就不能移动、说话、吃东西、喝水。交响乐团入场时，我们致以礼节性的掌声。他们的着装正式而低调，毫无个性特点。指挥家则受到热烈欢迎，就好像他是作曲家本人一样。在长达一个小时的时间里，观众们都静静地坐着，直到音乐停止。在这段时间里有人可能会注意到，尽管听众显然都十分投入地倾听并陶醉在音乐中，却没有流露出明显的赞同或喜悦之情。 ◆ 5 浪漫主义音乐：1800—1900年 2023/1/30 发表想法 “正如叔本华所说，音乐似乎是内在生命的一种展现。” >> 尽管音乐在表意上的“模糊”降低了它在18世纪思想家眼中的地位，但这正是它在19世纪地位提升的原因。 2023/1/30 发表想法 还引导了希特勒 >> 瓦格纳的著作标志着现代艺术和音乐领域的一种重要思潮的开端，即美学上的进步与政治和社会上的进步是一致的。 2023/1/31 发表想法 “很少有作曲家能逃出贝多芬的阴影。他以一种无法回避的父亲形象出现，要求后来者达到与之相同乃至超越他的水平。” >> 和勃拉姆斯一开始都选择创作钢琴奏鸣曲，显然是为了效仿贝多芬。但他们很快就不得不承认，自己的才华和音乐天赋根本不在于此。巴赫的形象同样突出，但或许少一些威胁性，更多的时候只是伟大音乐尤其是德国音乐的永恒象征。 ◆ 6 现代音乐：1900年以后 2023/1/31 发表想法 时间和空间、视觉和听觉 >> 如果说19世纪的音乐作品像文学，那么20世纪的音乐就更像抽象画或建筑，其中的色彩和空间比叙事更重要。 2023/2/1 发表想法 是碰巧了还是触类旁通？ >> 调性和声之于音乐的重要性丝毫不亚于透视法之于绘画，而透视法也几乎是在同一时期塑造了视觉艺术 2023/2/1 发表想法 就像毕加索发现无法超越马蒂斯，于是创造新风格。 >> 为什么勋伯格要把瓦格纳已经很丰富的半音化音乐语言带入完全无调性的领域呢？ 2023/2/1 发表想法 “他们这样做是出于表达的需要，因为在那个时代，艺术的价值不仅仅局限于再现世界的面貌，更重要的是提出强烈而富有表现力的观点，因为新出现的摄影艺术能够完全做到再现世界的面貌。” >> 这种从强调表现到强调表达的转变，与同一时期音乐形式的变化形成了有趣的类比。 2023/2/1 发表想法 从本质上说，这种转变与1600年左右意大利牧歌的变化并没有什么不同。 >> 在这些作品中，音乐段落不再有明显的终止音节，音乐发展也不再受调性与和声的控制，音乐运动也不再有清晰的方向感。相反，这种音乐更倾向于停留在某一刻，通过自由的不协和和声、突然变化的节律和不同乐器的音色，形成一系列强烈的情感表达。 2023/2/1 发表想法 赋格则洒脱些 >> 他非常着迷于音乐中的对称性，经常使用卡农和回文的作曲技巧。 2023/2/1 发表想法 “HF和AB在德语音符体系中分别表示B调、F调、A调和降B调。” >> 他的弦乐四重奏《抒情组曲》其实暗含了他与汉娜·富克斯（Hanna Fuchs）的爱情故事。他把两人姓名的首字母通过音乐语言加密，织入了这部作品。 2023/2/1 发表想法 音色！ >> 与勋伯格相比，德彪西在音乐语言上的革新更为温和，分析起来也更加困难。或许正因为如此，音乐历史学家对德彪西的革新较少讨论，听众对他的看法也没有什么分歧。然而，德彪西的音乐仍然标志着现代音乐中最重要的转变之一。 ◆ 附录1 术语解释 2023/2/1 发表想法 想起一些同事的工作风格。 >> 义音乐的特点是极端的情感和支离破碎的音乐语言。 2023/2/1 发表想法 单声圣歌（Plainsong） >> 与素歌同义，是教会中传统仪式曲调的统称，最后发展成格里高利圣咏。单声圣歌是一种单线条的声乐旋律，一般无伴奏，无小节划分，节奏自由。 归纳得好！ >>无论是在为神歌唱的中世纪，为贵族演奏的巴洛克时期，还是为观众写作的古典时期，更不用说为了作曲家自己抒发情感而作曲的浪漫主义时期，音乐永远都承载着人们精神世界的需求。