好照片在哪里：跟李少白学摄影

为什么是李少白这篇是我的第二本摄影书读书笔记了。上一本读的是范朝亮的《理性的灵动：大自然的摄影语言》，那本偏风光摄影哲学，读完后劲挺大，连续四天忍不住出门拍照。这次读的是李少白和何星合著的《好照片在哪里：跟李少白学摄影》，化学工业出版社2016年出版，风格完全不一样。 为什么读这本书呢？因为李少白这个名字，在不止一本摄影入门书里被提到过。李少白，1942年生于重庆，毕业于北京邮电学院无线电技术专业——没错，学无线电的，半路出家搞摄影，40多岁辞职专攻故宫和长城题材，后来成了中国摄影家协会艺术委员会委员、中国国家地理签约摄影师，2003年还担任了央视百集纪录片《故宫》的唯一摄影师。这履历够硬的。刚好微信读书能找到他的书，就翻出来读了。 这本书的形式挺有意思，是何星和李少白的问答录，何问李答，34个专题。好处是读起来轻松，像听两个人聊天，不吃力；坏处是有点散碎，不太成体系，想回头找某个知识点的时候不太方便。而且说句实话，编辑有问题——好几处图文不对版，文字讲的是这张照片，底下放的却是另一张，读着读着就迷糊了。 不过瑕不掩瑜。这是我第二遍读了，很多点对我还是颇有影响。 好照片是走出来的如果让我从整本书里只挑一句话，那就是这句： 好照片不是拍出来的，而是走出来的。 这是这本书对我影响最大的一个点。 李少白解释了为什么"走"对摄影这么重要—— 第一，人在走动时视点会变化，视点变了视角就变，视角变了构图就变。在这种不断变化中，你才能比较和选择最好的角度。第二，摄影的根本特性是现场性，没有现场就没有摄影，越贴近现场感受越丰富。第三，走得越多，遇到意外惊喜的机会就越多，而意外的喜悦往往是最大的喜悦。第四，人一走动环境就变化，外在变化会引发内在反应，两者在某一瞬间碰撞，可能产生灵感。 读到这段的时候，我在旁边写了两个字："多走走"。 说起来，在读这本书之前，我觉得摄影的"快"主要是两个：眼快、手快。眼快是发现画面的能力，手快是抓拍的反应速度。但李少白让我意识到还有第三个——脚快。或者说，得勤快，得多走。 这个理念后来确实影响了我的拍摄习惯。以前到一个地方，我倾向于找个好位置蹲着拍，但现在会逼自己多走几步，换个角度看看。有时候就多走了十米，画面一下子就不一样了——前景多了一棵树，或者角度变了光影的层次感就出来了。 书里有一张照片，树干隐约像一张人脸，树下站着一位女士，恰好在"下巴"的位置，像一蓬美髯。这种照片靠蹲是蹲不出来的，只有走到那个角度，才能发现这种巧妙的视觉关系。 不过我得承认，在交通工具上拍照这件事，我至今没太开窍。李少白说他坐巴士、飞机、轮船、火车都带着相机，甚至逛商场进餐馆都尽可能带着。他还专门讲了火车上的拍摄技巧：选适合拍摄的座位，望向远处预留提前量，镜头紧贴玻璃避免反光，寻找稳定支撑克服颠簸。 我确实受他影响，在高铁上、飞机上、汽车上都尝试过拍摄。但高铁上真的不好拍——视角局限，速度太快，而且现在高铁的玻璃都有一层绿色的膜，拍出来色偏严重。至今没在高铁上拍出过很满意的照片。飞机上倒是偶尔有惊喜，尤其是起飞和降落的时候，城市的灯火或者云层之上的光线，有时候确实很美。李少白说他每次坐飞机都提前到机场，专门挑后几排靠窗、避开机翼遮挡的位置——这个我学到了，确实是个好办法。 之前读范朝亮的《理性的灵动》，他讲"预见与等待"——等不是苦等，是有预见的等，脑子里先有画面的雏形，然后等一道光、等一个人来完成这个画面。李少白的"走"和范朝亮的"等"，看起来是两个方向，其实是一回事的两面。走是为了找到那个最好的位置和角度，等是在那个位置上守候最好的时机。