世界美术名作20讲（果麦经典）

《 随笔杂记》 也许更多是出于对未知的好奇——打开一本书，真的就像一脚踏进了一个世界。即使一无所知，哪怕只是雾里看花，依然无法拒绝、也无法否认：艺术的美所带给人类的感受，是如此强烈而真实。或许因为那是遥远的世界，是隔洋相望的世界，也是未曾涉足的领域，足够的陌生，反而让每一幅雕塑或画作都多了几分新鲜与神秘。当然，也要遗憾于这个一无所知的世界——我无法就此展开说点什么，但还是想试着记录一下自己的心情。 “西方绘画是‘科学的’，模拟眼睛看到的世界；中国绘画是‘诗意的’，表达心灵感受到的世界。” 我带着这个提纲，仔细翻看了一下，又与前一本中国绘画做了简单对比。我可能会觉得，西方人物的雕塑都有种被时间凝固的状态，体态早期偏喜好以壮为美、以健康为美，不像中国人物那般哪怕是胖子也会有种飘逸轻盈的美。 故事主题上，西方也更为宏大，好像不是在战斗、渴望拯救，就是在一片厮杀里等待救赎，动作表情都是夸张而丰富，给人略微压抑、沉重的感觉。中国则大多是美丽山河、花鸟鱼兽，一派自然祥和。 哈哈，简单的好像也说不出太多。还是记录一下我最喜欢的三位吧。 “莱奥纳多的深，米开朗琪罗的大，拉斐尔的明媚，在文艺上各自汇成一支巨流；综合起来造成完满宏富、源远流长的近代文化。” 作为艺术巨匠的达芬奇：科学先驱，一个自然的解密者。通过精准的解剖学知识，他画出了史上第一幅准确的人体比例图《维特鲁威人》；同时也是工程发明家，未来的架构师。他不仅可以左撇子镜像书写，还在绘画领域开创了“晕涂法”，让微笑朦胧神秘，如举世闻名的《蒙娜丽莎》。 “他像一台永不满足的引擎，在绘画、解剖、飞行、机械之间高速切换，以至于同时代的人觉得他“半途而废”，而后世才明白，那是他在用一生追赶永远在飞的思想。” 精力极度旺盛，他废寝忘食。每工作4小时睡15分钟，一天累计只睡约1.5小时。为了弄清人体结构，他在那个解剖尸体违法的年代，深夜去公墓或医院偷尸体，亲手解剖了30多具。真有种痴狂到疯癫的魔障，连恐惧都给他吓跑了。他又是偏执的完美主义者，《最后的晚餐》用了3年，《蒙娜丽莎》耗时4年才勉强成稿。他把《蒙娜丽莎》带在身边整整14年，反复修改，直至去世。但也因为专注太多，很多都不得不是”烂尾工程”，成为他终身遗憾。 当然，于我这会儿只是提炼整合一下基本信息，做简单了解。除了震撼与惊艳，也是要说不出其所以然来。还不如读者自己去书里了解，来得更为准确详尽。 米开朗琪罗呢，那是个倔强不屈的工作狂人。真是难以想象，他在完成旷世杰作《创世纪》的五年中间，天天仰卧在十公尺高的台架上，蜷背，头脚跷起，胡子向着天，头颅弯向着肩，连他自己都自嘲像张弓，身体也因此严重受到影响。虽然未能亲眼目睹那穹窿顶上恢宏的名场面，单就打开页面简单搜搜，那铺面而来的人群，仿佛就在你的头顶飞旋，腾云驾雾里那呼之欲出的画面，同样也很是惊诧莫名了。 关于他的作品，因为好奇，还真延伸出很多有意思的发现。比如一直觉得很多人物脖子被画得很长，搜搜才知道，原来可以是为了像高傲的鹅一样显示高贵优雅，也可以是现代人的孤独。雕塑《摩西》头上居然长着动物一样的两个角，原因是源于绵延千年的翻译“误会”。在他的雕塑作品《暮》中，男子膝盖风化溃烂的伤口，与《日》中女子别扭的乳房，都是他近乎残酷的写实手法，为了让时间在人体上留下可见的“伤口”。失真是他通向哲学的入口。 相较于前两位，其实我个人还是更偏爱色彩鲜明对比的拉斐尔，尤其喜欢他的名画《美丽的女园丁》：年轻的圣母，幼小的耶稣倚靠在她的身旁，一头蜷曲的金发如软绒，一只小脚不经意轻踏在母亲的脚上，有一种踏实感；一只小手放在母亲手里，柔软；抬头仰望母亲时，满眼笑意。仔细看看那肉嘟嘟、圆滚滚的baby，真的总会激起女人心中天生的母性。要是可以，倒真是要好好亲亲他、抱抱他，因为他实在太可爱啦！ 再看年轻的母亲，可真是美丽！精致小巧的五官，肤白如脂，最厉害的是拉斐尔画出那吹弹可破、光滑又娇嫩红润的质感，皮肤的细腻仿佛每个细小的汗毛都能清晰可见。那健康而丰腴的体态，贴合着柔和与安静的氛围，满目含蓄的温柔与内敛矜持的情感，无不让人感受着膝下承欢、岁月静好的温馨场面，体会着一个女人温柔似水的柔情。 我想，那定是男人一眼就要忍不住爱上的女子。但我又想，如若我是个男人，绝对又不是需要去占有，反倒觉得如有任何非分之想，都是对她的惊扰，是亵渎。如此干净而纯粹，让每个在尘世里的人不免要自惭形秽起来。因为太美，就在心里默默爱着，这是天堂般里的恬静！远远看着就足够美好。 不过更有趣的是他的《圣体争辩》，一不小心被我发现云层堆里居然裹着无数的小孩儿，全被那个人高马大的垫在脚下。开始真是惊悚的不适，搜寻才知，之所以选择小孩子，是为了使云层有厚重感，不至于轻飘得被压垮的既视感。小天使是被拿来做了“云的地基”，不是缺乏温情，而是出于符号效率：baby是唯一能同时满足无性、可压缩、等级低位、灵性兼容、象征空白这五个条件的人形。 所以它们不是“被踩的小孩”，而是云层下沿的立体感解决方案。真是匪夷所思！ 总而言之，绘画艺术之美的意义是丰富且开放的。“它既是感官的享受，也是情感的共鸣、思想的火花、历史的见证和精神的寄托。它让我们的生命体验变得更深刻、更丰盈。” 哈哈，粗略整理，杂乱无章地先记下这些吧。

