本真肖像摄影：克里斯·奥维格的人像摄影构思与拍摄深度解析

上一本关于肖像摄影的书，还是肖全的《我们这一代》。肖全拍得好，这是我以前就知道的事；但为什么好、好在哪里，我其实说不清。姜文、余华、三毛、窦唯、顾城……那些照片好像透过人的外表抓住了某种气息，但我只能用“有神韵”来形容。 《本真肖像摄影》算是把这件事往前拆了一步。它没有把肖像摄影只讲成镜头、光圈、快门和姿势，而是一直追问：你到底在拍什么？是一个人的脸，还是这个人经历过什么、相信什么、害怕什么，以及他在镜头前短暂露出来的那一点真实？ 这个问题对我不是纸上谈兵。前两周我去江边，偶遇一对姐妹，给她们拍了一组照片。天黑之前有几张还可以，天黑之后我对光线完全失去了控制，取景器和屏幕一片漆黑，只能大概感觉到构图，按下快门，闪光灯一亮，曝光倒是正常，失焦的也不少。过几天她们发朋友圈，把我的照片重新修了一下，脸变得很精致、很漂亮，但我看着还是觉得没什么意思。 漂亮和有意思，中间隔着的可能就是这本书反复说的“本真”。 肖像不是拍脸，是拍一个人奥维格开篇就把肖像和普通人物照分开了：最令人难忘的肖像，不只是让人看见一个人的长相，而是让人感到他的个性、氛围、情感、价值观和理想。它不一定完美，却应该简单、真实，有一点冲击力，能够把观者带到外表之下。 我很喜欢他的一句话：人第一，照片第二。看起来像一句正确但普通的口号，真放进拍摄现场，要求其实很高。你不能只把对方当作一个模特、一个客户、一个职业标签，不能因为对方是音乐家、运动员、艺术家或管理者，就预先替他安排一张“应该长什么样”的照片。标签只告诉你这个人做什么，不能告诉你这个人是谁。 这也是我重新理解肖全的入口。肖全拍摄时常常和被摄者聊天，聊天过程中漫不经心地按动快门。那种照片在技术上未必无可挑剔，背景可能乱，构图可能歪，人物也不一定摆得漂亮，可他抓到了一个人没有准备好表演的状态。所谓“真实不装”，很多时候不是摄影师有一双神眼，而是他先把关系做对了。 这张照片先抓住我的不是五官是否精致，而是眼神没有在努力配合镜头。那种随性，其实比标准的“美女姿势”更难摆出来。 奥维格把肖像称作一种观察的艺术，需要摄影师安静下来，听一个人通过面部、姿势和精神讲述自己的故事。我想到“所谓的展示人物内核”。现在回头看，这个“内核”不能理解成摄影师替别人下的最终结论。肖像只截取一个时刻，它可以很有力量，也可以带来误读。余华一张风雪里的照片，可能让人以为他是冷硬、严肃、桀骜的男人；但在访谈里，他又是一个随和、幽默、很会讲笑话的人。照片没有撒谎，它只是把人的某一面放大了。 所以，好的肖像不是把人解释完，而是让一个人变得更值得继续看。 相机一举起来，真实就躲起来了书里有个我很有共鸣的判断：相机对准某人的那一刻，对方的真实自我反而可能被遮住。相机吹起了自我意识的风，也扬起了自我认知的土，人的本来面目就迷失在尘雾里。 这就是肖像摄影的悖论。你想拍真实，对方却知道自己正在被拍，于是立刻开始管理自己的脸、手、身体和眼神。有人努力笑，有人故意严肃，有人突然变得僵硬，有人不断说“我不上镜”。表面上是摆姿势的问题，底下其实是安全感的问题。 安静、有力量的男人那张照片，让我想到一句话：“从表情、姿势和眼睛里就可以看出来。它如此清晰，但又隐藏着，除非你用正确的方式看照片。”这句话很像摄影，也很像和人相处。人的性格从来不是直接贴在脸上的说明书，它藏在停顿、眼神、身体微小的用力和放松里。 奥维格提到，拍摄肖恩时，两个人的聊天越来越深入，肖恩面对镜头的目光也越来越诚实。