如何看懂西方绘画：浪漫主义大师经典佳作

《如何看懂西方绘画：浪漫主义大师经典佳作》：摆脱规矩的束缚，表达真实的自我。 十八世纪末至十九世纪，法国经历了三次资产阶级革命和巴黎公社的无产阶级起义。这个时期伴随着政治的跌宕起伏，艺术思潮的起伏更替，也现出十分绚烂的景象—浪漫主义绘画风格因此应运而生。 浪漫主义以追求自由、平等、博爱和个性解放为思想基础。作品注重个人感情的表达，形式较少拘束而自由奔放，情绪激越。他们认为一般人所谓的丑、恐怖，如果能够诉诸自己的感受，这种艺术就是美。而这点和新古典主义的理想之美背道而驰。 浪漫主义最具代表大师如以下几位： 戈雅：一位承前启后的艺术大师，从早期的巴洛克风到逐渐过渡到后期充满表现主义的色彩。他的作品对后来的现实主义和印象派产生了极大的影响，是一位承前启后的大师。知名代表作品为《1808年5月2日》、《1808年5月3日》等。 弗里德里希：被誉为最浪漫的德国画家，他最能捕捉到大自然的崇高带给我们的各种情感。死亡是弗里德里希作品中贯穿始终的主题，不论是荒凉冬季，还是光秃秃的橡树，亦或是乌鸦秃鹫、猫头鹰和墓地，这些都揭示了画家根植于生命里的悲观精神层面。印象较深的作品有《海上月出》、《云海中的旅行者》。 透纳：将学风景画的艺术推到了顶峰的英国画家。他以善于描绘光与空气的微妙关系而闻名于世，尤其对水气弥漫的掌握有独到之处，热衷于描绘自然现象，尤其是灾难场景，如沉船、暴风雨、阴霾、火灾等。具代表性的作品有《雨、蒸汽和速度：西部大铁路》、《被拖去解体的无畏号战舰》、《遇难船》等。 德拉克洛瓦：浪漫主义绘画的重要代表人物。他知识广博、情感丰富，擅长音乐，有很高的文学素养。同时重视色彩的热烈奔放，认为“色彩是绘画的主角”。具代表作品有《萨丹纳帕路斯之死》、《自由引导人民》等。 籍里柯：法国浪漫主义绘画的先驱。他的生命短暂，但却终生充满着激情、幻想和痛苦，并把这种感情反映在自己的作品中。最具代表性的作品为《梅杜萨之筏》。 所谓的浪漫主义，它可以是戈雅随心所欲的宣泄，可以是弗里德里希内心悲情的渲染，可以是透纳不被理解的孤独，可以是德拉克洛瓦爱恨情仇的爆发，也可以是席里柯火热激情的迸发。 不被禁锢的灵魂，才是浪漫主义永恒的追溯。

在艺术流派的沉沉浮浮中，开始萌芽《如何看懂西方绘画》6册丛书中的第四部分----浪漫主义： ❶文艺复兴：一次思想启蒙运动，是人文主义对中世纪宗教的宣战，以恢复充满人文精神的古希腊、古罗马文化为主旨。↗ ❷巴洛克艺术：对保守严谨中规中矩的艺术形式所进行的挑战，强调雍容奢华，充满了享乐主义色彩。↘ ❸新古典主义：厌倦了巴洛克的离奇与无边界，在当时法国大革命的背景下重新回归理性与严谨。↗ ④浪漫主义：为了反新古典主义时期的政治高压而出现的逆反情绪，是巴洛克之后非理性思潮的再次回归。个性、自我、幻想、激情、怀旧，是重点词。↘ 对浪漫主义下定义有点难，从上面↗↘↗↘能看出艺术流派的转折与轮回，均与意识形态息息相关。许多历史学家将浪漫主义视为是对前面启蒙运动的一种反弹或者反思。粗俗地解释就是“启蒙运动所主张所倡导的一切，我都要唱反调”，所以此轮思潮包含很强烈的对抗现实意味。 你强调进取，我强调躺平。 你强调英雄，我强调个人。 你强调宏大，我强调琐碎。 你强调理性，我强调感性。 浪漫主义致力于宣扬英雄个人所达成的成就，正当化了个人的艺术想像力，不管是宗教、怀旧、自然，都是从自我从个体内心感受出发，宣扬他们心中的理想，将个人的理念强烈诉诸历史和自然题材，突破了以往对艺术的传统定义。此阶段的浪漫主义鼓励艺术家充分表达情绪和直觉，凡是表达个人情感的艺术作品都受到尊重和追捧，如一些画家开始强调不安及惊恐等情绪，以及人在遭遇到大自然的壮丽时所表现出的敬畏心理。 赛亚·柏林在他的名著《浪漫主义的根源》中，开宗明义就说：“浪漫主义是一个危险和混乱的领域，许多人身陷其中，迷失了”。 对上面这句话，我的理解有点像Michael Nast写的《爱无能的世代》，在”追求自我认同、自我优化过程中，失去重要的东西，无力维系.....”