翻开这本书，看到的不仅有一幅幅世界名画;还有文艺复兴，还有大师们的性格特点及他们的人生，及西方文化的掠影——可以管中窥豹，略见一斑的掠影。

拿这本书之前没报太多期望，印象里只知道傅雷先生是个著名的翻译家，但这本书一开卷就令人欲罢不能，万万没想到傅雷先生对西方美术史的造诣之深，文笔之精准优美，都令人肃然起敬。 如果想了解西方美术史，可以说这本书绝对是必读书籍。 强荐！

书中有些画作在博物馆看到过实物，有些还待我出发。如果还没有行万里路的条件，就先读万卷书吧。两者能结合就最好啦！ 另外给爱好艺术史的朋友推荐《詹森艺术史》，我手头的几种主流教材所对应的叙述，有的几乎不提历史，提及的也是语焉不详，唯有这本书把它讲明白了。读者也能从此书中获得更有逻辑也更符合主流史观的艺术史框架。第七版的詹森，不仅风格史这条主线编排合理，思想史和政治史这条副线的处理和把握也非常到位。另外《艺术的故事》、《加德纳艺术通史》、《世界艺术史》、《艺术史》也值得一读。 无论看过几本艺术史，不要拘泥于他们教你理解艺术的方法，更不要迷信他们给你正统叙事的范本。在此后的进阶阅读中，在参观博物馆的过程中，在与专业人士不断交流中，不断去修订脑子里原有的图景，去书写自己心中的艺术史。

傅雷的文笔真是没得说！最喜欢这段：一件艺术品只要而且首先要求它是“美”的就行了，“美”已经是崇高的、足够的了。美感所引起我们的情绪，无疑地是健全的、无功利观念的、宽宏的，能够感应高贵的情操与崇高的思想，道德不应凌驾于艺术之上