先走到位，再等到时——这才是完整的拍摄流程。 机不离身，先拍到再说李少白有个习惯：相机不离身。 不管去哪，吃饭、出行、出游，相机都带着。他说得很朴素： 只有相机不离手，才有机会抓拍到像《雪山与飞鸟》这样精彩的瞬间。 这让我想起一个比喻——就像一个剑客不会离开他的剑。李少白的"机不离身"，让他抓到了很多别人错失的画面。 当然，我们普通人做不到相机不离身。我的佳能EOS R100虽然够轻便了，但也不可能天天挂脖子上去通勤。好在现在手机摄影的能力越来越强了。我在书旁边写过一条："所以手机摄影也得练一点，手机携带更方便，现在性能也越来越好。" 手机不离身这件事，人人都能做到。关键是你得有那个意识——眼前这个画面值得拍。很多时候不是没有好画面，是你路过了但没注意到，或者注意到了但懒得掏手机。 书里还提到一个理念我很认同——先有再优。李少白拍《雪山与飞鸟》的时候，来不及精确构图，就迅速按下了快门。他说："不理想的构图可以通过后期剪裁得到改善。" 先拍到，再说好不好看的事。 这跟写代码有点像。我们做开发的时候常说"先跑通再优化"，MVP先上，迭代再说。摄影也是一样，那个瞬间稍纵即逝，你要是还在纠结构图对不对、参数准不准，黄花菜都凉了。 盲拍——好用但慎用 李少白还有个绝活：盲拍。就是眼睛完全脱离取景框，不构图或者盲目构图。 我读到这里的时候写了两条批注。一条是"这个纯看经验感觉运气了"——盲拍的成功率确实很依赖经验积累，对焦距、视角有足够的肌肉记忆，才能盲拍出能看的东西。另一条是"盲拍虽好，但感觉也要注意边界，拍摄陌生人确实容易引起纠纷"。 这几年街头摄影的争议挺多的。我看不少博主扫街的时候，直接走过去问路人"能不能拍"，这种坦荡的社牛方式其实挺好的。但盲拍本质上是偷拍，哪怕你的出发点是记录生活、捕捉瞬间，被拍的人不一定领情。所以盲拍这个技术，了解一下就好，实操的时候还是得注意分寸。 光线这门课，我还没及格这本书差不多有一半的篇幅在讲光线。顶光、顺光、侧光、逆光、弱光、混合光、月光、回光返照……李少白把各种光线条件拆开来，一个一个讲怎么拍。 坦白说，这是我目前最薄弱的环节。 日出、日落、蓝调时刻——这些我倒是能拍。做好构图，选好题材，等光来就行，常常能出不错的照片。五一在丽江雨后拍到了一个巨大的彩虹，还拍到了双彩虹，就是那种老天赏饭吃的时刻。但是顶光、弱光、阴天、雨天……这些我确实不太会。 阴天的郁闷 书里专门有一章叫"好照片在阴天里"。李少白说： 许多摄影爱好者遇到没有阳光的天气时，心情就会特别沮丧，甚至不愿意举起相机。 说的就是我。 阴天的光线是典型的散射光，没有方向，景物缺乏阴影，没有明暗对比，拍出来的画面容易显得很"平"。我在旁边批注："阴天没有光影，照片确实很平。" 想起去年走西北小环线，专门去了张掖的七彩丹霞。结果那天雾霾，灰蒙蒙的，七彩丹霞成了黑白丹霞。我的脸都快绿了。那种感觉真的很崩溃——千里迢迢跑过去，门票也买了，结果老天不给面子，你能怎么办？ 李少白说阴天也能拍好照片，关键是换思路。阴天散射光的优点是光线柔和均匀，适合拍一些不需要强烈明暗对比的题材，比如花卉特写、人像、古建筑的局部细节。道理我都懂，但书里给的几个阴天案例，说实话我看了觉得一般——故宫屋脊那张，还有少女与马那张，我都在旁边写了"没有太多感觉"。也许阴天出片真的需要更高的功力，目前我还到不了那个水平。 回光返照——蓝调时刻的魔法 李少白讲"回光返照"的那个章节，我很喜欢。其实就是我们说的蓝调时刻——日落之后、天完全黑下来之前的那段时间，天边残留着最后一点光。 书里那张《湖畔的马》确实美极了。