艺术，与思想与生活息息相关，艺术这一种制造物包含了创造者的时间及思想，而他人则通过艺术产物去与作者交流，去理解作者所处的时代的精神以及生活。艺术一直在演变在发展源于劳动与智慧，与宗教的变革、社会动荡、民族思想结合在一起，艺术品常常带着的是历史烙印与。 / 画作、音乐、雕塑、小说等作品都是艺术，是人的创造物。读书美妙的时刻，是读到某种自己体会过的琢磨过的思想、感受、思维方式等等，这一些在作者文字里发现他也如此，有一种共鸣，与作者从未谋面，他甚至是不同时代的几百年一两千年前的人，这种感觉能读者觉得在跟他交流。音乐，具有更多的意思，首先音乐让耳朵很舒服，这人的感官用上了，通过耳朵到脑袋到全身的细胞里，会愉快会轻松会忧伤，带动着你的情绪，而动的音乐还能让人有多重的回忆，伴随着人的生活与成长。画作，想到孤单的小象，想到色彩对比强烈的各种情绪表达，想到漠然前行的人与逆流的人，想到那抽象的思想。有些作品可直接感受，有些需要一定的理解能力，一定的知识基础，知道他所处的时代他的思想，他所想表达的是什么。而一个时期某一些人用能力用强烈的感情把时代思想通过艺术留存下来。 / 艺术，实际上是孤独的人之间的交流。作者或者只想把自己的感受，利用某种载体记下来，不知道他们是否想过通过这些作品找到能交流的人能听懂的人，但后面许许多多的人应该都很感谢他们，那一首首音乐让人的大脑放空，那一行行文字让人脑袋能有思考的快乐。 / 过去，音乐与画作或者是有钱人的消遣，因为价值高，在现在，不完全是了，也还有人会花很多钱去玩去证明身份，就像《制造消费者》里说的，某些消费行为只是为了让自己与他人区分开来。 可现在，电子书让许多人可以随时抽时间看书，不是只有非常有闲的人才能读，钢琴等乐器也不再是普通人遥不可及的东西，音乐与画作也都可以从书从电脑上找来看。即使看原始画作有必要也会让人更震撼。但以上总结下来，有许多普通人可以去阅读、去欣赏，不再是遥不可及之物。那么，这时候，喜欢这些艺术的人，就分两部分人，其中一部分就是真的热爱。当一个人读了各国读了世界历史，每个时代的思想，一个个时代的特点，当一个人知道人世间的复杂，认认真真思考过个人、社会、国家、上帝……那个人会想看那时代的生活与记录留下的作品，再看小说画作再欣赏音乐，会有很多层的理解，看自然海浪风暴的力看孤独是身影看扭曲夸张的表达…能有太多层的感受，这时候，你就会喜欢上这些带有历史元素艺术家思想的艺术品，这些是喜爱，而不是有钱人的把戏。 / 这本书，是浪漫主义大师的经典佳作。读了以赛亚柏林的《浪漫主义的根源》后找来翻的书，过去几百年有很多艺术有很多作品，了解他们所处的时代，再看那个时代大师们留下的作品，更容易去解读作品，也能更好地从多个方面去认识浪漫主义，去理解那时的生活与思想。 从浪漫主义开始 艺术作品，如果产生于清晰精确的科学模式，如果是复制一种知识类似数字等，如果靠细心观察和缜密记录之物，那么艺术是死的～ 艺术作品的生命，是自身内在的某些无限精神的悸动。 是某种喷薄而出的力量、动力、能量、生命和活力。 在伟大的绘画、雕塑、音乐作品上，我们看到的不仅仅是表面，不仅仅是技艺，不仅仅是艺术家有意为之的形式，有艺术家本人可能没有完全意识到的事物。 艺术家本人恰恰能使它得到特别的表达并成为自我意识的代言人。 这种是精神的悸动，因此当人们观看绘画、倾听音乐的时候，艺术作品能够施与他一种类似于自然现象的活力。 当艺术作品缺乏这种活力，当艺术只是墨守陈规时，当艺术受制于完全自觉的意识——艺术家完全知道自己的创作行为时，艺术产品必定是典雅对称的，也必定是僵死的。 引出 1、 这里的自我意识，无法用简单数字语言逻辑表达的意识，是一种精神的力量是一种扩大。 但要区分，例如孩子也在涂画，是不是看不懂的就是抽象画。 