霍克尼论摄影（增订本）

霍克尼是我2025最喜欢的艺术家。去看了closer，bigger的展，最开始是被他的积极、八十多岁还在画画吸引。那句spring can not be canceled，you just need to look. 让人感动不已。纯粹积极的作画，是多有趣。 接着被他的观点吸引，他不认可单一点透视，而喜欢中国的多点透视，不从一个点去看世界，而是去感受和游走在画里。 对我这个艺术盲来说是个全新的观点，打开了看世界的眼。 再为人钦佩的是他的学习。他的观点在一直进步，他一直拥抱新世界。从对摄影的不认可，到尝试摄影拼接创作，去改变摄影，打开从新角度看照片。再到拥抱新媒介，利用ipad作画。再到将自己的画做成动画，结合沉浸式观展。90岁的老爷子还在学习，还在更新。 这本书记录了很多他观点的变化，也可以看到他70-90年代的观点，放在今天依旧不过时。 也是从霍克尼开始了解毕加索，这位在摄影出现后，开始思考用画来表现时间和空间的大家。 艺术，很有趣！

再次感叹一下，买外国作者的书，除了中文标题还要看英文的，要不然容易被坑。霍克尼论摄影，英文原文是Hockey On Art，所以，这本书实际上跟摄影技术没有太大关系。甚至，他是要批判传统摄影方式的。但是这位艺术家的视角很有意思，他参考了毕加索和中国古代的卷轴画形式，采用了没有固定透视视角的方法进行自己的绘画和摄影创作。 整本书采用对话采访纪实的方式，表达了艺术家对透视法真实性的质疑，以及自己十几年来创作的背景和新路历程，说的最多的还是他的拼贴照片作品，和组合式的大画面画。在看这本书之前，我从没有想过从这个角度考虑照片和绘画，甚至画画时还要努力遵循透视原则。虽然他说的不一定就是我们能感受到的真实，但这个视角非常新颖，且想起老祖宗的作画方式，更觉得这是适合中国宝宝体质的理念哈哈哈哈。他所说的眼神跟着画面移动去感受每个方向的风景或物体，确实是有一点意思的，不过这种创作的最佳欣赏角度恐怕是会要求画幅一定大小，能有足够的空间让我们在中间“移动”才好。

读到最后几篇对话心里一直犯嘀咕，明明是《霍克尼论摄影》，怎么后面部分聊的都是绘画、视觉艺术等话题。直至看了出版说明，才知道本书是1988年出版的《霍克尼论摄影》一书于1999年发行的增订本，书名本该为《霍克尼论艺术》。 霍克尼1937年生于英国生于布拉德福德，就读于皇家艺术学院。他是画家、摄影家，同时也是一位蚀刻家、制图员和设计师，他是当代国际画坛最具影响力的大师之一，是艺术圈中著名的艺术大师。他的艺术生涯横跨了多个领域，包括从拼贴摄影到歌剧舞台设计，从用传真机制作画作，到深入研究艺术史上的古典名家如何利用光学仪器（显像描绘器）进行创作。霍克尼是一个善于学习、敢于突破的艺术大师。他的作品也几乎包括所有可以使用到的媒材，包括油画、水彩、摄影、印刷版画，并一直使用时代最前沿的科技参与创作，包括传真机、激光影印机、计算机，以及近年来使用的视频、iPhone手机、iPad等设备。 在《霍克尼论摄影》书中，作者主要阐述了他对摄影的理解、运用和批判，以及影像、绘画艺术种种。霍克尼在讨论摄影时，是以摄影的语言批判摄影，用绘画的方式反思照片。他的大多数摄影实践是以摄影的手段完成了绘画艺术创作，相机是他的画笔，照片是一个个色块。《繁梨花公路》是他的摄影代表作。这幅由800多张照片“拼贴”成的作品与其说是摄影作品，实际上更像是一幅绘画。霍克尼服膺于毕加索的立体主义风格，并高度赞赏中国画散点透视的技法，大力抨击文艺复兴以来西方绘画及摄影使用的单点透视技术。他认为单点透视呈现出的时间是瞬态的、空间是极为局限的，单一焦点使人的注意力聚焦在一点，造成的观看行为是静态的和有距离感的。采用单点透视描绘或拍摄出来的画面是不真实的。我们只能忠实于我们所看到的，才能创造出更为不同的、更有新意的图像来描绘这个世界。因此他用立体主义拼贴来突破这一局限，将不同焦点拍摄的照片拼贴在一起，把时间层层重叠在一起，从而让画面不再是平面的，极大地丰富了画面的空间和时间，增强了观看行为亲临感和动态感。 从历史角度看，摄影存在的时间并不长，摄影能否被称为艺术一度成为人们争论的焦点。摄影的出现无疑对绘画产生了影响，尤其是在描绘事物的真实性方面存在广泛的讨论。在霍克尼的艺术创作生涯中，摄影与绘画是相互影响并相互促进的，在绘画中体现摄影的镜头感，用摄影表达绘画的空间感。无论是摄影还是绘画，都是视觉艺术呈现的方式，相机和画笔颜料只是描绘作品的工具，方法不同，产生的作品不同，但都能够被用于创造出艺术之美。摄影未死，单点透视也不会亡，艺术创造需要技法也离不开技法，但更重要的是艺术家的审美力和创造性思维。