日暮时分的呼伦贝尔草原，他以天际的光线为中灰值曝光，草原严重欠曝形成暗色块，牛羊人全部消失在黑暗中，画面只剩天空、湖水和草原三个色块——亮、黑、亮。三匹马的剪影映在湖水的亮色块上，牢牢吸住了视线。那三匹马是整张照片的点睛之笔。 我读到这里的时候写了一条批注："不对吧，摄影爱好者都会等蓝调时刻。"何星在书里的设定是"别人都走了只有您还留着"，但实际上现在玩摄影的人都知道要等蓝调，反而是蓝调时刻的机位最挤。不过李少白这本书写得比较早，也许那个年代确实很多人不知道。 弱光与夜景——和器材打架 弱光摄影这一章，我的共鸣特别强。因为我的相机——佳能EOS R100，网上被戏称为"工业垃圾"的入门微单——高感画质真的很拉。ISO稍微开高一点，噪点就铺天盖地。 李少白说他特别喜欢弱光摄影，喜欢在万家灯火的城市中夜拍，所以特别看重相机的高感性能。书里那几张夜景的参数我看了，ISO6400、ISO12800，画面噪点还控制得很好——他用的佳能5D系列，高感素质比我的R100不知道高到哪里去了。 有意思的是，李少白不太用三脚架。他说自己拍摄时喜欢多走多看，偏爱捕捉瞬间，所以不得不摆脱三脚架的束缚。但他也说"不要学我，三脚架其实是非常有用的拍摄利器"。 这就和我之前读范朝亮《理性的灵动》形成了有趣的对比。范朝亮主张风光摄影一定要用三脚架，他的很多作品用了包围曝光、景深合成这些技术，没三脚架根本做不了。两位老师风格截然不同：一个追求灵动和瞬间，一个追求精确和画质。都对，只是取舍不同。 我自己呢，三脚架是没有的，也不会用，嫌麻烦，而且用三脚架就意味着长曝光，不太适合拍动态的东西。去年拍过一次西湖的雨夜，结果啥也不是——技术和器材都不够。 逆光与顶光——换个思路就对了 逆光是我最喜欢的光线之一，虽然拍得不多。唯独拍花的时候，逆光特别漂亮，花瓣会变得晶莹透亮，像在发光一样。 李少白书里那张《燃烧的铁轨》我印象很深——铁轨在逆光下像在燃烧，形成引导线指向远去的火车。还有《暮色中练瑜伽的女子》，剪影在晚霞里，确实很有美感。 顶光这一章是全书最让我佩服的部分。顶光公认是最难拍的光线——一天之中最强硬、投影最短、造型能力最差。但李少白拍《仰望飞雪》的时候，钻到树下取低视点仰拍，顶光就变成了逆光，逆光让黄叶透明、白雪晶莹。这个思路太巧妙了——不是光线不好，是你没找到对的角度。 还有一个案例是故宫。正午顶光在宫殿上形成强反差、深阴影，配合天空中的斜云，隐喻故宫是一个明争暗斗、波谲云诡的地方。我觉得这张排的也很妙，这就是技术为表达服务了。不是为了拍而拍，而是光线刚好能传递你想说的东西。 顶光还有一个妙用——俯拍。李少白在飞机上俯拍西藏大地，顶光变成顺光，大地上的河流和沙漠没有影子干扰，形成了纯粹的色与形的抽象组合。这张我也很喜欢。 侧光和顺光的章节我就不展开了。简单说，侧光造型能力最强，适合表现质感和立体感，但对曝光要求高；顺光光线均匀，缺少阴影，容易显得平淡，但也有特殊的美感——书里那张《迎着阳光的少女》，顺光下显得很柔美。 还有一张顺光的照片我觉得很有意思。马路上，一群人正面迎着阳光走来，他们的影子却是逆向投射出去的——正面走向的人，被逆向而来的影子包围。画面有一种奇异的张力。 影子的艺术——剪影、投影、镜影、反光这本书花了好几个章节讲"影"——剪影、投影、镜影、反光，几乎把"影"字能玩出的花样全讲了一遍。 剪影 李少白对剪影的概括很精准： 剪影，顾名思义，是指物体的形象仿佛经过剪刀剪裁，形态清晰，轮廓鲜明，但缺乏影调，也没有细节，一般呈暗黑色。 我在旁边写了"皮影戏的原理"。没错，剪影本质上就是在亮背景衬托下的暗物体，视觉上像影子，所以叫剪影。 