孩子还具有童真所画的大人不懂也能理解，换个说法一个不懂画作技巧、没有画出生活感受、脑里空空被日子折腾的中年人，拿起笔随意画些线条。 那就不是抽象画，也不具有自我意识。 2、 去看一个作品。 从内想， 看所造之物， 里面是否有本质的东西，是否带有个人的精神，“自我意识”。 关于本质， 读到亚里士多德《形而上学》那里提的时候，连起AI。 有些思想家，设置了本质形式作为“因”，他们之所以这样做，是因为当他们试图发现可感知世界中的“因”。 没有本质， 那么关于本质形式的辩论放弃了的事物，即使这些事物的存在相对于本质形式更加重要（例如上面提到的扩大的自我意识与精神），也没办法讨论下去。 现在的AI，很多人利用它结合自己思想生成内容，本质是否还是那个人，一样却也不一样。 是从一个人脑袋延伸出来的生成物。 但不一样，又在哪里呢，接着想 3、 艺术 本质之外处看 从工具知识技艺，借助表达之物上去想。 是语言文字，是雕刻技巧，是画作技巧，是颜色运用…… 而这一些 利用记录与表达，却又需要同一种理解。 比如一支民歌，听懂了一支民歌的意思，是因为创作它的人民和你一样都是中国人，能在歌中交谈，能与同属一个社会的人交谈。 一种观点是艺术是表白艺术是交流。 创作者有创作目的，分析艺术作品的价值须根据它的诉求对象所在的特定群体、说话人的动机、对诉求对象的影响以及说话人和听话人之间自发建立起来的联系。 艺术作品是一种交流形式。 每个人都在寻找自己可以归属的群体，也确实归属于某个群体。 画作 雕塑 乐谱 文字思想感情 对色彩的共同理解，对孔子 哈姆雷特的认识…都是一些积累。 这些技术，创作者是否懂得用，欣赏者是否懂得看。 这里的程度，决定这造出来的艺术与物的轻重。 4、 AI，所生成的，按上面说，是存在分类的。 得看本质 看目的 看与人所投入的技艺。 有一类生成物： 跟AI说生成一幅某种图，生成一篇某方面文章。 然后生成了，这机器语言，跟你不相干。 这目的，是为了赚钱名声外物，没意思， 这技艺，是机器语言，不是习得的也不是有针对性找共同体的。 那么，这些产物 AI会更加削弱人的存在感与价值感。 工业革命，让许多人思考，人在工厂里只生成某个产品的零件，没有创作感。沦为 AI所生成的成品有自己的影子，从本质出发，但如果没有中间的技艺，那不太具备自我意识的艺术～ 这个时代AI技术，又把人拉离了自我。 一步一步，看不到自己。 工业革命后，人沦为为了换更多资本而服务的物。资本变成主人，人成为服务资本的奴仆。 原来，人创造出物品，可以取得自信与自尊，可是工厂制度产生，工人就变成工厂中渺小的一环，此时工人与他的创造物分离开来。工人不再是创造者，无论他制作出来的东西优劣如何，他都无法从中获得生命的满足和意义。 这次的AI，更扩大了这种无价值感。 除非，创造者充分知道自己创作的目的，使用者不糊涂。 想要把精神把自我意志意识放进去，不容易。 根据明知识、默知识、暗知识说的，那么这里的技艺一大部分是暗知识，是机器语言，跟自己不相干，不是创作。 另外，如最上面说的 创作品，精神的悸动，艺术作品能够施与他一种类似于自然现象的活力。 当艺术作品缺乏这种活力，艺术只是墨守陈规时，艺术家完全知道自己的创作行为时，艺术产品必定是对称的，也是僵死的。 那这AI生成物就是僵死的。 创造物，通过工业革命 机器 AI，离自我，越来越远。 当然每个时代都有少数人，清醒者，拥有自由意志，知道自己创作的是什么，选择什么 AI只是更放大两者的区别～ / 从上面一点点说到这。其实，未说尽，但我脑袋动不下去了。 稍微总结结束。 创造的艺术与物 要有本质，创造者的精神，以及通过习得的技艺，跟同类人说同类的话，或者创作能让他人愉悦的的产物 这本质精神 与 技艺， 越厚越好。 两者不能在平行线上看占比哪个占比多。 得往厚度深度看～ / 这个月脑里的东西，借这本书记录下来 喜欢这本书里的许多画作，但，不细细展开了。

