谈谈黄宾虹的画（艺文志）

昨天，去深圳美术馆意外收获，遇上了黄宾虹山水画展。两位大师作品同展，对比来看非常有趣。吴冠中向外探索中西融合，黄宾虹向内探索古人技法。 两位大师都属身形消瘦之人，也都活了90岁高寿，看来真是千金难买老来瘦。 黄宾虹先生的作品，并不“雅俗共赏”。我接触到的意见大约有两种，一种是，画面的线条乱糟糟，看不懂。另一种是，功力深、表现力强，达到山水画的高度境界。 黄宾虹提出平（用力平均、如锥画沙）、圆（起笔用锋、收笔回转）、留（笔有回顾、上下映带）、重（笔力能扛鼎、笔下金刚杵）、变（知白守黑、推陈出新）五种用笔的方法和浓、淡、破（淡墨破以浓、浓墨破以淡）、泼、渍、焦、宿七种用墨的方法。 为什么黄宾虹的画不易懂？ 用他老人家生前说过的话来解释，似乎更容易些，他说：作画最忌者：死、板、刻、浊、薄、小、流、轻、浮、甜、滑、飘、柔、艳。宾老的这段话，是从宋人画论“作画最忌板、刻、结”发展出来的。但是从世俗的欣赏角度来说，这类作品却反而容易为一般人所接受。死、板、刻是死守传统成法，规矩谨严而缺乏生气，看惯了中国传统绘画的，都易欣赏这种画。至于轻、浮、甜、滑、飘，这五者正是迎合一般观众鉴赏水平的诀窍，直到今天，还有些所谓“名家”沿着这条路走以博取重名，当然这种作品终究是很难持久的。

古人写字作画大多为文人士大夫娱乐消遣，聊以自娱或避世之用。今天却想除去高大上的文人画概念，聊一聊职业画家的演变之路。 （ps.如有余力的情况下，看能不能挖到黄宾虹的年代…😅） 真正把画家变为职业历史舞台的要当从明开始说起。明清资本主义萌芽，城市发展，导致艺术品市场需求增加，才在民间有了把书画作为职业谋身的群体，即使这些群体多少也是以文人身份为底色，如明仇英、清郑板桥。此时已不同于宋元时，可以毫不避讳地把书画润格放在台面上讲，如扬州八怪这样的艺术群体直接依赖于市场销售，郑板桥公开标价卖画，显示艺术商品化成熟（在过去，这可是为文人所耻之行径）。这些职业画家始终在文人审美与大众需求间寻求平衡，如明代浙派戴进吸收马夏院体画风，清代任伯年融合没骨法与西洋素描。另外，白银货币化促进艺术品流通，晚明李日华《味水轩日记》详载书画交易价格，清代扬州盐商年购画支出超万两。 这种演变本质上是艺术生产从权力中心向市场驱动转型的过程，职业画家群体在保持技艺传承的同时，逐步获得更大的创作自主权，推动了中国绘画的多元发展。 而宋元时期，尤其是南宋，商业也发达，但可能更多是宫廷需求，职业画家可能更多服务于宫廷或贵族，如宋马远、李唐。元代因为异族统治，科举废止，职业画家的生存状态可能有所不同，部分文人（如赵孟頫）被迫职业化，但仍有"隐逸"特质。而明清时期，商品经济发达，市民阶层壮大，职业画家的市场可能更广阔。经济来源方面，宋元可能更多依赖赞助人，而明清可能更多通过市场交易。 …… 2025.5.20凌晨 明晚继续