剪影的好处李少白列了五条，我觉得最核心的是前两条：一是没有影调和细节的干扰，观众的注意力会集中在主体的形状和轮廓上；二是画面会变得简洁精练。摄影很多时候难在做减法，而剪影天然就是减法。 年初在千岛湖，日出时分，我给一对情侣拍过剪影——两个人的轮廓映在橘红色的天空上，有两张还不错。其实拍剪影不难，关键是找到一个有表现力的轮廓。人物的姿态很重要，如果两个人站得板板正正像两根柱子，剪影也好看不到哪去。书里那张《雨夜中的情侣》，色调确实很漂亮，但我看了觉得如果这对情侣的姿态再有互动性一点就更好了。 还有一张我特别喜欢——《十面佛》。对称构图加框架构图，通过一个窗框，刚好把佛头的剪影框出来。这种构图的巧妙在于它是"发现"而不是"设计"，你得走到那个位置、那个角度，才能看见这个画面。 另一张是《宫墙》——宫墙斑驳，树影阑珊，左上角一点装饰让画面不太空，视线有了落脚点。这张的好在于"安静"，什么也没说，但什么都说了。 投影 "好照片在投影中"——这一章我的个人代入感很强。 上上周末加班，下午阳光正好，一道光影透过窗户投在桌面上，我用手机拍了一张。虽然算不上多好看，但也是苦中作乐。投影这个东西，生活中到处都是，关键是你有没有注意到它。 书里有张《冬天的阳光》，一把椅子的投影落在墙上。我看了写了一条："这张如果椅子上坐了一个人，那就更好了。"椅子是空的，影子是冷的，如果加上一个人，就有了"陪伴"或者"孤独"的叙事。但李少白可能追求的就是那种空旷感，见仁见智。 还有一张《投影为牢》——标题给这张照片加了很多分。画面里一个人站在地面上的投影格子里，如果没有这个标题，你可能觉得就是一个人站在光影里；但有了"投影为牢"四个字，整个画面的意味就不同了。 镜影与反光 去年冬天去故宫，我也尝试拍了一张镜影——门上的铜把手反射出太和殿的影像。不得不说是受了这本书的影响，但拍得不好看，反光太散了，不够清晰。 书里那张《牵手》我觉得很妙——既有剪影又有镜影，像是专为爱情电影拍的海报，但完全是抓拍的。还有《红唇与红指甲》，实的部分只留半张脸，重点放在镜子里的虚像上，这个构思很巧。 反光那一章，最让我有感觉的是《俯瞰金龙》——俯拍视角，光线带着金黄色打在水面上，很有冲击力。李少白讲了一个拍反光的曝光要点：如果要突出强烈的光感，让反光部分适当过曝；如果要强调反光区域的色彩，就尽可能不让反光过曝。这个我记下来了，以后拍水面反光的时候可以试试。 不过说到反光题材，我现在有点麻木了。我在上海陆家嘴"三件套"附近待太久了，玻璃幕墙、水面倒影这些东西见得太多，反而没什么拍摄欲望了。李少白在书里也提到这个问题——"摆脱熟悉的景物带给我的麻木感"。熟悉是美的敌人，这话没错。 天气不好？那更得拍这本书里让我特别佩服李少白的一点是：他对坏天气的态度。 坏天气是我的好朋友，狂风骤雨中，即使平常的风景也会变得格外令人触动。 他说这话的时候，是在大雨里冲出去拍照，连防雨工具都没带全。我在旁边写了一条："相机不会坏吗？"——确实是菜鸡关心的问题。 雪——最容易拍出好照片的天气 在所有坏天气里，雪大概是对摄影最友好的一种。 五一去云南丽江的玉龙雪山，在云杉坪突遇大雪。那天还有一些新人在拍婚纱照，漫天飞雪里穿着白纱和西装，画面感本身就很强。我冲进雪里，很激动地拍了很多。发到小红书，居然收获了2000+的赞。更奇妙的是，其中一个新娘后来找到了我，要了他们的照片。这段经历让我觉得摄影有时候不只是自己的事，它能连接人。 李少白说了一个很多人没注意到的点： 雪的颜色不一定是白色的。日出和日落时，雪会被阳光染成红色或金色；月光下，雪经常会呈现微蓝色；在各种灯光下，雪又会呈现出不同的颜色。 