如同导言介绍，西方美学文化成就高峰有6个艺术阶段，在继文艺复兴时期，到巴洛克时期及法国理性主义影响下“新古典主义”之第三阶段后，“在德国和英国，由文学引领、绘画和音乐紧密相随的浪漫主义占据了18世纪的艺术时代，这种追求个人感官、反对理性主义的表达与新古典主义的学院派主张的观点大相径庭，反映了社会动荡不安、渴望革新的需求”。而此“浪漫主义的发展还主要集中在文学、绘画和音乐三个领域中”。其中最突出可能还是音乐方面，因为这个时期产生莫扎特、海顿和贝多芬作为三大浪漫作曲家，对于绘画艺术家们情感上影响应该是不言而喻的。 不难想到，从贝多芬“第三田园交响曲”中“初到乡村感觉”那段优美轮回曲式，在社会上不知曾经激励多少画家们开始对自然优美环境关注与创新？今天难道不依然是同样如此？ “实际上, 这个时期浪漫主义推崇艺术家的个人感受，允许追求艺术的特殊性，这就造成了题材的千差万别，大致来说分为风景主题、异国主题、幻象主题和文学主题四大类”。显然，它在绘画主题多样性上，就完全超过个上时期之新古典主义时期。例如，著名的“自由引导人民”。 另外，从其繁荣文学阶段角度看，例如，那时文学主题取自莎士比亚、但丁、歌德、拜伦作品等中选取著名丰富多彩撼动人心的情节，自然为艺术画家们深入发挥创造力和想象力提供新广泛空间与素材。 本书收集了不少，例如，西班牙马德里普拉多博物馆中收藏一些看起来画不非特别耀眼画作品，对于非专业旅游人士曾经在该博物馆现场观摩时，也许记得只是轻轻的走过，一挥手，对于书所介绍名画基本没有留下什么影响？除了那二幅导游曾经专门介绍宫女或者裸体的玛雅。因为天下博物馆油画似乎都像是差不多。这主要是由于观察者缺乏审美知识与激励。经过本书中作者事无巨细之剖析式分析, 及在介绍相关历史背景知识后，似乎才像看懂了一些，尽管依然时常会冒出，是否又被忽悠了想法？ 毕竟头脑中知识或者审美观点之数据库是一个累积过程。如果借用诠释学或者读任何书经典的“五个C” 基本原则：即 (content, context, culture，concortent , and comparison) 来观察，分析理解及解释所研究对象说事，其本来就应该是当今科学研究者基本素质。 所以，曾经有人建议，理科生培养自己好奇心与创新能力，需从观察美术作品开始。 很高兴得知，现在小学一二年级可以不需准备考试了。这样自然为他们未来创新，从小有时间发展多才多艺，全面发展留下更多宝贵的时间与空间。 于无声处听惊雷，要真心为之点赞叫好。 竭尽全力保持敏锐的观察力，“提醒不忽略那些过去未曾关注的事物：看到阳光照在窗帘上，不仅让自己停下来，去观看褶皱上的阴影；更会努力观察一个物体的反光如何晕染另一个物体的阴影”。这大概就是艺术力量与思考？