这本书收录了1982-1999十七年间的十七次对谈，从很多个维度探讨绘画和摄影的关系，话题广泛而略为零散。霍克尼真的是一个头脑清晰且表达能力超强的艺术家，不仅能创作，还能把创作的思路和过程生动描述，让读者能充分地去理解他的立体主义和拼接摄影。他说普通照片是由一个不动的独眼龙拍摄出来的，透视法是从一个中心点出发用一只眼睛去观看某个固定时间点的世界，所以它并不真实。他所开创的拼接照片中有很多个透视，就像东方多点透视的绘画，不同于单点透视抓住的只是瞬间，多点透视中蕴含着时间的流动。不同于大多数观点，霍克尼认为绘画提供的艺术体验要比摄影更为真实，因为绘画中的瞬间更为长久，使我们能感受到那一时刻。只有极少数偶得的真正的好照片看起来超越时间本身。他热爱毕加索，说他教会了他去看更多的东西，他还说中国卷轴画复杂而精彩绝伦使人身临其境，这让我联想到后来他在诺曼底创作的那些长长的画幅。就像对谈的作者评价的:霍克尼能够让不做艺术的人更清楚地看到这个世界。

霍克尼对于摄影、绘画的见解独到前卫，尤其是关于立体主义、透视法、拼接照片的讨论，有很多精彩的观点，也为我们理解现代摄影提供了重要的注脚。 “如果想要立体感，就得去除时间的流动感。” “立体主义为我们打开了一种超越想象的叙事可能 性。” “摄影不是一物的开始，而是一物的结束……” “摄影在本质上是纪实性的，原因正在于我们认为摄影是一种很好的纪实媒介。” 访谈录轻松易读性强，好友与霍克尼的生活互动融入其间，从中看到一个率性、浪漫、个性十足的先锋艺术家的创作态度，他的作品太有个人风采了。

1999年，《霍克尼论摄影》出版了增订本，书名改为《霍克尼论艺术》（Hockney on Art）。再增订本的第一次印刷时，霍克尼甚至还为书名’Art’一词加上了引号。在霍克尼看来，相机是对艺术家画板的扩充。但后来，他去掉了。摄影是艺术。理想国本次引进1999年的增订本，书名决定仍延续1988年初版的书名。

2026.15 非常适合听书的一本书，对话的形式像在听播客，霍克尼能时常跟朋友进行深层次的交流，是一件多么美好的事。 主观层面来说，能从作品里感受到创作者想表达的东西是溢出来，而不是绞尽脑汁的，我觉得是判断一件艺术作品好不好的标准之一。

几十年如一日的对抗着传统透视法的男人，毕加索是他的精神教父，立体主义是他的“生活方式”，永远在探索如何在他的画面上拓展时间与空间的维度，与此相比较，色彩，形式，光线本身反而没那么重要，而只是拓展二维平面的工具。 十五年的摄影图像实验虽然本身即是艺术创作，但对于霍克尼自己而言，其存在的意义可能更多的体现在拓宽绘画本体表现空间的方式。 艺术家对于当代视觉媒体有深深的反思，在这点上，他一定能与大卫柯南博格成为好朋友。 最后感动于霍克尼最原始的艺术创作动力，有如孩子般的纯碎可爱的视角，又如农夫般朴实无华的对自然的追随。所以他的东西总是以最直接的方式给人以喜悦，即便是一副ipad上随意涂抹的小画，也仿佛是一次微型的生命赞歌。遥想这个老头在第N次游览科罗拉大峡谷时，有意在风雪天租一辆敞篷吉普观白色雪花陨落于红色岩石上，多么的浪漫啊！

保罗·乔伊斯在1982-1999年间采访大卫·霍克尼的录音内容有没有做成播客？转录成文字的这本书，17个年头之间两个人在不同年代的对话，也能看到霍克尼在80年代热衷的东西，到后来他也不太关注了。霍克尼说他不喜欢广角镜头的视角，所以他创作拼贴照片。拼贴完成的照片与我们看世界的方式相似：聚焦于这里，然后是那里，而不是一次就能看到整个景色。霍克尼和乔伊斯在谈话中涵盖了很多内容，真想听听他们在不同年代交谈的声音。

买了纸质书，回来标记。在阿那亚看霍克尼互动展的时候还没有感知，以为这是一个善于用色彩，喜欢拼贴照片的老头。 看过也就忘了这件事，后来在书店买到了这本书，翻开一看原来是这个老头。 1. 透视是糟糕的 反而中国卷轴画是没有透视的 极好的 2. 我们知道往前走 哪些线不会消失在透视点 那这是不是也描绘了非事实？ 即使是照片 3. 毕加索是让人看到了三维 有正面 也有侧面 4. Hockney 的拼接画就是为了创造这个感官体验 走起来，移动起来 5. 不管是画还是照片，都在试图引导视线， 眼睛>人脸>人体>人体的抽象轮廓 而这是否也是记录了事实？ 6. 以上都指向了一个问题：摄影的本质是什么？ 7. Hockney 认为摄影的本质是纪实的，艺术家应该提前于大众进行思考