书里那张《雪原之晨》我专门写了很长的批注——雪丘柔和的曲线，顶部被染上了金黄的色调，没有被光照到的地方白中透着淡淡的蓝色，几蓬草恰好让画面不太单调，美得像画一样。这张照片完美诠释了"雪不是白色的"这个观点。 但雪夜就是另一回事了。去年北京下雪，我兴冲冲地跑去拍故宫角楼的雪夜。结果ISO设得太高，拍出来噪点巨大——那时候实在太菜了，也不知道要降ISO用慢门。李少白书里那张《角楼夜雪》，f/8、1/4s、ISO1600，参数控制得很好，画面干净又有氛围。差距啊。 雾——现实与梦幻之间 雾的那一章写得特别有诗意： 因为有了雾，不想看清楚的东西就看不清楚了，不想看见的东西也真的看不见了，剩下的可能只是你想看见或想看清楚的东西。然而这时，所谓的看见与看清的部分也不再是原来的模样，可能多了几分淡雅，多了些许朦胧，多了一丝陌生……在这多多少少之间，镜头中的雾景就可能与现实远了，与梦幻近了。 这段话我读了好几遍。雾的本质是做减法——它帮你遮住了不想要的元素，只留下你想要的。就像PS里的蒙版，但大自然帮你做了。 过年在老家，有天早上大雾弥漫，我兴奋地冲出门，跑到村头的一棵大银杏树下，正好看到两头牛在顶角。雾气笼罩着田野，银杏树的枝干在雾里若隐若现，两头牛的轮廓在雾中特别突出。我拍到了一张"二牛相斗图"，至今觉得是我拍过最满意的照片之一。 书里那张《雾中的十面佛》也让我觉得很神奇——佛像在雾中若隐若现，有种超越现实的庄严感。同一个十面佛，在"剪影"那章是一种拍法，在"雾"这章是另一种拍法，完全不同的感觉。说白了，摄影就是光线和天气给你什么牌，你就打什么牌。 雨和风 雨天拍照太难了，这个我真的没什么经验。相机怕水，手怕抖，镜头容易起雾，对焦也不好对。书里那张《夫妻共伞》倒是不错的人文纪实——雨中两个人共撑一把伞，画面里有种相依为命的感觉。 风呢，书里那张《有所思》我很喜欢——侧光打在模特头上，发丝被风吹起染上金黄的光晕，模特面带沉思。风在摄影里是个好帮手，它能让画面有动感，但也是个坏帮手——手持的时候风大了容易糊片。 镜头与构图——工具为表达服务书的后半部分讲镜头，按焦段分了广角、中焦、长焦三章。 广角的特点：视角广、景深大、强调前景、夸大透视。适合拍大场景，让画面有纵深感和冲击力。最近我特别爱看新疆摄影师李学亮老师的作品，他用大画幅胶片相机拍新疆风光，那种广袤和震撼是手机和普通相机很难比的。 中焦（大约50mm到85mm这个区间）是最接近人眼视角的焦段。李少白说中焦"叙事风格平和、自然，变形极小"，非常适合拍人像。我自己的经验是，半画幅机器挂个50mm定焦，等效大约80mm，拍人像刚刚好；全画幅用85mm定焦，那就是经典的人像焦段。 长焦的作用是压缩空间、虚化背景、把远处的东西"拉近"。书里那张《古韵之美》用的就是长焦——模特很漂亮，穿搭配色好，姿势舒服，构图也正，背景虚化得很干净。这张我给了很高的评价。 想起去年去故宫那次，遇到一个老法师，身上挂着两台相机，分别装了不同焦段的镜头。当时觉得这人也太夸张了，但读了这本书才理解——李少白说他在火车上拍富士山的时候，也是把24-105mm和100-400mm两支镜头分别装在两台机身上，随时切换。对于拍摄时机稍纵即逝的场景，换镜头的那几秒钟可能就错过了。 关于构图，李少白没有死扣什么三分法、黄金分割，而是更强调"让画面呼吸"——保留足够的空白和动感。这跟我之前读范朝亮的观点是一致的。范朝亮在《理性的灵动》里说"先学会让画面'稳'，再学会让画面'呼吸'"。规则要先学会，然后才能有意识地打破。不懂规则的"打破"那叫乱来。 还有一个点——预设题目。