后来他坦白自己其实很紧张，结果对方也因此松动了一点。诚实换来诚实，这件事听起来有点朴素，甚至不太像摄影技巧，但它可能是人像摄影最难练的技巧。 摄影师如果自己端着、急着表现专业，或者心里只想着“我要拍出一张厉害的片子”，被摄者很快就会感觉到自己只是一个道具。摄影师先把自己放回一个真实的人，对方才有机会停止表演。 书里讲“光”时，也没有只讲光比、方向和色温。它还讲一种眼睛看不见的光：孩子拿到新自行车时的光，和久别的朋友重新联系时的光，一个面对死亡仍然向家人微笑的老人脸上的光。这种说法有一点哲学意味，我本来对“灵魂”“内心的光”这类词很警惕，但放在肖像摄影里，它至少指出了一个具体方向：摄影师要寻找的，不只是脸上的高光，而是人物状态里真正有生命力的东西。 我的光识别你的光。这个句子我划了线。它也意味着摄影师自己不能是一片黑。你没有好奇心，没有同理心，也没有真正看人的兴趣，却要求别人向你展示灵魂，多少有点强人所难。 引导才是人像摄影的核心技术以前说到人像摄影的“引导”，我想到的主要是让模特转身、抬下巴、把手放到哪里、眼睛看向哪里。读完这本书，我觉得引导至少有两层：表面的引导是让身体进入画面，深一层的引导是让一个人慢慢从自我防御里出来。 奥维格把引导说成摄影师与被摄主体沟通、联系和提供反馈的方式。他甚至把摄影师分成记者型、工匠型、推广者型和剧作家型。有人尽量少说话，等待现场自己发生；有人追求自然、真诚和精美；有人擅长把被摄者最好的一面调动出来；有人则像导演一样搭建场景。没有哪一种必然高级，关键是摄影师要知道自己在做什么。 我比较喜欢工匠型和记者型之间的那条路：不把现场控制得太死，但也不把一切交给运气。肖全和奥维格都让我看到，聊天并不是拍摄之外的废话，它本身就是构图、情绪和节奏的一部分。 书中有一个实用的“四步法”：提问、做动作、深呼吸和眼神交流。我当时写：“核心还是沟通交流。”提问是打开话题，做动作是让对方有事可做，深呼吸是让身体从紧张状态里慢下来，眼神交流则把两个人重新拉回现场。它不是一套保证出片的魔法，却能让拍摄不至于变成摄影师站在几米外喊口令。 做动作这一点我特别认同。摆姿势的主要目的之一，就是让被摄主体有事可做。很多人的僵硬，不是因为他不会摆姿，而是因为他不知道手该放在哪里，也不知道下一秒要发生什么。让他走几步、整理衣服、坐下、看向某个地方，甚至模仿摄影师自己的动作，身体有了任务，表演感反而会下降。 书里还讲到理查德·埃夫登的镜像行为：如果他想让对方跳起来，自己就先跳起来；有时他几乎不说话，只摆出一个姿势，等对方模仿。这让我想到一个很现实的场景：摄影师让模特“自然一点”，自己却站得像监考老师，模特怎么可能自然？你想得到什么状态，自己往往要先把那个状态给出来。 所以拍熟人比拍陌生人简单，拍E人比拍I人简单。这话有点粗，但拍摄中的确有这个倾向。熟人之间有既有信任，外向的人也更容易把状态表现出来。不过，真正的技术不是只挑好拍的人，而是面对不善表达、紧张、沉默甚至有些对抗的对象时，摄影师依然能保持平和，不把自己的焦虑甩给对方。 这也是我为什么会觉得这本书“真教核心技术”。它教的不是一句“多交流”，而是把交流拆成了动作、节奏、问题和反馈。 不要强迫一个人变得深刻我很喜欢书里对摆姿和情绪的态度。摆姿不是一门完美的科学，更像不断试错。你总会让被摄者摆出不好看的姿势，这时不要批评，也不要把失望写在脸上，可以说：“不错，这很有意思。现在让我们试试……” 这一段让我想到积极心理学。摄影师自己一旦露出“这张废了”的表情，对方就会马上认为是自己的问题，身体更紧，脸也更不自然。