中国绘画史

先生在百年前那个文化动荡的时代里，对传统艺术的坚守与开放。他既肯定文人画的精神内核，也不排斥西方绘画的可取之处，主张“舍我之短，采人之长”。这种不偏不倚的态度，在今天看来依然珍贵：我们不必在“守旧”与“全盘西化”之间摇摆，真正的文化自信，从来都是扎根传统，又能拥抱变化。

看了这么久的西方艺术史，终于鼓起勇气看《中国艺术史》，没成想一点进来这文言文一下给我整不会了。也可能是近期精神状况有点紧绷，导致有阅读能力持续下降，不太看得明白，读完之后没什么概念。索性就先放在一边不去想了。等到又开了一本《国画的细节》才发现本书作者陈师曾竟是齐白石老先生的指路人。 总的来说，这本《中国艺术史》适合先看一些基础入门的艺术史读物（例如《国画的细节》）再读可能体验会好很多，一来是半文半白形式的天然阅读障碍，二来是编撰虽按照朝代更替一路下来，但是其中没有结合一些名作具体分析，视野宏大，名家名作信手拈来，一下就是好长一串，虽然都是课本上曾经学过的名字，那也是很久以前的模糊印象了，让人读起来有些无所适从。至于配图，好像所有艺术类书籍我都会聊到配图的事，毕竟整个文字就是建立在这些作品上的，这本书的配图我还是希望多一些，至少现在我是远远看不够的。而且中国的绘画发展，特点藏得太深，真的需要一定的门槛才能看出道道来，不像西方一种技术的出现，对于画面的呈现天差地别。 当然，在刚开始读的时候，还是感受到不少亲切感的，一来是唤醒了尘封多年的历史知识，二来，也是从古代的绘画中切实感受到了全世界的大师在不同时间不同地点，竟有着惊人相似的表现形式和内心百态。比如说开篇战国和汉代的壁画，竟和古埃及壁画、古希腊红绘和黑绘惊人地相似，战国帛画、汉画像石与古埃及壁画、古希腊瓶画在造型逻辑上的相似，本质上是人类在前透视时代共同的视觉语言：平面化、轮廓化、以叙事和符号功能为先。那一刻真的感受到了人类对于美的表达跨越了时空。这种 "跨越时空的共鸣" 其实很能打破一种误区——好像中国绘画从一开始就走了一条完全异质的路。事实上，中西真正分道扬镳，是在文艺复兴建立线性透视之后；而在此之前，各文明的绘画共享着很多朴素的表达法则。 如今已经读过了《国画的细节》，再回过头来看，作者的丰厚的底蕴就忽然透出来了。言语之间将各朝代绘画风格凝练成几段文字，融入历史长河中。历经国家争乱、政治颓靡，文人画师寄之以情，乃得佳作互为信物。咱们中国自古以来讲究一个意会的留白，对于绘画则更是讳莫如深，看懂了才能成为知己，所以很多美都讲究一个藏字，得慢慢去挖掘出来。对于技法，反而没有过于深究，因此其技术技法的演变，明显是不如西方绘画那么线性的，需要更多的精力仔细地研究，这就对观看者设了一道门槛——中国绘画很多长卷，得是一点点展开看，像是在画中遨游，一步一景。随朝代更替出现题跋后，还须再研读题跋，收藏家也会将自己的题跋又接在后面，仿佛跨越了时空共同创作，又生趣味。这条时间的河流，后人不断往里注入自己的理解和情感，这是西方艺术体系里几乎没有的传统。不过将自己摆到作画的年代，走进画家的内心，这点倒是中西方艺术鉴赏的共同要领。 当然，古今中外，艺术都是从权力的土壤中生长的，无一例外，咱们中国的绘画，也是带有强烈的功能性和目的性的，多是为了帝王权力的教化。甚至内容也是异曲同工，西方总是把王公贵族画在圣经故事中，咱们中国画也是经常帝王在一片大好河山中和天上的神仙谈笑风生。不过在统一的政权中，咱们中国的画家，不像西方那样，仕途失意了可以跳槽去别的国家找机会，落榜文人们只能转而开始深入内心，不得不进入超然物外的豁达，遂主动抛弃了权力中心的宫廷画，开启了文人画的先河，一代又一代的文人接过画笔，遂蓬勃发展，甚至长久以来占据了中国绘画的主流。要知道在西方，可是到18、19世纪浪漫主义、印象派兴起后，艺术家们才慢慢开始真正深入自我意识中进行创作的。我想这也是为什么毕加索会对张大千说在欧美看不到艺术，在中国才有真正的艺术吧，毕竟这是自王维开创文人画起，就一直在积累的底蕴了。