李少白建议拍摄前给自己预设一些可以发挥想象的题目，引导自己在拍摄时发散思路。比如今天就拍"对比"，或者就拍"红色的东西"。这个方法我觉得对初学者特别有用，比漫无目的地扫街效率高多了。 对比与情趣——照片会说话"好照片在对比中"和"好照片在情趣中"这两章，我放在一起说。 对比是摄影最常用的手法之一：大与小、新与旧、动与静、明与暗、冷与暖、时尚与传统……李少白列了一大串。书里那张《昔日与未来》，我看了忍不住吐槽——照片里女生的穿搭，当年可能觉得时尚，现在看比较土。时间本身也在给照片做对比。 我在浦东的梅园公园拍过一张今古同框——远处是陆家嘴的摩天大楼，近处是古典的梅园亭台。有点意思，但不多，这个角度被太多人拍过了。拍摄著名景点的时候，李少白也提醒"要多尝试不同的角度和构图，才能在表现特征风貌的同时又有所变化"。说白了，被拍烂的景点，拍得和别人一样也没什么意思。 情趣那一章的核心观点是：从纷乱的场景中提取最有趣的局部，化繁为简。书里有张《无题》，大面积的留白，只有一个小小的人影，留下了想象的空间。我之前读过的一本摄影入门书里说"摄影是减法的艺术"，和这个意思一样——好照片不是塞满画面的，而是留白的。 还有一个小章节叫"好照片在虚动中"，里面有句话我很喜欢： 摄影先求有，再求好。 跟前面"先拍到再说"是一脉相承的。先把东西拍下来，哪怕虚了、糊了，至少有。没拍到就什么都没有。 关于后期，我和李少白一样"懒"李少白有个特点：后期做得很少。 整本书几乎都在讲现场拍摄，偶尔提一嘴后期，也就是"统一色调、校正白平衡、局部提亮或压暗"这种基本操作。连二次曝光他都算是"高级技术"了。 这和范朝亮的风格差别很大。范朝亮会讲包围曝光、多张合成、景深合成，后期是他工作流的重要一环。两个人的作品风格也因此不同：李少白的照片更"原生"，带着现场的呼吸感；范朝亮的照片更"精致"，每一个像素都被精心处理过。 说实话，我后期也很弱。不是不想学，是真的懒，没时间调。 之前去香格里拉，有条街让我很触动——前景是汹涌的车流，道路尽头是一尊毛主席招手的雕塑，再远是皑皑雪山，天与山交界的地方是火红的晚霞。我当时心里一阵激动，可惜技术太差，测光测在了背景上，前景一片死黑。 其实那个场景如果用包围曝光，多张合成，甚至只是拿手机拍（手机自带HDR），都比我当时的操作强。这次失败让我意识到，后期不是"锦上添花"的可选项，有些场景没有后期技术的支撑，前期再怎么折腾也拿不到你想要的画面。 所以虽然李少白的"少后期"风格我很欣赏，但我不打算学他。他是大师，前期功力深厚到可以用原片说话；我是菜鸡，老老实实学点后期基本功才是正道。 这本书的几个遗憾第二遍读完，收获还是有的，但也得说说这本书的问题。 第一个是内容偏散。问答录的形式决定了它没有严格的知识体系，34个专题之间的逻辑关系比较松散。你想系统地学习某个方面的知识——比如曝光，得从好几个章节里东拼西凑。不像范朝亮的《理性的灵动》，虽然也不算教科书式的结构，但至少有一条从观念到技术到表达的主线。 第二个是编辑质量。这个我前面提过了，好几处文字讲的是A照片，底下放的却是B照片。比如讲《圆明园的焰火》那段文字底下放的根本不是那张照片。读着真的很出戏。作为一本出版物，这种低级错误不应该出现。 第三个是有些案例照片，我个人觉得一般。这纯属主观感受——比如阴天那几张故宫，我看了没什么感觉；还有一张不知道什么内容的照片，我当时写了"但这张没觉得好看"。当然李少白选这些照片肯定有他的考量，也许是为了说明"即使在不好的条件下也能拍"，但视觉上确实没有太打动我。 不过瑕不掩瑜。