拍摄关系会从合作变成考试。 书里还说，强迫别人变得严肃和深刻没有用。一个人的不稳定、反常或过度搞怪，有时只是紧张的表现；让人冷静下来的办法，不是摆出更深沉的脸，而是摄影师自己也可以笨手笨脚一点，告诉对方这里不是一场对他外貌的审判。 我特别喜欢大笑的那张照片，但作者说他其实并不想要一个灿烂的笑容，而是想捕捉更宁静的感觉。这个例子让我意识到，摄影师的预设并不总是对的。拍摄中原本想要“深沉”，最后出现大笑，也可能是更准确的结果。人物不是为了配合摄影师的审美概念而存在的。 书里另一组对比照片里，人物从普通状态，到闭眼、深呼吸，再到重新看向镜头，变化非常明显。那一刻不是摄影师把人“拍深刻”了，而是他给了对方一个停顿的机会。真正的情绪不是命令出来的，最多只能被邀请出来。 这件事也适用于我自己。作为新手，我很容易因为想拍一张“有故事的照片”，反过来把人拍得不自然。让别人严肃、低头、闭眼，不等于就有情绪；背景、姿势和后期都可以制造氛围，但没有交流，深刻很容易变成摆拍。 技术当然重要，灵魂不能替你解决失焦读到这里，千万别误会作者是在说技术不重要。书里用了很大篇幅讲镜头、曝光、自然光、对焦、摆姿和构图。它只是把顺序调整了：技术是为了让表达成立，而不是用技术掩盖没有表达。 我那次江边拍姐妹，最直接的教训就是光线和对焦不会因为我有一点“想拍出灵魂”的愿望就自动变好。天黑以后取景器一片漆黑，闪光灯虽然把曝光救回来，失焦却救不回来。人像摄影的内核再重要，也不能替你完成基本功。 书中关于自然光的内容，对我这种还在摸索的摄影新手比较有用。作者偏爱自然光，强调观察光线如何落在脸上、背景怎样影响主体，建议选择光圈优先模式。他还讲开放式遮阴处的后期：增加曝光和阴影，调整色温，提高对比度和清晰度，再微调颜色。我把这条划线下来，因为它很接地气：后期不是把照片修成另一个人，而是把现场本来就存在、但相机没有完整记录下来的光线和气氛找回来。 构图部分也让我重新看待“表达”。照片被四条不能弯曲的边框围住，所以摄影不是无边界地跳出框架，而是在框架里作决定。一幅关于人的照片，如果没有设计意图，只是一张照片；要成为肖像，就少不了摄影师的选择、参与和行动。 书里给出的五个构图原则，我最后记住了三个：画面要干净，主体在画面中的比例要合适，照片要有可以被感知的观点。剩下的摄影禁忌也很实用：背景不要冒出奇怪的杆子和标志，不要让电线、栅栏之类抢走注意力，不要在脚踝、膝盖、手腕、肘部这些关节处生硬裁切。 那几张照片的对比很明显，越靠近，主体越清晰。但作者马上又提醒，有些时候靠近并不好。摄影没有一个永远有效的按钮，靠近、退后、换角度、调整背景，都要服从这张照片想表达的东西。构图不是清单打勾，而是不断取舍。 从《我们这一代》回头看“本真”读完《本真肖像摄影》，我才稍微看懂一点肖全为什么厉害。他不是只把人拍得好看，而是把自己和被摄者之间的关系也拍进去了。《我们这一代》里很多照片的意义，来自肖全和那些人的相识、交谈、同行与信任。人物没有被处理成广告海报，而像是在某个真实的时间里，暂时把自己交给了镜头。 这和《写真的话》里的荒木经惟形成了很有意思的对照。荒木把自己的生活、欲望、婚姻、病痛和死亡全部带进照片，我却经常觉得他只是拍到了，没有拍出美感。《本真肖像摄影》让我更清楚地说出这种差异：真实不等于不选择，坦诚也不等于不构图。肖像既要尊重人物，也要经过摄影师的组织。拍摄者的感情可以进入画面，但不能让照片只剩下拍摄者自己的冲动。 我想到《看见情绪价值》里讲过的一点：自己的情绪要先充盈到一定程度，才有能力接住别人的情绪。