脉络清晰，简略但不简单。文言文述说。自陈师曾的《中国绘画史》开始，中国绘画史才有了一个清晰的脉络，他把中国传统绘画的统系梳理得非常清楚。 陈师曾 又名衡恪，号朽道人、槐堂，江西义宁人（今江西省修水县），美术家、艺术教育家。清代湖南巡抚陈宝箴之孙，著名诗人陈三立之子，史学家陈寅恪的兄长。陈师曾善诗文、书法，尤长于绘画、篆刻。著作有《中国绘画史》《染仓室印集》《陈师曾先生遗墨》《陈师曾先生遗诗》等。  有近400幅高清传世名画局部放大，展现名画细部，让我真正看清中国绘画的线条、色彩、构图、意境之美

陈师曾以"三代之绘画"为起点，将中国绘画史划分为上古，中古，近世三大阶段。从伏羲画卦的文明曙光，到汉墓壁画的气象万千；从顾恺之"春蚕吐丝"的线描绝技，到吴道子"吴带当风"的飘逸神韵，作者以时间为经，流派为纬，编织出清晰的学术框架。特别在论述文人画时，他突破传统偏见，指出"画中带有文学性质，含有文人趣味"，为后世重新认识水墨画的价值奠定理论基础。 书中对技术演进的关注尤为独到。从三代青铜器的饕餮纹饰，到六朝卷轴画的装裱工艺；从唐代绢本的细腻质地，到宋代宣纸的发明应用，这些看似细微的考据，实则揭示了材料革新如何推动艺术突破。正如作者所言："工具之改良，与社会之进步，实相辅而成。"

子昂论画诗：“石如飞白木如籀，写竹还须八法通。若也有人能会此，须知书画本来同。”说了书画同源！但此绘画史自图画文字分离成画和字开始，直至清代的绘画的演进和流派，以及代表人物、代表作和绘画特点和风格！真所谓，一篇看尽中国画！

本书把中国绘画史分上古史（三代--隋）中古史（唐--元）、近世史（明--清）三大编。顺应大历史时间发展顺序，随着世代变迁、人文变化、地理增减、条理清晰，总结到位。 声名文物、风俗习惯，因地势而生差别，书画亦然。而山水画在人物花后才开始发展，最初不是为人物的背景，逐渐才独立成山水画。 而花鸟画发展于五代末期，到宋朝才大成。到明代的时候墨竹、墨梅特别多。 思想的变迁，对于美术的盛衰影响也是巨大且不可抗拒的。绘画最终还是要原于实用的。

这不仅仅是一本美术史教材，更是一把钥匙。它为你打开了一扇门，门后是中国人数千年来观察世界、表达内心的独特方式。 读之，你能感受到顾恺之的“传神”，也能理解八大山人的“孤傲”。 在图像泛滥的今天，回归这本经典，或许能帮你重新找回那份专注凝视一幅画、与古人精神对话的宁静与深度。

作者陈师曾，又名衡恪，国学大师陈寅恪的哥哥，鲁迅和李叔同的朋友，齐白石衰年变法的推动者，丰子恺漫画风格的启蒙人。只可惜1923年英年早逝，彼时不过47岁。吴昌硕题词“朽者不朽”，是对陈师曾艺术成就的绝好评价。他的绘画始终坚持“固本求新”，并将人品、学问、才情和思想融入其中。在1921年发表的《文人画之价值》一文中，陈师曾主张“纯任天真，不假修饰，正足以发挥个性，振起独立之精神”。其弟陈寅恪1929年题王国维碑铭时有“独立之精神，自由之思想”一句，甫一问世便成为国之强音，原来此句承继的是兄长之志。此书虽是教材改编而成，但博古通今，线条流畅，对理解中国画之风格流派大有助益。

我不太推荐这本书。完全是堆砌材料，列举一些人名、生平、言论，点出他的师法对象，最后对风格做一个泛泛的概括就了事了；既没有艺术鉴赏，也没有潮流剖析。看了第一编的前五章，又扫了一下宋代的章节，实在不想再看了。 我想骂那些打好评的人，这些人应该为我浪费掉的时间负责。但凡你还有点求知欲，但凡你是真的想理解中国艺术，也该明白这本书毫无价值；但凡你翻开过一本像样的艺术史著作，也该知道眼前这本书完全脱离当代的写作范式，难以提升眼界、拓充知识。只有不饿的人才会觉得水能充饥。 预备看一下《中国艺术》和《中国艺术史》，希望有用。

从秦汉的壁画石刻开始，到六朝顾恺之的人物、谢赫的“六法”，再到唐代吴道子“吴带当风”、王维的水墨画——原来古人画画也一直在“进化”。 绘画不只是画画，更是一部中国人审美变迁史。想看懂国画的门道，这本书是很好的领路人。