这本书的价值不在于每张照片都是佳作，而在于它传递的那些理念——好照片是走出来的，机不离身，先拍到再说，坏天气也是好素材……这些东西，光靠翻教科书学不来。 写在最后读完两本摄影书，加上大半年的实拍，我给自己的定位还是"摄影菜鸡"。偶尔能拍出一两张还不错的照片，大部分时候还是废片居多。 但我发现一个有趣的变化：读了这两本书之后，我看世界的方式确实不太一样了。 以前走在路上，看到什么就是什么——一棵树、一面墙、一个路灯。现在会下意识地去注意光影——这个时间段的光从哪个方向来，打在建筑上形成了什么样的明暗关系，地上的影子是什么形状。有时候在公司加班到很晚出来，看到路灯把树影投在地上，也会停下来看两眼。 范朝亮教给我的是"预见与等待"——先用脑子想画面，再等光来完成它。李少白教给我的是"走动与发现"——先迈开腿去找画面，好照片在路上等你。两个人的方法论不矛盾，甚至可以组合起来：走到一个好位置，预见一个好画面，然后等待那个决定性瞬间。 这中间还需要什么呢？练。大量地练。 李少白1942年出生，40多岁辞职去搞摄影，到出这本书的时候已经拍了三十多年。范朝亮也是几十年如一日地拍。这两位老师的功力背后，都是海量的快门次数和无数的失败经验。 我才刚开始，急什么呢。 上次读完范朝亮的书，我在结尾写了一句话："快门上万次，废片无数张。问我慌不慌，来日还方长。"现在依然适用。多学多拍，享受过程。好照片在哪里？在路上，在光里，在你愿意走出去、看到美、按下快门的那一刻。

当我翻开这本书看到插图的一刻，我就知道这本书和其他读过的摄影入门不一样，因为看一眼发现这跟我之前看过的照片不一样，很耐看，会让你思考，这光影，这构图，还有这个参数很怪。我一边阅读，一边和AI聊天，为什么它的参数是这样的，白天iso那么高，或者ev那么低，或者静态画面快门在1/500s，跟以往我看过的正确曝光不太一样。但是呈现的色彩那么漂亮；还有的照片我看不懂，它好在哪？一分析一放大，哦 原来是这样，硬生生把审美拔高，不局限于拍出千篇一律的正常曝光的照片。 读下来会发现，要拍好照片，从身边开始，多走多拍，无论晴天雨天阴天雪天，无论长焦广角中焦，擅于抓住出现在画面中的一切事物的特性，对你手里的工具了然于心。去思考，带上理解去拍，为的是不陷入技术的自嗨，而是让照片更耐看。

对于小白还是蛮推荐的，通过对话了解了一些镜头的特性，一些光的使用方向

很喜欢这本书将摄影的元素灵活运用在生活中的各个场景之中，开拓思路。举例的照片也好看。唯一不足(减掉一星)的是排版：照片和文字距离太大，接不上，需要来回去翻找。

结合实战，讲解各种光线的优势、各种天气的优势，各种镜头的优势。使读者能够仔细揣摩，然后学以致用，最终悟出自己的摄影心得。

内容对比是指因被摄对象的本质和内涵之间的巨大差异而形成的对比，如青春少女与暮年老者，时尚现代与传统复古等。 形式对比则是由事物之间的形式因素的差别而产生的对比，如明与暗、虚与实、高与低、大与小、轻与重、刚与柔、简与繁、曲与直和方与圆等。

拍出好照片的决定性因素不是器材、不是光线、不是题材，而是你的眼光。

在熟悉的场景找出陌生的地方，在无序的背景里发现有序的视觉。另外，这书中有许多照片是在弱光环境里拍摄的，因此在相机的设置里，几乎都增加或者减少了曝光补偿。

以采访形式搭配高质量的摄影作品解释了一些摄影技巧，诗一样的标题，难得是采访提问者也有一定的专业摄影基础，加上大师的回答，感觉非常透彻，看了图很多原来还能这样的感慨。大师去的有好些地方我都去过，深知其中功力。不过我是跳着挑着看完的，有时间应该再精读几遍，很多值得学习的地方。

要有一双发现美的眼睛������