浪漫主义是鼓励艺术家充分表达感受、情绪和直觉的，无需理会理性主义所强调的种种规则和条条框框，凡是表达个人情感的艺术都受到尊重和鼓励，黑格尔说过，浪漫主义所表现的是“自由的、具体的心灵生活”。在创作上技法，浪漫主义绘画重视色彩而非素描，强调笔触的表现而非形态的把握，偏爱动态的场景而非安静的布局，追求各式各样的个性美而非绝对唯一的理性美，这些定义对我理解浪漫主义绘画很有帮助。 浪漫主义起源于十八世纪德国和英国，兴盛于19世纪法国。书中介绍了德国的大卫·弗里德里希，西班牙的戈雅，英国的透纳，发过的德拉克洛瓦和席里柯，这些画家我都比较熟悉，平时想到浪漫主义，脑子里就会马上闪现戈雅，透纳和德拉克洛瓦。因为熟悉，书中所介绍他们的生平和作品读起来比较轻松。

浪漫主义起源于18世纪的德国和英国，兴盛于19世纪的法国，是一场影响广泛的艺术潮流。浪漫主义的发展主要集中在文学、绘画和音乐三个领域中。 通过本书我了解到浪漫主义绘画的发展历史、艺术特点以及代表画家，作者用背景介绍、放大细节和对比延伸的方法赏析代表画家的代表作近百幅，全面详尽地展现了浪漫主义绘画。浪漫主义的代表画家有戈雅、弗里德里希、透纳、德拉克洛瓦以及席里柯。 开卷有益，长知识啦！

弗朗西斯科·戈雅 Francisco Goya 卡斯帕·大卫·弗里德里希 Caspar David Friedrich 约瑟夫·马洛德·威廉·透纳 J.M.W. Turner 欧仁·德拉克洛瓦 Eugène Delacroix

美术是所有艺术形式中较早也是较为直观的表达形式之一，欧洲洞窟里的壁画是现存的最早的原始艺术，两河流域平原的雕塑作品至今仍令人惊叹，这都是美术史的开端，也是人类艺术史发展的第一步。最早期的古希腊和古罗马雕塑奠定了艺术的基础，但随着基督教的兴起，中世纪的哥特艺术则将宗教崇拜发展到顶峰，随之而来的文艺复兴时期则是人文主义对宗教的宣战，试图恢复充满人文精神的古希腊、古罗马文化。但在达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔等大师登峰造极的艺术影响下，后人寻求新的改变和突破，从而在16世纪出现了以自由华丽、世俗乐趣和装饰性强著称的巴洛克艺术。到了16世纪，法国艺术家们厌倦了发展到极端、已经变质的巴洛克艺术，重新提倡追求道德严肃和强调秩序的艺术形式，当时恰逢法国大革命的政治潮流，直接将新古典主义推上了历史舞台。在德国和英国，由文学引领、绘画和音乐紧密相随的浪漫主义占据了18世纪的艺术时代，这种追求个人感官、反对理性主义的表达与新古典主义的学院派主张的观点大相径庭，反映了社会动荡不安、渴望革新的需求。浪漫主义宽松而自由的艺术氛围孕育出了19世纪的印象派和后印象派，前者追求自然的鲜活生命和色彩的真实丰富，使绘画在视觉享受上进入了新的层次，而后者则在印象派的基础上加入了艺术家的个人感受和主观体验，绘画特点也更加丰富多样，并没有统一的形式标准，同时也影响了之后现代主义的各个流派。

读了此书才明白这里的浪漫主义可不是现代人口中常说的“浪漫”，这里的浪漫主义有点暗黑系，有很多直击心灵的地方，还有些许的耐人寻味，完全没有了现代人脑海中浪漫的明媚温馨哦，乍一看好像是自己读不懂看不明白的浪漫主义，但仔细推敲又好像它就是画出了自己内心深处的那种浪漫主义哦～[破涕为笑] 读这本书的时候看到了艺术史学家克拉克专门写给浪漫主义的《浪漫派的反叛》，就对比阅读了下再来评论，就觉得这本书算是比较浅了，就挑了几个典型的画家，先讲讲他的履历，品品他的作品，浅浅的交代了作品里包含的画家的心路历程，这本书作为兴趣类读物入门还是很推荐的，简单易懂 下一本继续《如何看懂西方绘画 之印象派》好像已经看到了莫奈追逐的光，梵高笔下的星空、麦田还有向日葵，可以走出浪漫主义的暗黑去看看阳光明媚咯[笑脸]

了解一个艺术流派，必须也要了解其所处的那个时代。比如法国大革命和工业革命就是推动浪漫主义产生和发展的重要大背景。 这本书把几位浪漫主义画家讲解得很透彻，可惜没有涉及到全部有代表性的画家，略有遗憾。但整体来说还是很不错，非常推荐。