二十讲，作者顺着文艺复兴的意大利为干，为我们讲述乔托（圣方济各，历史画的选择的时刻和动作），多那太罗（美与丑），波提利契（妩媚），达芬奇（科学透视），米开朗琪罗（命运），拉斐尔（天才），贝尔尼尼（巴洛克），伦勃朗（小幅，刻版画），鲁本斯（色彩），委拉斯凯兹（色彩），普桑（严肃素描，思想与造型），格勒兹（舞台剧），雷诺兹与庚斯博罗（肖像，风景，规律技巧与自然艺术），卢梭与柯罗（浪漫风景画），一个一个，耸立云霄。 传记般从历史背景到人物性格转变，进而倾诉手法的改变，引人入胜。摸索试探，验证和进化。他们本身就是阶梯，一步一步走向艺术真义，每个人物和他的创作都给我极大的震憾。 书里也有很多鉴赏画的知识，明暗，体积，素描，线条，皱褶，动作，时刻，体，皱褶后的力量，色彩的和谐，和声，交响乐，人物的悲哀，风景，热情，教化感化，美……领悟藏在线条颜色后的思想。 背景 宗教  和谐 线条色彩结构细节 画面中心 隐藏思想 艺术相通

跟着傅雷先生来了一场视觉盛宴！当初看到这本书眼睛为之一亮的其实不是傅雷，是封皮上伦勃朗的那幅大型的、世界闻名的《夜巡》。伦勃朗是凡高最喜爱的画家，我爱屋及乌也就跟着喜欢。没想到从最初的了解便一发不可收拾的钟情《夜巡》这幅画了，听为《夜巡》创作的音乐，看《夜巡》的电影。可见伦勃朗的地位和这幅画的不凡。 伦勃朗的作品以黑白为色调，阴影与光明为手法。每幅作品都饱含着深刻的思想和强有力的语言。傅雷说：“一幅好的画作，如同一本好的读物。”说他不仅是一位伟大的画家，还是一个具有伟大情操的诗人。 提起意大利文艺复兴时期的绘画，就不能不提翡冷翠，现译为“佛罗伦萨”，FLORENCE，在意大利语中意为“鲜花之城”。世界文艺复兴之都，艺坛“三杰”的达芬奇、米开朗基罗和拉斐尔，在1506年聚会于此，成为艺术历史上的千古美谈。 欣赏这本书时已经写了不少自己的感思，书评当然是满星，这里就不再多赘述了，就此搁笔，急于奔赴于大自然之中。

“美”已经是崇高的、足够的了。美感所引起我们的情绪，无疑地是健全的、无功利观念的、宽宏的，能够感应高贵的情操与崇高的思想的。但前人们只要求艺术品以一种怜悯的或轻蔑的共通情绪时，那必然要把艺术品变成道德的忠仆。