人像摄影也差不多。摄影师如果自己急躁、虚张声势、过度在意“作品感”，就很难让别人放松下来。厉害的肖像摄影师，可能不是最会说漂亮话的人，而是平和、温润，能让别人觉得自己没有被窥视，也没有被评判。 从这个角度看，摄影师的内在修养并不是额外的道德要求，而是拍摄工具的一部分。相机、镜头、光线是器材，提问、镜像、深呼吸和反馈是术，好奇心、同理心和尊重是法，而摄影师怎样看待人，才是最上面的道。用我习惯的“道、法、术、器”去分，这本书其实是先讲道，再讲法和术，最后才落到器材。它不满足于告诉你怎么拍，而是先问你为什么这样看人。 看完以后，我还是一个新手看完之后，我立即技术大进，成为人像高手了吗？当然不行。我的对焦、测光、构图、摆姿和后期都还得练，尤其是光线。那次江边拍摄之后，我对“拍得漂亮但没意思”有了更具体的感受，也知道问题不只是修图不够精致。 我以后拍人，能不能真的做到探索本真？也保证不了。作为新手，能先把外在美拍清楚，已经不错了。探索一个人的内核，不是喊一句“自然一点”就能完成的，需要持续观察，也需要真的愿意和对方相处。更现实一点说，如果我自己还没有足够的耐心和稳定感，却要求被摄者在镜头前敞开，基本是在为难别人。 但我确实学会了一件很具体的事：拍人之前，先别急着按快门，也别急着发号施令。可以问一个好问题，可以先做一个动作，可以一起深呼吸，可以让对方知道我也有点紧张。拍摄过程中不要强迫别人严肃，不要因为一个姿势不好看就沮丧，更不要只盯着屏幕里的脸，忘了镜头前是一个人。 照片最后还是要回到技术。我要继续练自然光，练在天黑前完成拍摄，练对焦，练构图，也练后期怎样为表达服务。摄影师要做的不是每次都捕捉到所谓灵魂，而是在一次次见面和失败里，慢慢学会看见。 这本书没有让我立刻拍出好的人像，但它把问题问得更准确了：我按下快门时，眼前究竟是一个“好看的对象”，还是一个值得我认真对待的人？这个问题暂时还没有标准答案。先把下次照片拍清楚，再争取拍出一点“这个人”。

The author‘s ideas are very creative. He likes to shoot characters with a large aperture, and he also recommends his favorite list of books about photography, which has benefited a lot from it.

本书不是重点讲摄影技术的 讲的是怎样拍好肖像的文化因素

“最令人难忘的肖像作品往往是简单、真实且具有冲击力的，它们体现的是个性、氛围、情感、价值观及理想，会唤醒我们的感官并使我们感知到某些意义。这些作品不浮于表层，而是具有深层含义，会提醒我们活着的意义。简而言之，它们是本真且实在的。” ——克里斯·奥维格《本真肖像摄影》

这是一本关于方法论的书籍。可以在深层次对你有启发性。图文并茂，见解深刻。好书。

受益匪浅，作者根据自己的拍摄经历，详细的记录了一路走来的心路历程，深入浅出的告诉读者拍摄肖像照会遇到的问题以及他自己如何应对和解决的。非常的实用，对我这个摄影爱好者来说帮助很大。

看了几页，并认为很有价值！决定好好看进去。有些情况真的是:摄影不在于摄影本身，而在于摄影之外的因素！例如:做人、做事、风格、偏好等等

Growth comes from doubts and explanations.

真诚奉献，干货满满的摄影书，精炼没废话，启发多多。