欣赏艺术离不开对艺术家和作品背景知识的了解。艺术不仅在于形式价值，即给人感官上的愉悦和画面的和谐表达，还在于让人进一步产生心理上的价值感，以抵达更丰富的内心世界。再者，精神层面的广度和深度及隐含在作品背后的普遍意义，则决定了作品的艺术价值，因为艺术的最高目标并不是艺术本身，而是“表现”—或心灵的意境，或伟大的思想，或人类热情的使命。像约翰·罗斯金曾经说的，“艺术是人类本性的赞歌” ，伟大的作品，不仅要刺激你的视觉，且更呼唤你的灵魂。 傅雷先生的《世界美术名作二十讲》，一本艺术入门书籍，围绕西方文艺复兴以来近二十位美术家及其名作展开，尽管画册的图片永远不能代替身临其境的感观，但在先生融汇历史、哲学、社会、音乐等方面深入浅出的解读下，无论作品还是画家都愈加丰满立体，令人印象深刻。 Giotto乔托是最早以人体解剖学和空间的透视法来处理绘画的先行者，构图单纯、简洁，其作品具有单纯严肃之美，现代美术史家贝伦森曾谓：“绘画自有热情地流露、生命地自白与神明地皈依者，自乔托始”。正如傅雷先生所道，“他简洁的手法，无猜的心情，最足表现圣方济各教义的纯真朴素的爱的宗教”，乔托画了大量有血有肉的宗教故事，角度独特得叫让人过目不忘。 在佛罗伦萨见过Botticelli波提切利真迹《春》，其作品有种粉粉的温柔色调，像藏在空山灵雨的一团仙气，甚是好看。他笔下的春神、花神、维纳斯、圣母、天使，长发飘拂撩人，裙纱涟波荡漾，形体上是妩媚婀娜的，但在精神上却蒙着一层惘然的哀愁…坊间传闻他是一位痴情郎，一生未娶，也许是因为香消玉殒的佳人活在笔下，因此香薰般浓郁的哀伤也如影随形，投射在油画中的每个女子里。 家喻户晓的Da Vinci达·芬奇，是“知道许多秘密”的学霸，俗称“别人家的孩子”。他是精细的科学家，是热爱生物的诗人，还是一位喜爱用极薄的颜料反复来回涂涂抹抹然后自成一派的朦胧画家。他的画作充满一种“销魂”的魔力—“一种莫名的哀娇，把我摄向你”—这在他举世著名的画作《蒙娜丽莎》中尤为突出。曾在华盛顿国家美术馆看过他的其他作品，想来这位天才画家对雄雌难辨似笑非笑的古铜色面孔应有某种偏爱。 Raphael拉斐尔，无疑温婉、大方、雍容、典雅的“圣母”题材爱好者，坚信“统辖一切而最持久的印象，是一种天国仙界中的平和与安静”，所有的细微之处都有这印象存在，氛围中，风景中，平静的脸容与姿态中，把我们的想象摄引到另外一个境界，“远离现实的天地，到一个为人类的热情所骚扰不及的世界”。 Rembrandt伦勃朗的一件作品，似一部常为读者翻阅的书，因为人们永远不能完全读完它。其光影之使用已到达神乎其技的地步，魔术般的明暗处理构成强烈的戏剧性色彩，画里的景色似乎包裹在神秘的气氛之中，让人不禁联想到罗丹所说的话：“运用阴暗即是使你的思想活跃。”那一束束电筒式琥珀色之光是他的信仰之朝向，代表光明和希望，连艺术家丹纳都说：“希腊罗马人只看到人和人生的最高最挺拔的枝条，而伦勃朗看到的是地底下的根株”。在光火中，地底也有天堂的颜色—尽管这是一线微弱的曙光—对于如苦役一般身陷悲哀的工作和破产中的伦勃朗，这份信仰与慰籍实在太宝贵。 Michelangelo米开朗琪罗所处的时代是一般人提倡古学极盛的时代，这种风尚使当时的艺术家或人文主义者相信“人体是最好的艺术材料，一切的美都涵蓄在内”，于是他把这种理论推到极端，尽管他的一生，全是痛苦的故事…大概是要借助艺术来抒发郁闷愤恨以表达对抗命运的不屈不挠精神，其塑造作品时是手起刀下间的快、准、狠，画风线条充满肌肉之阳刚美，连女性的乳房都是硬邦邦的肌肉疙瘩，真是气势磅礴到至死方休。 Rubens鲁本斯，典型的巴洛克艺术形式画法，他是史诗中的断片，一幕伟大的景色，庄严的场面，富丽的色彩使全画发出炫目的光辉和生命的饱满。作品中的颜色种类很少，全部艺术只在于运用色彩的巧妙方法上。傅雷先生用音乐比喻得相当妙: “主要性格可以有变化，或是轻快，或是狂放，或是悲郁的曲调，或是凯旋的拍子，但工具是不变的，音色亦不变的。因为他的气质迫使他在一切题材中发挥热狂，故他的热色几乎永远成为他的作品中的主要基调。” 还有十八世纪，在欧洲尤其在法国是有名的一个颓废堕落的时代，大众对着日趋崩溃的贵族阶级已不胜憎恶，而过于发达的主智论也令人厌倦，人们只深切地希求脱离沙龙，脱离都市，不再要吟味灵智的谈话与矫揉造作的礼仪。大家想到田野去和乡人接触，吸收些清新质朴的空气，以休养这过于紧张的神经。即是达官贵人，亦有从凡尔赛宫出来，穿着便服去巡视他们的食邑，王公卿相的女儿也学奏提琴，为的要和乡人共舞。盛极一时的特里阿农（Trianon）乡村节庆即是领袖阶级恣意纵情的例证。此时Diderot狄德罗，Greuze格勒兹等各种讽刺题材画作是宗教圣母类作品中的清流。 另，傅雷先生为此书写的自序，无论文笔还是姿态都是极好的。

达芬奇的深，米开朗基罗的力，拉斐尔的明媚，伦勃朗的光暗，鲁本斯的色彩...伟大的画家，能够画出灵魂里的火。然而，只有真正懂得这些画的人，才知道怎么去那儿取暖。而那些杰出的艺术评论家，是给火添柴的人，他们能导引路过的人去靠近这些伟大的艺术，在火边坐下来，取暖。